«Из краёв Владивостока» — под этим названием открылась 19-го августа 2010 года в галерее Мими Ферцт в Нью-Йорке выставка графики и живописи молодой художницы Ольги Ненаживиной, дочери известного скульптора Валерия Ненаживина и, естественно, жительницы Владивостока. В течение нескольких лет Ольга Ненаживина успешно работает в Нью-Йорке, городе, который американцы считают центром мирового искусства.
Прежде чем дать характеристику творчества этой замечательной художницы, сделаю небольшую историческую справку: с того времени, когда Пётр Великий «прорубил окно в Европу», русское общество разделилось на две группы. Одна приветствовала это сближение с Западом, другая противилась ему. В девятнадцатом веке они получили названия западников и славянофилов. Впоследствии появилась ещё одна группа, именовавшая себя евразийцами. Члены её считали Россию страной, принадлежащей и Западу и Востоку, своего рода мостом между ними. Мне кажется, что именно с такой евразийской точки зрения и следует рассматривать творчество Ольги Нанаживиной.
Но что же такое Запад и Восток в искусстве? Какие элементы того и другого вошли в её искусство? Сознательно делая большие упрощения, позволю себе сказать следующее: западная реалистическая живопись последних пятисот лет дала нам перспективу, иллюзию пространства и игру света и тени. Этим, однако, она уменьшила, а иногда и уничтожила, основной элемент изобразительного искусства — Линию… Перефразируя Книгу Бытия, можно сказать, что в начале всего была Линия, и она была от Бога и она стала Богом, то есть основой изобразительного искусства. Эту Линию сохранило искусство Востока, не поддавшееся искушению иллюзорности и сохранив плоскостное изображение окружающего мира. Неудивительно, поэтому, что западные художники конца 19-го века, «устав» от иллюзорного реализма, обратились к искусству не-европейских народов, в первую очередь к искусству Востока… Так появились в Европе увлечения сначала китайским, а потом японским искусством, «шинуази» и «жапонизм»…
Графика и живопись Ольги Ненаживиной целиком основаны на этих первичных и фундаментальных традициях Линии и Плоскости. Надо добавить, что Линия на Востоке — это не только контур, обрисовывающий предмет, она имеет свою «жизнь», то есть свою красоту и экспрессивность вне зависимости от изображаемого ею предмета.
Это прекрасно знает и чувствует Ольга Ненаживина. Обладая безупречным вкусом и формальным воображением, она создаёт сложные композиции, в которых содержание и форма представляют собой единое целое. Наиболее сильно в её творчестве влияние японской графики и цветной гравюры. Объясняется это не только близостью Владивостока к Стране восходящего солнца… Вспомним, что графика «Мира искусства» немало взяла от Обри Бердслея, блестящего английского рисовальщика, знакомого с искусством Японии, знавшего, что такое Линия и создавшего свой орнаментальный стиль… Иными словами, японское влияние шло не только через Сибирь, но, попав на Запад, и из Европы. Поэтому японский стиль в творчестве Ольги Ненаживиной имеет ещё и западные и даже славянские оттенки… Так, например, большое полотно под названием «Снег» изображает группу чисто японских фигур, одетых в японские одежды. Однако, их позы, то, что мы называем теперь «языком тела» для меня лично обладают какой-то византийской монументальностью. Восток для нас — не только Китай и Япония, но и Византия и даже Персия, то есть Ислам.
Если говорить о содержании работ художницы, то ключём могут быть их названия, например «В поисках пути», «Весна», «Море», «Молодость», «Бегство», «Комедианты, захваченные врасплох ветром», «Играя со Зверем», «Радость», «Море, берег и взгляд на Восток» (Перевод с английского мой, С.Г.). Символика этих работ может быть воспринята чисто индивидуально и описывать их в деталях не представляется нужным.
