Печатная графика (эстамп) была создана в первую очередь для многократного воспроизведения (иллюстраций, репродукций живописных работ, плакатов и т.д.), поскольку фактически являлась единственным способом массового тиража изображений.
В наше время это не актуально в связи с развитием разных множительных техник и печатная графика стала самостоятельным видом изобразительного искусства где графическим технологиям отводится роль скорее дополнительного художественного языка, чем способа размножить нарисованное.
По технике выполнения печатную графику в основном делят на «Высокую», «Глубокую» и «Плоскую» печать.
Высокая печать
Поверхность клише неровная, краска наносится валиком или кистью на выпуклые места, а углубления остаются чистыми, бумага прикладывается и прижимается прессом, ложкой, валом и т.п. (по аналогии с печатями на документах)
Ксилография, автор не известен
Ксилография (гравюра на дереве) — один из самых старинных способов печати. На доске резцом вырезается рисунок. Полученный оттиск зависит от породы дерева, качества резца (это и дешевый массовый печатный лубок, и экслибрис с тонкими тональными переходами). Также называется продольной гравюрой. Техника требует помимо особого видения очень высокого мастерства.
Торцовая гравюра на дереве изобретена к Англии в конце XIX в. Здесь поверхностью служит поперечный срез дерева и не надо быть привязанным к волокнам, что дает большую свободу действий при работе с линией и тоном. По работе и результату на нее похожа гравюра на пластике. Очень изящные вещи.
Линогравюра, Власенко, Кубан. ПГУ, 1968
Линогравюра из-за особенности материала тяготеет к крупным монументальным формам и резким тональным переходам, часто плакатного типа. Широко применялась с конца XIX по середину XX в. Лучше всего для нее подходит старый (пробковый) линолеум, который сейчас по-моему не выпускают. Из современных используют линолеум без рельефа и гладкого покрытия, иногда режут по обратной стороне с ровной фактурой. Печатают по сухой бумаге в прессе или прокатывая в офортном станке. Интересные эффекты можно получить используя фактурную бумагу типа обоев.
Гравюра на картоне дает небольшое число оттисков, зато продавливается целиком, что хорошо применяется для разнообразия фактур и тонов.
Глубокая печать
При глубокой печати краска, наоборот, заполняет углубления, канавки и неровности, а с гладкой поверхности счищается. Влажная бумага прижимается к доске и прокатывается под большим давлением в офортном станке, где вал с сукном или войлоком вдавливает ее в доску, заставляя выбирать краску из углублений.
Сухая игла, Т. Немальцева. 2 курс, 2003
Резцовая гравюра и сухая игла. Самый тяжелый и трудоемкий вид печатной графики. На металлический лист (в основном медный) резцами или иглами разного сечения наносятся штрихи-бороздки, где будет краска, причем чем глубже бороздка, тем насыщеннее получится линия. Это знаменитые гравюры Дюрера, в России, например, морские баталии Зубова. На худ.-граф. факультетах МПГУ и других московских педагогических вузах вместо металла царапают по оргстеклу и толстой пленке, что гораздо легче, но дает меньше оттисков (что впрочем сейчас не так актуально). При печати очень эффектно совмещается с монотипией (если краску с доски вытирать не полностью), что многие графики-эстеты считают «грязью», когда где-то не виден штрих, а на мой «живописный» взгляд — это очень интересно, потому что при этом каждый оттиск не похож на другой.
Офорт, акватинта, И. Янов, дипл. лист из серии, 1997
Меццо-тинто («средний тон») — доску сперва делают шершавой с помощью специальных зубчатых «качалок» или протравливают в кислоте, что дает при печати темный бархатистый тон, а потом заглаживают и полируют светлые места будущего оттиска. Получается чем-то похоже на черно-белую репродукцию живописи времен классицизма и романтизма (тогда, собственно, меццо-тинто и было очень распространено).
Пунктир был придуман в Англии во времена барокко и рококо. Рисунок делался не штрихами и линией, а набиванием множества мелких точек. Эффект был потрясающий, но ввиду своей «маньячности» эта техника долго не просуществовала.
«Карандашная», «пастельная» и прочие «манеры» — так называлились гравюры, где доску гравировали с помощью хитрых приспособлений типа колесиков с иголочками, зубчатых гребенок и других, что при печати давало эффект рисунка карандашом, углем, пастелью и т.п.
