В июле 2010 года впервые во Владивостоке, в Музее современного искусства ДВГТУ «Артэтаж» состоялась выставка «Полосатый рейс», где были представлены работы участника творческго объединения художников «Митьки» (г. Санкт-Петербург) Дмитрия Шагина.
Также Дмитрий Шагин совместно с группой 33+1 и Владимиром Рекшаном расписали стену одного из домов города.
Рисовать тушью «запоем» я стала, когда кончились краски :). А именно-это был 86 год, мастерская в подростковом клубе, лето — работы не было, денег тоже, а вот перьев — целая коробка, тушь по 10 копеек, и бумаги клубной — до потолка! (Cпасибо Ветте, а именно — Виолетте Эдуардовне Жухимович — директору, другу и актрисе, а также — культовому человеку в Ленинграде, Санкт-Петербурге).
Вот и пошли серии графики — крыши (день, прожитый без крыши — потерянный день!), переулки, дворы-колодцы, мостики, подъезды, кошки, собаки…
«Старая» графика (с
Ну а последняя — в основном — иллюстрации. Я стала старше и серьезнее :).
Однажды я обнаружил удивительную способность зрительного нерва: при нажатии на глазное яблоко, с внутренней стороны сетчатки начинают появляться неясные, трансформирующие и скользящие в пространстве объекты, чаще всего сферической формы.
Я смешал красное французское вино с порошком сангины и Аполлинером и перенёс эти объекты на бристольскую бумагу. Этим галлюциногенным микрогалактикам я присвоил название «Картофельные Эльфы».
Et voila, le résultat est devant vous, bon voyage allors! (И вот, результат перед вами, приятного путешествия!)
Точка отсчета. Точка схода в перспективе. Точка в предложении, меняющая смысл и казнить уже нельзя. Помиловать? Точка над «и» и точки над «ё». Дайте мне точку опоры — и я переверну землю. Дайте мне просто точку — и я сделаю тоже самое. Точки как мгновения нашей жизни, часто ставим точку и начинаем с чистого листа, в который раз. И вся жизнь помечена этими точками. Фотографии — хранители памятных мгновений жизни, всего лишь скопление точек, пикселов. Миллиарды лет истории земли. Человек — всего лишь точка в этом огромном пространстве. Человеческая жизнь — песчинка в пустыне жизни. А время бежит так быстро, утекая как песок сквозь пальцы. Что мы можем сделать за это время? Посадить дерево, вырастить сына, построить дом? Что можно сделать, пока точкой опоры не стали костыли? И на месте ответа таинственно-неоднозначнозначное многоточие… Можно попытаться оставить после себя свой след, свою точку в истории, а можно и дальше сидеть на «пятой точке». В общем-то, правильных ответов нет, вам выбирать точку зрения, а может многоточие и есть этот философский ответ.
Пуантель — графическая техника многоточия. Точкой можно выразить себя. Точка — средство выражения. Невероятно сложная и кропотливая техника, но ровно настолько же красивая. Как никакая другая в графике передает все тончайшие грани формы. Хотя, казалось бы, всего лишь точки. Точкой можно сказать очень много, высказать то, что находится не на поверхности, достучаться до истины. Когда слова часто повторяются, они перестают что-либо значить, устаревают, изнашиваются, становятся пустыми звуками, эхом отдаются в голове. Как же быть, как выразить себя, как сказать о главном? Писатели обычно играют со словами, тем самым вдыхая в них новую жизнь. А что же делать художникам? Вместо ответа многоточие. Сам ответ — многоточие.