Все графические работы Ольги Ненаживиной исполняются японской тушью пером и кистью на бумаге, живописные — на полотне красками акрилик. Гамма их очень ограниченная, вариации чёрных и серых тонов с добавлением нескольких цветов, главным образом красного. Эта сдержанность в цвете делает живопись художницы естественным продолжением её графического мироощущения… На одной работе я хочу в особенности остановиться. Это — автопортрет художницы на ярко красном фоне. Он висит в самом начале выставки и как бы определяет её смысл. Называется он «Моя парти». Сорва «парти» в английском языке имеет два значения. Одно — это политическая партия, то есть содружество единомышленников. Другое — весёлое торжество, приуроченное к празднику, Дню рождения, Рождеству и так далее. «Парти» может быть просто радостной встречей друзей в доме устроителя. Что же мы видим на автопортрете Ольги Ненаживиной? Подперев лицо ладонями обеих рук, художница смотрит в небо. Лицо её бело и напоминает мима, пожалуй, Марселя Марсо или Жана-Луи Барро. Её головной убор представляет собой нечто вроде ладьи, в которой мы видим фигуры японских актёров (театр Кабуки?). все они — её друзья, которых она пригласила отпраздновать свою любовь к японской культуре.
Так, во всяком случае, можно истолковать этот автопортрет. Но он, если вдуматься, может иметь и более глубокий смысл, а именно: изобразительное искусство, подобно немой пантомиме, есть представление образов. Они символизируют челевеческие устремления и чувства.
Вспомним тут известные слова Шекспира, сказанные персонажем одной из его пьес (цитирую по памяти) — «Вся наша жизнь есть сцена и мы на ней актеры, у нас есть наши выходы и уходы и в течении жизни мы исполняем разные роли». Таким образом, мы можем сказать, что Ольга Ненаживина приглашает нас в театр, где на сцене представлена жизнь, увиденная глазами русской художницы, стоящей на грани Запада и Востока и смотрящей на неё с евразийской точки зрения. В целом выставка производит прекрасное впечатление своей изысканностью, красотой образов и интригующим символизмом.
В заключении хочу высказать несколько чисто личных соображений: наша западноевропейская цивилизация находится, как известно, в переходном состоянии. В неё, в результате глобализации, вливаются культуры Третьего мира. Из них влияние японской эстетики можно считать наиболее благотворным. В этом смысле творчество Ольги Ненаживиной можно считать указателем правильного пути, по которому может пойти искусство будущего — не по пути примитивизации и концептуализма с одной стороны и фотореализма — с другой, а путём эстетического восприятия окружающей нас действительности.
В последние годы остров Попова стал для многих художников заветной территорией, излюбленным ландшафтом для пленэрных поездок, а для некоторых и местом жизни более постоянной, которая требует уже настоящей укорененности в островной почве. Вообще, жизнь художников на островах — это замечательная традиция, которая придает приморскому искусству подлинное своеобразие. И тут надо непременно вспомнить, что вечным скитальцем по островам залива Петра Великого ещё в шестидесятых годах прошлого века стал Виктор Фёдоров, открывший эпоху приморского островного искусства, основатель островной плеяды художников. А вот остров Попова, пожалуй, первыми освоили график Марк Балабанов и живописец Жорж Кочубей, они своей долгой жизнью на этих берегах и собственным творчеством обозначили его имя на карте русского дальневосточного искусства.
Понятно, что всякий пленэр и прочие творческие путешествия по островам чаще всего завершаются пейзажными этюдами и картинами, для этого, собственно, туда и выбираются. Ведь остров — это, может быть, самая совершенная живая модель природы, материка, земли, наконец, окружённой океанским и небесным океаном. Для пейзажиста здесь есть всё, чего жаждет его душа: прибрежные скалы и пляжи, волны и вечно притягивающий взгляд открытый горизонт, лесные тропинки и опушки, ручьи и фантастически живописные лужи с бабочками и стрекозами, поселковые улочки с палисадниками и огородами. И воздух острова — прозрачный, изменчивый, то мерцающий туманом, то искрящийся отражёнными морской гладью солнечными лучами, и пылающее ночное небо, которое словно рушится на голову всей звездной архитектурой мироздания. Приметы островного пейзажа, его особая атмосфера, близкая настроению древней восточной поэзии, таятся уже в самом названии персональной выставки Анны Щёголевой «Сентябрь, Луна и Сверчок». Для нее знакомство с островом, как и для других художников, тоже начиналось с пейзажа, но вот увело её дальше — к самой сердцевине островного бытия.