Офорт (или травленый штрих) — наиболее всеми любимый и распространенный вид графики. Доска (медь, цинк, сталь) покрывается специальным лаком и царапать надо по лаку, обнажая металл, что гораздо легче и не сковывает линию, а бороздки и неровности делает кислота (в основном азотная), разъедая металл и почти не трогая лак. Недостатком является то, что кислота «тупо» травит линии одинаковой толщины и глубины, поэтому используют иглы разного диаметра и применяют много разнообразных приемов:
Акватинта («водный тон») — насыпается порошок канифоли или соли, что дает при травлении множество светлых или темных точек, лак наносится разной плотности в разных участках, можно жидко размывать кистью, разные участки травят разное время и разное число раз и т.д. Получаются очень глубокие тоновые переходы, часто похоже на рисунок кистью (отсюда название). Самые известные акватинты — у Гойи.
Мягкий лак, автор не известен
Лавис — похоже на акватинту, только кистью наносится не лак, а собственно кислота в разных количествах на разные участки при травлении.
Резерваж — рисунок наносится тушью с сахаром, масяной краской и всем тем, что не дает офортному лаку закрепиться в данном месте, потом лак смывается водой, обнажая металл как раз там, где был рисунок, и травится доска кислотой.
Белый штрих — после легкого травления лак смывают с поверхности доски и наоборот оставляют в образовавшихся бороздках, потом сильно травят, вся доска проедается, а эти бороздки становятся выпуклыми, их шлифуют, и они при печати становятся светлыми на темном фоне доски.
Мягкий лак — в офортный лак добавляют бараний жир, и он становится липким. На доску кладется бумага и на ней рисуют. Лак прилипает к бумаге, открывая металл для травления. Получается похоже и на литографию, и на монотипию, такой «угольно-карандашный» оттиск. Можно вместо бумаги накладывать фактурный материал.
Конгрев — доска сильно травится до глубокого рельефа и печатается без краски. На бумаге получается тиснение.
Плоская печать
При плоской печати краска химическим или каким-либо другим способом каждый раз прилипает к поверхности клише там где надо, а где не надо не ложится.
Литография, Мельников, 1968
Литография — появилась в Германии с XIXв. Плоскую поверхность камня (известняк) и реже металла зажиривают там, где должна лечь краска, а пустые места протравливают кислотой с клеем, при печати камень смачивают водой (жирные места остаются сухими) и накатывают валиком краску, которая не ложится на мокрые места, прикладывают сухой лист бумаги и протаскивают через литографский пресс. Если камень хорошо обработан, то собственно процесс печати самый простой, его даже легко автоматизировать. Рисунок наносят литографским (жирным) карандашом на шершавый камень и литографской тушью на гладкий, также можно переносить изображение с камня на камень, со специальной бумаги на камень, покрыть камень асфальтовым грунтом и процарапывать и т.п. С XIX до сер.XXв — любимый многими художниками вид графики и основной способ печати цветных плакатов и рекламы. В эпоху модерна достиг расцвета (например знаменитые плакаты Мухи и Тулуз-Лотрека).
Цветная литография, автор не известен
Цинкография, офсетная печать и термопечать тоже можно отнести к плоской или почти плоской печати, а также различные современные печатные и множительные технологии, но с художественной точки зрения (участия графического процесса в творчестве) они малоинтересны.
Монотипия, Д. Жуков, Наблюдатель, 2004
Монотипия (одноразовая печать). Используется эффект «сплющивания» краски в разных вариациях. На гладкую поверхность наносят рисунок акварелью, маслом и другими красками и прижимают лист бумаги или прокатывают в станке под давлением. Наиболее демократична и проста т.н.«обратная» монотипия, когда по поверхности ровно раскатывают густую краску, кладут сверху лист и рисуют по нему карандашом, пальцем и всем чем угодно. На обратной стороне получается изображение с «копирочным» эффектом, тонкими линиями и широкими пятнами.
Граттаж, копия, 3 курс
Граттаж (имитация гравюры). Бумагу или картон покрывают воском или парафином, грунтуют каким-либо тоном (чаще темным) и процарапывают открывая белую бумагу (или наоборот). Вещь очень хрупкая и непрочная. На мой лично взгляд хороша для применения в детском саду в комплексе с выжиганием и чеканкой, хотя есть люди, которые это дело чувствуют и создают очень красивые и интересные вещи.
Это конечно очень беглый и поверхностный обзор и рассмотрены далеко не все виды печатной графики. Многие названия в разных мастерских означают совершенно разные вещи. И вообще я надеюсь что это только начало дискуссии.