Все вместе мы постарались графически выразить свои впечатления от гениальной сказки Льюиса Кэрролла «Алиса в стране чудес». В этой сказке тонкое переплетение реального и фантастического, каламбуров, соединения несоединимого, и наоборот разъединения неразрывно связанного, абсурд с одной стороны и величайшая глубина мысли с другой. Всё это, надеюсь, отразилось в картинах. Они полны аллюзий и ассоциаций. Но личность авторов и их богатое воображение не могли не отразится на иллюстрациях так же. Выставка — это Кэрролл в современном прочтении, это не буквальный пересказ, а творческое переосмысление, «Алиса в стране чудес» через призму современности. Все работы объединяет техника пуантели, только она могла показать всю тонкость и изящество ткани кэрролловского текста. В эпизоде, когда Голубка доказывает Алисе, почему та змея, если присмотреться к «доводам» Голубки оказывается, что нонсенс, на первый взгляд, не имеющий обоснований, логически выстроен и математически обусловлен. Нужно всего лишь сменить систему координат или точку отсчета.
Вам выбирать точку зрения, главное, чтобы точка зрения не заменила зрения. А я заканчиваю, но не ставлю точку, ставлю многоточие…
После моего недолгого преподавания на кафедре графического дизайна ДВГТУ, осталось несколько студентов, с которыми не хотелось расставаться и хотелось сделать что-то вместе. Так возникла идея этой выставки — собрать разные видения этой всем известной, но, вместе с тем, загадочной сказки. Работа продолжалась чуть больше года. Мне не хотелось в этот раз быть преподавателем для них, скорее равным партнером, может быть, отягощенным функциями организатора, в этом, конечно, помогал Артём Теняков (координатор проекта «Арт Владивосток»).
Всем была предоставлена полная свобода в выборе сюжетов, трактовке их и даже можно было сочинить своё продолжение сказки. Единственно пристрастно я относилась к технике исполнения. Поэтому, эти работы можно считать полноценной попыткой творческой практики ребят.
Продолжаем, начатую в январе, серию пейзажей Владивостока Евгения и Оксаны Осиповых. Сейчас город изменился. Зимой он камерный, что-ли, как комната в вашем доме. Весной он разворачивается и выгибается, как вы выгибаете дольку апельсина перед поеданием. Пространство, как будто, становится шире, небо выше, приходит новый воздух, новый соленый дух. Часто пахнет морем, новыми листьями и весной.
Рады представить вам вторую часть графических работ с летней выставки «Сибирь недальний восток», которая проходила в залах Приморской организации ВТОО «Союз художников России» в августе 2009 года. Многие работы, представленные на сайте, не вошли в экспозицию выставки, поэтому вы имеете уникальную возможность увидеть их у нас.
В 2009 году Санкт-Петербургский центр «Пушкинская-10» отмечал свое двадцатилетие. Деятели независимого искусства, объединенные в профессиональный творческий союз Товарищество «Свободная Культура», решили отметить эту дату, организовав международный фестиваль независимого искусства, который назвался «Уровень Моря».
Метафора «Уровень Моря», объединяющая приморские культуры, стала ключевой в концепции этого фестиваля. Такое объединение не случайно. Древние цивилизации, с их богатой культурой и искусством, существовали именно в диалоге с морем. Приливы и отливы определяли ритм жизни людей, от моря зависели их благополучие и благосостояние. Только средний — оптимальный — уровень моря гарантировал непрерывное развитие культуры и цивилизации. Древние законы имеют силу и в новое время.
Фестиваль проходил в Петербургском Центральном Выставочном зале «Манеж», где были представлены все виды современного искусства: живопись, печатная и цифровая графика, скульптура, инсталляция, видео-арт, фотография, перформанс, музыка.
Нам очень приятно, что в фестивале принимали участие художники-нонконформисты из Владивостока. Подобно возникновению Арт-Центра «Пушкинская-10» в Санкт-Петербурге, создание коллекции музея современного искусства «АртЭтаж» на основе произведений приморских нонконформистов во Владивостоке происходило 20 лет назад (официальная дата создания музея более поздняя — 12 апреля 1990 года).
В целом, Арт-Центр «Пушкинская-10» и музей нонконформистского искусства представляли концепцию организации фестиваля в петербургской системе координат. На уровне мирового океана четыре вектора, исходящих из нулевой отметки Уровня Моря на Кронштадском футштоке: Белое море (г.Архангельск), Черное и Средиземное моря (г. Одесса, Украина, Греция, Израиль, Италия), Тихий океан (г.Владивосток, Япония, США), Балтийское и Северное моря (г.Калиниград, Финляндия, Эстония, Литва, Латвия, Польша, Дания, Германия, Нидерланды).