Семилетняя жизнь на Попове, которая начинается весной и завершается поздней осенью, обернулась для неё не только привычным и необходимым образом существования, но и профессиональной потребностью, остров, можно сказать, стал её личной мастерской. Он преобразил творчество Щёголевой. Вслед за чисто пейзажными работами, словно присмотревшись к ней, он властно потребовал от автора жанровых, сюжетных картин, куда бы смогли вселиться и сами островитяне. Так в живопись Анны пришли рыбаки и старухи, дети и собаки, чайки и рыбы и даже лягушки и цикады, как полноправные обитатели этой земли. Остров в последнее время вообще занял центральное место в её творчестве, напитал его своим духом, своей философией.
С одной стороны, жизнь и сам человек на острове, казалось бы, открыты постороннему взгляду, а с другой — за этой внешней открытостью и простотой быта скрыты глубины традиционного островного уклада жизни. Там царит сложная, строго предписанная, почти религиозная система взаимоотношений жителей с морем и уловом, погодой и сенокосом, огородом и дворовой живностью, приметами и островными духами. Говоря иными словами, в каждом островитянине, словно домовой в доме, притаился язычник, которому волей неволей приходится соблюдать обряды острова, чтобы противостоять океанским стихиям. И художнику удалось это почувствовать и передать в своих работах. Некоторые из них содержат в себе целую историю, — то реальную и драматичную, то анекдотичную, потешную, почти сказочную, какими часто бывают народные мудрые байки.
Анне и в прежних сюжетных работах была свойственна особая притчевость художественного высказывания, но тогда эти притчи отличались некоторой умозрительностью, не хватало реальной конкретики, деталей, просто живой достоверности. Например, в одной из прежних работ она могла поместить в смирительную рубашку сразу жену и мужа, как бы связывая обоих безумными узами супружества и ответственности. Сюжет вполне выразительный, если бы не его надуманность и прямолинейная назидательность. На выставке есть две подобных картины, пожалуй, одни из наиболее состоявшихся, если говорить о ранней творческой манере автора. Это «Песочные часы», где поток человеческих тел, подобно песку, праху, неудержимо сливается из верхней части гигантского стеклянного сосуда, окружённого звездной туманностью, в нижнюю; и «Игра в испорченный телефон» — сильное полотно, написанное в тревожных тёмных и красных тонах, где персонажи, передавая, понятное дело, искажённую, лживую весть, припадают к уху спокойной девушки, смотрящей прямо на зрителя. По сути, Щёголева напрямую материализует, оживляет очень отвлечённые, скорее, словесные метафоры, наполняя их личным эмоциональным и философским содержанием.
Произведения островного цикла сохраняют в себе эту авторскую тягу к притче, но разительно изменились герои — это уже не условные действующие лица, а действительно островитяне — от внешности и одежки до манеры поведения и привычки воспринимать мир со своей, островной точки зрения, которую, в общем, можно назвать просто русской. Изменилось и само пространство, в котором разворачиваются эти истории, — оно и островное, и русское, и народное, и в то же время мифическое. Автору удивительным образом удаётся преобразовать современную реальность в мифическое повествование, в котором, тем не менее, прочитываются сегодняшние, актуальные смыслы.
Вот островитяне сгрудились всей толпой, считай целиком улица, у внезапно упавшего с небес на берег Рога изобилия в ожидании даров: баба Вера с Тузиком, Витька соседский с тазиком, дядя Коля с удочкой и все-все-все. Но рог изобилия пуст, сколько в него ни заглядывай, потому что на наших отечественных островах он пуст всегда. Да и вообще, на головы таких вот простонародных персонажей Рог изобилия, если и падает, то неизменно уже опустошённым, — это такая русская забава, практикуемая на родных просторах, как материковых, так и островных.
Вот ошеломительная по своей неожиданности, фантастичности, народному юмору и сугубой житейской правдивости работа «Полет», на которой привязанный толстой веревкой мужик пытается взмыть в небо, а жена, крепко ухватившись за ручку ворота, намертво держит его на привязи. Ну, может, чуть отпустит, а потом всё равно обратно. Эх, икарушка, икарушка, братушка, как же тебя! — сказали бы питерские художники-митьки. И вся мизансцена этой трагикомедии, все её участники, предметы и детали — достоверны, убедительны и к месту: и дворовая собачка, каких на острове Попова не сосчитать, и надутая ветром рубаха мужика, и любопытная сорока, усевшаяся на вороте, и сандалии на ногах жены, и заботливо приготовленный на табуретке ужин — надо же ведь и покормить летуна.