Статья размещена с согласия автора
Жуков Денис: dio land.ru
В выставке графики в залах Приморского союза художников в декабре 2010 года участвовало более 30 художников. Представлено около 100 графических листов, выполненных в разных техниках. Рисунок карандашом, тушью, сангиной, акварель, пастель, гуашь; печатная графика — литография, линогравюра, офорт, ксилография; работы в смешанной технике и технике граттажа — разнообразие представленного материала вызывает уважение и к цеху художников, и к самому виду изобразительного искусства, дающего столь широкие возможности выражения творческого замысла.
Магическое пространство, в котором особым образом складываются отношения изображаемого предмета и плоскости, мастер графики В.А. Фаворский назвал «воздухом белого листа». В этом воздухе рождается искусство, в основе которого лежит линия, сочетания чёрного и белого, способность к штудированию натуры, передаче с помощью беглого наброска сути изображаемого. Оно изначально давало художникам практически неограниченную свободу творчества.
Как самостоятельная область искусства приморская графика сформировалась в 1960-е. Эстамп, линогравюра, офорт, акварель, ксилография появляются на краевых и зональных выставках. Темы этого периода — приморский пейзаж, рыбацкая тема, виды города, история страны. Они отчётливо звучат в нынешней выставке, давая примеры классической школы и мастерства К. Шебеко, Т. Кушнарёва, И. Кузнецова, В Чеботарёва, В. Олейникова.
В 1990-х проявляется тяготение художников к поиску формы, цветовых сочетаний, дающих серии работ, близких к абстракции. Техники, в которых работают Е. Макеев, В. Шапранов, И. Зинатулин, Л. Зинатулина, Е. Никитина, близки к живописи: гуашь, смешанная техника с использованием акрила. Тяготение к масштабным сериям отражает экспериментальный подход.
В последние годы появляется графика, в которой отражается специфика современной визуальной культуры и технологические возможности времени.
Хронологический диапазон выставки довольно широк: представленные работы датированы от 1970-х до 2010-го. Это позволяет увидеть некий срез искусства, сравниваемого исследователями с поэзией.
Куратор выставки — О. И. Зотова, кандидат искусствоведения,
доцент кафедры издательского дела и полиграфии
Института массовых коммуникаций ДВФУ
Рады представить вам вторую часть графических работ с летней выставки «Сибирь недальний восток», которая проходила в залах Приморской организации ВТОО «Союз художников России» в августе 2009 года. Многие работы, представленные на сайте, не вошли в экспозицию выставки, поэтому вы имеете уникальную возможность увидеть их у нас.
Координаторы проекта «Арт Владивосток»
P.S. Спасибо всем красноярским и приморским художникам, участвовавшим в этом грандиозном проекте!
В августе 2009 года во Владивостоке в зале Приморской организации ВТОО «Союз художников России» прошла выставка красноярских художников под названием «Сибирь недальний восток». На ней было много всего интересного. Сейчас мы имеем возможность еще раз увидеть графические работы с этой выставки. С удовольствием представляем вам первую часть работ и беседу с куратором выставки Сергеем Форостовским.
Важно ли для художника профессиональное образование? Где нужно учиться?
Я думаю, что важно. На самом деле важно, а уж потом в твоих силах и в твоей компетенции остается, ты будешь работать в рамке школы либо откажешься от школы.
И школа нужна?
Школа 100% нужна. Потому, что это и кругозор, потому что это свобода.
А где нужно учиться? Потому, что, например, многие считают, что академическая школа она из тебя, что называется, выхолаживает все живое, есть такое?
Да, она вытравливает все живое.
Но это надо пройти?
Да, если ты природный художник, ты вытравишь потом из себя академическое. Но академическое это не есть плохо, то есть сам каждый для себя решает он будет потом в русле академизма работать или не будет. Если он первоначально художник внутри, он пройдет академизм…
Прорастет что-то, да?
Да, и пойдёт дальше, и будет искать свою дорогу, будет искать свой собственный путь. Другое дело, каждый сам для себя определяет качество и количество образования. Либо оно во времени растягивается, либо некоторым во времени не нужно столько сил и энергии тратить они гораздо быстрее форсирует этот путь, академический. Я, например, прошел весь академический путь, от самых низов до аспирантуры, все закончил и мне, на самом деле, стоило большого труда отойти от академизма. Но, тем не менее, я все это сделал. Но я мог и оказаться в русле академизма, тоже это бы мне не помешало. Поэтому вот эти вот разговоры «нужно ли художнику базовое образование или не нужно», я утверждаю еще раз, что оно нужно.
Ну, мы так тоже вообще-то думаем.
Такой же вопрос можно было бы задать Ростроповичу, и спросить у него – вам нужна была школа или нет, или вы бы остались на уровне любителя? В этом есть свой драйв, ты кайфуешь, ты можешь плавать по течениям, то тебя туда занесет, то сюда занесет, но при этом ты анализу подвергать не будешь то, что ты делаешь.