«Уровень моря» как отметка к действию, несомненно, нас волнует, дает возможность выйти за пределы ограниченного, заглянуть за горизонты. Что бы ни говорили, природа, а в данном случае берега и независимое искусство нас всех объединяют.
А. Городний, директор музея современного искусства «Артэтаж»
Владивосток удивительный и уникальный город, второго такого нет в России. Его задворки, забардаченные пространства между домами, высокие виды из окон квартир на высоких последних этажах, конечно, интересней центральных улиц, туристических маршрутов. В эти квартиры вас никогда не пустят, дворы тоже запрятаны в ткани города, иногда, и для нас, жителей города. Так, наверное, во всех городах, этим они и заманивают туристов и не отпускают аборигенов. В работах Евгении и Оксаны Осиповых Владивосток приоткрывается, через них можно почувствовать его атмосферу, вспомнить, узнать что-то знакомое, или соблазниться, захотеть увидеть его наяву.
В августе 2009 года во Владивостоке в зале Приморской организации ВТОО «Союз художников России» прошла выставка красноярских художников под названием «Сибирь недальний восток». На ней было много всего интересного. Сейчас мы имеем возможность еще раз увидеть графические работы с этой выставки. С удовольствием представляем вам первую часть работ и беседу с куратором выставки Сергеем Форостовским.
Важно ли для художника профессиональное образование? Где нужно учиться?
Я думаю, что важно. На самом деле важно, а уж потом в твоих силах и в твоей компетенции остается, ты будешь работать в рамке школы либо откажешься от школы.
И школа нужна?
Школа 100% нужна. Потому, что это и кругозор, потому что это свобода.
А где нужно учиться? Потому, что, например, многие считают, что академическая школа она из тебя, что называется, выхолаживает все живое, есть такое?
Да, она вытравливает все живое.
Но это надо пройти?
Да, если ты природный художник, ты вытравишь потом из себя академическое. Но академическое это не есть плохо, то есть сам каждый для себя решает он будет потом в русле академизма работать или не будет. Если он первоначально художник внутри, он пройдет академизм…
Прорастет что-то, да?
Да, и пойдёт дальше, и будет искать свою дорогу, будет искать свой собственный путь. Другое дело, каждый сам для себя определяет качество и количество образования. Либо оно во времени растягивается, либо некоторым во времени не нужно столько сил и энергии тратить они гораздо быстрее форсирует этот путь, академический. Я, например, прошел весь академический путь, от самых низов до аспирантуры, все закончил и мне, на самом деле, стоило большого труда отойти от академизма. Но, тем не менее, я все это сделал. Но я мог и оказаться в русле академизма, тоже это бы мне не помешало. Поэтому вот эти вот разговоры «нужно ли художнику базовое образование или не нужно», я утверждаю еще раз, что оно нужно.
Ну, мы так тоже вообще-то думаем.
Такой же вопрос можно было бы задать Ростроповичу, и спросить у него – вам нужна была школа или нет, или вы бы остались на уровне любителя? В этом есть свой драйв, ты кайфуешь, ты можешь плавать по течениям, то тебя туда занесет, то сюда занесет, но при этом ты анализу подвергать не будешь то, что ты делаешь.
Это более такой высокий уровень, более глубокий… Существуют какие-то профессиональные критерии…
Конечно, как «Отче наш».
Вот это как раз проблема востока и запада, я много сейчас живу в Германии и там, на самом деле, очень слабая школа рисовальная, об академической я вообще молчу, последние 15-20 лет. Потому, что гуманно очень подходят к ученикам, жалеют их, не можешь ходить три раза в неделю – ходи два, не можешь два – ходи один или вообще раз в месяц. Такой строгости профессиональной нет и, в этом смысле, мы их опережаем, потому, что у нас выучка, у нас дисциплина внутренняя, мы всё можем. А потом ученичество – один из восточных путей, предполагает огромное смирение, поэтому смирись, пройди через школу, а потом выбирай себе путь, пожалуйста.