Вот в картине «Нерест» рыбак в кепке и тельняшке хозяйским взглядом окидывает улов в лодке, где валом лежат опять же сказочные нерестовые лососи с горбатыми носами, а рядом не менее внимательно приценивается к добыче очередная поповская дворняга. И вся эта морская скульптурная группа вылеплена сильно, крупно, с монументальной подачей композиции, формы и цвета. А рядом с этой работой, практически второй частью диптиха, хорошо встает холст «Жажда», столь же впечатляющий по своему композиционному решению и живописному воплощению. И что-то очень родное, саднящее, из глубин национальной памяти, откликается сердцу в этом произведении: из какой реальности, из какой народной песни появился этот беглец, этот русский мытарь в советских кирзачах и ватнике, склонившийся пересохшим ртом над водой? И где ему искать привета и ответа, разве что у этих пушкинских золотых рыбок, что подплыли к нему…
Экспозиция персональной выставки Анны Щёголевой, надо отметить, весьма убедительно представляет сегодняшний широкий спектр её тем, профессиональные возможности её живописной техники и жанровое разнообразие работ, где есть место и сюжетной картине, и натюрморту, и пейзажу. И если в упомянутых холстах автору удается достичь подлинной эпичности своих сюжетов, причём проникнутых и юмором, и народной сказкой, то, например, в таких картинах как «Автопортрет из детства», а также «Лягушка» и «Сверчок» из серии «Ночные гости», Анна создает утонченные по колориту, музыкальные и хранящие поэтическую тайну и неизъяснимое эстетическое обаяние лирические произведения. В облике неловкой застенчивой деревенской девочки с букетиком в руке, в её подружке — козе с сиреневыми ушками, глазами и губами, что стоит вровень с героиней, доверчиво обернувшись к ней, мерцает что-то сокровенное для любого из нас, потому что все мы родом из детства. И все мы родом с острова по имени Россия. И родина наша, такое ощущение, уже окончательно растворилась в лиловой врубелевской перспективе деревенского вечера.
А «ночные гости» — это поистине два живописных стихотворения, почти в японском духе поэзии хайку, о визитах сверчка и лягушки в островной домик художника. Сверчок, сидящий на кувшине, окружённый холодновато-жемчужным светом полнолуния, и лягушка, ползущая по прозрачному стеклу на фоне сада, написанного в коричнево-золотых тонах летней ночи, становятся вестниками скрытой от нас за пеленой обыденности жизни, где сны становятся явью.
Остров Анны Щёголевой в художественном смысле действительно многомерен: это и реальный остров Попова с его жителями, бухтами, улочками, собаками и происшествиями, и вместе с тем внутри этого пространства, словно в сказочном яйце, продолжается русская жизнь со времен царя Гороха. И здесь уж, при таком-то раскладе, от этой жизни можно ждать чего угодно. Как это происходит, например, в работе «Небесное тело», где над поселковым народом, который всё пытается вытащить из проруби волшебную щуку, со свистом и пламенем проносится неопознанный объект. А, может, это и есть тот самый островной любитель полетов, который всё-таки сорвался с привязи.
Лети, мужик!
Александр Лобычев
Арт-директор галереи «PORTMAY»
Галерея «PORTMAY». Адрес: Владивосток, ул. Алеутская, 23А.
Телефон: +7 (4232) 302-493, 302-494.
URL: www.portmay.ru
Галерея работает без выходных с 10 до 19. Вход бесплатный.
Дальневосточная государственная академия искусств приглашает вас посетить художественный салон, в котором вы можете приобрести оригинальные живописные работы и керамические изделия.