Это более такой высокий уровень, более глубокий… Существуют какие-то профессиональные критерии…
Конечно, как «Отче наш».
Вот это как раз проблема востока и запада, я много сейчас живу в Германии и там, на самом деле, очень слабая школа рисовальная, об академической я вообще молчу, последние 15-20 лет. Потому, что гуманно очень подходят к ученикам, жалеют их, не можешь ходить три раза в неделю – ходи два, не можешь два – ходи один или вообще раз в месяц. Такой строгости профессиональной нет и, в этом смысле, мы их опережаем, потому, что у нас выучка, у нас дисциплина внутренняя, мы всё можем. А потом ученичество – один из восточных путей, предполагает огромное смирение, поэтому смирись, пройди через школу, а потом выбирай себе путь, пожалуйста.
Существует такое выражение художник должен быть голодным (вообще творческий человек). Какие должны быть, по вашему мнению, взаимоотношения художника с деньгами?
Во-первых, каждый сам для себя определяет степень голода. Я тоже долго считал, что художник должен быть голодным. А сейчас я считаю, что у художника должны быть деньги. Деньги это что? Для меня деньги – это свобода. Я спокойно передвигаюсь по миру, например, из последних моих мест проживания: Иран, несколько месяцев я провел, путешествуя по Ирану; в мае я провел две выставки одну в Вестфалии, одну в Берлине; в июне я был во Внутренней Монголии; в августе я открываю выставку во Владивостоке, потом заезжаю в Харбин на два месяца по контракту, вот вам степень моей свободы. То есть, я, в принципе, голодный, у меня нет машины, только квартира, мне нужен минимум денег, чтобы я мог передвигаться, соответственно расти, соответственно развиваться. А сидеть голодным, да ещё бравировать тем, что ты голодный – это даже степень невоспитанности. Сейчас я так считаю, на данном жизненном этапе, 5-10 лет назад я считал по-другому.
Самая экзотическая площадка, где проходила ваша выставка?
Кроме официальных залов от Берлина до Харбина у нас была однажды выставка студенческих работ на Камчатке в рыболовецком колхозе, там был «День рыбака». Варились огромные чаны с ухой, спирт лился рекой, а у нас выставка была на улице, работы стояли на таких подставочках. В моей жизни была такая выставка: вот они горы, вот они вулканы, вот она рыба красная, которая идет в реках, и тут же выставка развернута прямо на футбольном поле, где рыбаки гуляют.
В мировом искусстве есть ли у Вас какие-то ориентиры, особо значимые имена?
А что в нём вот такое вот, возвращаться заставляет?
Во-первых, самое главное, очень крутой ассоциативный ряд, при гиперреализме, у него отрисовано всё просто офигеть, кроме этого очень большая культура подачи и исполнения. Мастер вообще шикарнейший.
Как влияет на Ваше творчество чтение, есть ли у Вас любимые авторы?
Конечно, у меня настольная книга Маркеса «Сто лет одиночества», я её могу вдоль и поперек перечитывать.
А почему именно она?
Потому что там такая реалистическая сказка, бытовая фантастика и она очень философская книга, поэтому я её бесконечно читаю. Маркес для меня – это высший пилотаж.
Есть ли у вас тяга к экспериментам творческим?
У меня есть техника такая «Тихий стиль», когда я пишу без белил, то есть я использую белизну холста, делаю подкладку белым акрилом, а сверху пишу тряпками одной краской коричневой, только разной тону, разной степени яркости, вот эту технику я изобрёл, будучи в Китае.
Случалось ли у вас совместное творчество? Легко ли это?
Я несколько раз с парнями делал эксперименты в Харбине, мы втроем писали несколько картин и это очень интересно.
Это положительный был опыт, не раздражало?
Да, положительный. Внутренняя гармония должна быть между людьми, которые пишут. Гармония внутренняя не всегда же бывает, бывает, с человеком даже рядом находиться не можешь, человек молчит, ты молчишь, а внутри такое столкновение происходит. Поэтому когда мы втроем делали пейзажи, одновременно, не один пишет, а в «три руки», кто-то с чем-то не согласен, кто-то с тобой не согласен и в этом есть какая-то коммуникация и элемент толерантности, когда ты прислушиваешься к чьему-то мнению. И результат получился очень хороший.
Кира Лукьянчук, Артём Теняков
Координаторы проекта «Арт Владивосток»
P.S. Спасибо всем красноярским и приморским художникам, участвовавшим в этом грандиозном проекте!