Существует такое выражение художник должен быть голодным (вообще творческий человек). Какие должны быть, по вашему мнению, взаимоотношения художника с деньгами?
Во-первых, каждый сам для себя определяет степень голода. Я тоже долго считал, что художник должен быть голодным. А сейчас я считаю, что у художника должны быть деньги. Деньги это что? Для меня деньги – это свобода. Я спокойно передвигаюсь по миру, например, из последних моих мест проживания: Иран, несколько месяцев я провел, путешествуя по Ирану; в мае я провел две выставки одну в Вестфалии, одну в Берлине; в июне я был во Внутренней Монголии; в августе я открываю выставку во Владивостоке, потом заезжаю в Харбин на два месяца по контракту, вот вам степень моей свободы. То есть, я, в принципе, голодный, у меня нет машины, только квартира, мне нужен минимум денег, чтобы я мог передвигаться, соответственно расти, соответственно развиваться. А сидеть голодным, да ещё бравировать тем, что ты голодный – это даже степень невоспитанности. Сейчас я так считаю, на данном жизненном этапе, 5-10 лет назад я считал по-другому.
Самая экзотическая площадка, где проходила ваша выставка?
Кроме официальных залов от Берлина до Харбина у нас была однажды выставка студенческих работ на Камчатке в рыболовецком колхозе, там был «День рыбака». Варились огромные чаны с ухой, спирт лился рекой, а у нас выставка была на улице, работы стояли на таких подставочках. В моей жизни была такая выставка: вот они горы, вот они вулканы, вот она рыба красная, которая идет в реках, и тут же выставка развернута прямо на футбольном поле, где рыбаки гуляют.
В мировом искусстве есть ли у Вас какие-то ориентиры, особо значимые имена?
Я очень люблю Эндрю Уайета (Andrew Wyeth), с самого детства люблю его творчество.
А что в нём вот такое вот, возвращаться заставляет?
Во-первых, самое главное, очень крутой ассоциативный ряд, при гиперреализме, у него отрисовано всё просто офигеть, кроме этого очень большая культура подачи и исполнения. Мастер вообще шикарнейший.
Как влияет на Ваше творчество чтение, есть ли у Вас любимые авторы?
Конечно, у меня настольная книга Маркеса «Сто лет одиночества», я её могу вдоль и поперек перечитывать.
А почему именно она?
Потому что там такая реалистическая сказка, бытовая фантастика и она очень философская книга, поэтому я её бесконечно читаю. Маркес для меня – это высший пилотаж.
Есть ли у вас тяга к экспериментам творческим?
У меня есть техника такая «Тихий стиль», когда я пишу без белил, то есть я использую белизну холста, делаю подкладку белым акрилом, а сверху пишу тряпками одной краской коричневой, только разной тону, разной степени яркости, вот эту технику я изобрёл, будучи в Китае.
Случалось ли у вас совместное творчество? Легко ли это?
Я несколько раз с парнями делал эксперименты в Харбине, мы втроем писали несколько картин и это очень интересно.
Это положительный был опыт, не раздражало?
Да, положительный. Внутренняя гармония должна быть между людьми, которые пишут. Гармония внутренняя не всегда же бывает, бывает, с человеком даже рядом находиться не можешь, человек молчит, ты молчишь, а внутри такое столкновение происходит. Поэтому когда мы втроем делали пейзажи, одновременно, не один пишет, а в «три руки», кто-то с чем-то не согласен, кто-то с тобой не согласен и в этом есть какая-то коммуникация и элемент толерантности, когда ты прислушиваешься к чьему-то мнению. И результат получился очень хороший.
Графика Лилии Зинатулиной поражает своим многообразием, но объединяющим мотивом является атмосфера погруженности в себя. Спокойствие, размеренность, плавность, медитативность, каждая работа, как мантра, погружает в колодец размышлений.
Продолжаем путешествие по миру Лилии.