ДВГАИ, Художественный салон «Курс»
Адрес: 690950, Владивосток, ул. Петра Великого, 3а,
Телефон: (4232) 22-51-64
URL: www.dv-art.ru
С 25 августа по 10 сентября в галерее Арка пройдет выставка работ художника Сергея Симакова из коллекции галереи. В экспозиции будут представлены графические и живописные работы художника, с которых начиналась выставочная деятельность галереи в 90-ых годах.
Сергей Симаков родился в 1955 году во Владивостоке. В 1982 году окончил Владивостокское художественное училище. Член творческих объединений «Штиль» и «Владивосток». С 1985 года участник российских и международных проектов. В творческой биографии художника 20 персональных выставок. Произведения Сергея Симакова хранятся в Российском Фонде культуры (г. Москва), Приморской государственной картинной галерее (г. Владивосток), Музее «Артэтаж-ДВГТУ» (г. Владивосток), Галерее современного искусства «Арка» (г. Владивосток), Сахалинском областном художественном музее (г. Южно-Сахалинск), частных и корпоративных коллекциях в России и за рубежом.
1 апреля 2010 года галерее «Арка» исполнилось 15 лет. За это время галерея прочно заняла свое место во Владивостоке, заявив о себе как в российском, так и в международном художественном пространстве. Галерея обрела друзей и единомышленников в лице коллег, художников, зрителей. С помощью динамично сменяющих друг друга экспозиций галерея старается отразить творческий поиск художника и результат этого поиска, познакомить зрителя с новыми тенденциями в современном искусстве, показать проекты известных российских и зарубежных художников. Роль галерей, работающих с художниками, собирающих произведения искусства и выставляющих их в рамках своей просветительской деятельности, нельзя недооценивать. Она повышается на наших глазах вместе с тем, как растет и роль современного искусства в обществе. Потому накопленный архив галереи нуждается в выставлении в юбилейный год, как никогда раньше.
В целом, коллекция галереи сегодня насчитывает несколько сотен единиц хранения. В её основу легли приобретённые собственниками живопись, графика, фотография, видео, керамика, объекты российских и зарубежных художников. За годы выставочной деятельности она пополнилась новыми приобретениями, дарами художников и коллег-галеристов.
Адрес: ул.Светланская, д.5
Тел.: +7 (4232) 41-05-26, факс: +7 (4232) 32-06-63 www.arkagallery.ru и www.artnet.com/arka.html
Галерея открыта со вторника по субботу с 11:00 до 18:00
Дом, мастерская, собака, кошка с многочисленными детьми. Жена.
Звонит телефон, то мама, которой отмечают 90, то дочь с внучкой из Нью-Йорка.
Наверху мастерская младшей дочери, туда трудно забраться, но там постоянно кто-то суетится. Внук.
Его территория внизу, на первом этаже. Летом всегда открыто окно, двор как будто входит в комнату. Вокруг работы и работа. Он как всегда за столом, деревянная пепельница, лист бумаги. Мыслями, наверное, где-то в прошлом. Люди из детства, друзья, знакомые оттуда постоянно присутствуют в его рассказах. Ещё в них много иронии, много забавного и смешного.
Я спрошу у него сегодня — вам не хочется начать всё сначала сейчас?
Скорее всего он ответит «нет».
Кира Лукьянчук,
координатор проекта «Арт Владивосток»
P.S. Информацию о Валерии Ненаживине, а так же другие его работы вы можете посмотреть в галерее «Арт Владивосток» в разделах: графика, скульптура.
В июле 2010 года впервые во Владивостоке, в Музее современного искусства ДВГТУ «Артэтаж» состоялась выставка «Полосатый рейс», где были представлены работы участника творческго объединения художников «Митьки» (г. Санкт-Петербург) Дмитрия Шагина.
Стена на Молодёжной
Также Дмитрий Шагин совместно с группой 33+1 и Владимиром Рекшаном расписали стену одного из домов города.
Официальный сайт творческого объединения «Митьки»: www.mitkiart.ru
Впервые Дальневосточная государственная академия искусств проводит цикл учебных выставок. Выставляются этюды, наброски первых преподавателей Академии, для того, чтобы показать как работает художник. С многих этюдов написаны известные картины, которые находятся в различных музеях и галереях мира.
Первая такая выставка состоялась в июне 2010 года в салоне ДВГАИ. Это были этюды Кирилла Ивановича Шебеко, предоставленные его родственниками.
Кирилл Иванович Шебеко — член-корреспондент Российской Академии художеств. Ушёл из жизни в 2004 году в возрасте 83 лет. Всю свою жизнь отдал живописи, воспитал целую плеяду живописцев. Участвовал в Великой Отечественной Войне, был ранен.
Наталья Попович,
декан художественного факультета ДВГАИ
Кирилл Иванович Шебеко
Родился 20 мая 1920 года в селе Циммермановка Нижне-Амурской области Хабаровского края.
1936-1940: Учился в Благовещенском художественно-педагогическом училище у П.С. Евстафьева.
1941-1943: Участник Великой отечественной войны, награждён орденами Славы 3-ей степени, Отечественной войны 2-ой степени.
1943: Демобилизован их армии как инвалид 2-ой группы, осенью в Самарканде поступает на факультет живописи Всероссийской Академии художеств.
1944-1950: Учился в Институте живописи, скульптуры и архитектуры имени И.Е. Репина (мастерская батальной живописи профессора Р.Р. Френца).
1950-1968: Преподаёт рисунок и живопись во Владивостокском художественном училище.
1950-1993: Художник приморского отделения Художественного фонда РСФСР.
1951: Начало выставочной деятельности, принят в Союз художников СССР.
1968-2004: Работает на кафедре живописи и рисунка Дальневосточного государственного педагогического института искусств, преподавателем, старшим преподавателем, доцентом, профессором живописи и рисунка.
1966: Получает почётное звание «Заслуженный художник РСФСР».
1981: Получает почётное звание «Заслуженный деятель искусств РСФСР».
1987: Имя К.И. Шебеко занесено в «Книгу трудовой славы» Министерства культуры СССР и ЦК профсоюза работников культуры СССР.
1995: Член-корреспондент Российской Академии художеств.
1999: Член-корреспондент Петровской Академии наук и искусств.
2000: Награждён Золотой медалью Российской Академии художеств; член комиссии по помилованию при губернаторе Приморского края; почётный гражданин г. Владивостока.
Умер 3 марта 2004 года, похоронен на Морском кладбище г. Владивостока.
Выставки
1951-2004: Участник городских, краевых, зональных, республиканских, Российских и Всесоюзных выставок.
Персональные выставки: 1981 — г. Москва; 1981 — г. Ленинград; 1992 — г. Саппоро; 1970, 1980, 1990, 2000, 2005 — персональные юбилейные выставки, г. Владивосток.
Участие в зарубежных выставках — 1982-1996 гг.: «Художники РСФСР» (Бенин, Афганистан, Болгария, Югославия, ФРГ, Великобритания); «Изобразительное искусство РСФСР» (Индия); «Сибирь в произведениях художников РСФСР» (Западный Берлин); «Мир отстояли — мир сохраним» (ГДР, Польша); «Дни культуры РСФСР» (ФРГ); «Советская Россия» (Греция); «Космос и мир» (Индия); групповая выставка произведений художников РСФСР (Франция); групповые выставки произведений художников Приморья (КНР, Республика Корея).
Музеи и коллекции
Работы находятся в Государственной Третьяковской галерее; Приморской государственной картинной галерее; управлении культуры Администрации Приморского края; Государственном объединённом музее им. В.К. Арсеньева; Сахалинском областном художественном музее; Читинском областном художественном музее; Дальневосточном художественном музее, г. Хабаровск; Музее изобразительных искусств, г. Комсомольск-на-Амуре; Амурском областном художественном музее, г. Благовещенск; Бурятском республиканском художественном музее им. Ц.С. Сампилова; Бендерской картинной галерее; Закарпатском художественном музее; Художественном музее, г. Зеленогорск; Камчатском областном художественном музее; Карагандинском музее изобразительных искусств; Красноярском художественном музее им. В.И. Сурикова; Магаданском областном краеведческом музее; художественном музее Удмуртского государственного университета; Национальном художественном музее республики Саха; отделе культуры аппарата командования Погранвойсками МО РФ; Государственном музейно-выставочном центре РОСИЗО; частных и корпоративных коллекциях в России и за рубежом.
