Персональная выставка Тимофея Кушнарёва — возможность вспомнить, а для кого-то познакомиться с творчеством удивительно светлого, лиричного художника, работавшего во Владивостоке во второй половине ХХ века.
В приморское искусство участник Великой Отечественной войны, живописец и график, Тимофей Кушнарёв пришёл в 1952. Он поступил во Владивостокское художественное училище в 1947 году сразу же после ухода в запас. По окончании училища начал работать в Художественном фонде Приморского союза художников. Пришедший в профессию позже, чем его сверстники, Тимофей Кушнарёв оказался художником по своей сущности. По внутреннему складу, по интуитивно ощущаемому внешнему миру вещей и обстоятельств, которые в его тонких и светлых акварелях, в точном рисунке графических листов представали в новом для зрителя качестве.
Это ощущение, не побоимся пафоса, было дано свыше. С самого начала ничто, в общем-то, не способствовало выбору творческой профессии. Чрезвычайно скудное детство в многодетной семье, война. Кушнарёв прошёл всю Отечественную в западной части страны, после Великой Победы дослуживал в Манчжурии и на Сахалине, демобилизовался в 1948 году, когда уже многие определились в мирной жизни. Ему, почти тридцатилетнему, надо было начинать заново, и он …идёт в художественное училище, подчинив свою дальнейшую жизнь исключительно изобразительному искусству.
Первая мастерская в Доме художника была общей. Индивидуальная появилась много позже в 1970-е, когда он уже был участником всех зональных выставок «Дальний Восток». На его столе всегда краски, этюд — только что вернулся из творческой поездки… К слову, поездки были для художника, не получившего в силу сложившихся обстоятельств (возраст, необходимость содержать семью) высшего образования, возможностью творческого поиска, расширения горизонтов, эксперимента с новой натурой. Кушнарёв ездил сам, с группой акварелистов, был в заездах на Челюскинской даче. География — Байкал, Прибалтика, конечно, Приморье. Критически относящийся к себе, он всегда восхищался тем, как много работают художники Москвы, Ленинграда. Он очень любил русское реалистическое искусство, следовал традициям русской школы. Общение в процессе творческих поездок с художниками других регионов помогало Тимофею Кушнарёву точнее увидеть и оценить то, что делает сам. И от этого рождалось стремление пробовать новое.
В одном из интервью местной прессе в 1970-х Тимофей Кушнарёв говорил: «Себя нужно искать. Искать в любом материале. Работал маслом, акварелью, этим не ограничился. Перешёл к офорту, эстампу, гравюре». Сотни графических листов, выполненных в разных техниках, — свидетельство этих поисков. В своей книге «Художники Приморья» Виталий Кандыба пишет: «В 1960-е графика оформилась как вполне самостоятельная область искусства Приморья. Качественно новый этап начался с появления и развития всех видов эстампа». И называет одного из состоявшихся мастеров линогравюры и офорта Т. Кушнарёва.
Он не был громким, многословным. Пристально рассматривая в лупу офорты Рембрандта, рисунки К. Кольвиц, изучал мельчайшие детали работ. Его профессиональная грамотность вызывала уважение. По–военному дисциплинированный, в душе он оставался большим поэтом, тонким лириком, высказывание которого звучало в акварелях. Даже индустриальные пейзажи (серия «Шахты Караганды») окрашены этим лирическим звучанием.
Отдельной темой в творчестве был город. Владивосток, ставший для родившегося в Амурской области художника родным, предстаёт в его работах многоликим и удивительно красивым. Яхты, Спортивная гавань, парк Минного городка, улицы, пирсы и доки, корабли и причалы, гроза над заливом, влажное утро и одинокий мальчишка, мечтающий на набережной о будущей профессии — в работах Тимофея Кушнарёва есть всё, что позволяет создать настоящую художественную поэму о городе.
Художника нет с нами. Но начатая им линия продолжается: его дочь Людмила Убираева — участница многих выставок в Приморье и за рубежом, член международной ассоциации «Цветы мира». В отличие от отца, она о выборе профессии не задумывалась. Это было само собой разумеющимся обстоятельством. С первых лет жизни она наблюдала за тем, как работает Тимофей Кушнарёв. Вот уже более 30 лет и сама преподаёт во Владивостокском художественном училище, воспитывая новых художников. Вместе с ней подготовлена представленная выставка. Она состоит из двух частей: в первую вошли линогравюры, рисунки и акварели, посвящённые Владивостоку. Во вторую часть — акварели с пейзажами Приморского края.
Куратор выставки Ольга Зотова,
Доцент кафедры Издательского дела и полиграфии ДВФУ,
кандидат искусствоведения,
член Союза художников России
Печатная графика (эстамп) была создана в первую очередь для многократного воспроизведения (иллюстраций, репродукций живописных работ, плакатов и т.д.), поскольку фактически являлась единственным способом массового тиража изображений.
В наше время это не актуально в связи с развитием разных множительных техник и печатная графика стала самостоятельным видом изобразительного искусства где графическим технологиям отводится роль скорее дополнительного художественного языка, чем способа размножить нарисованное.
По технике выполнения печатную графику в основном делят на «Высокую», «Глубокую» и «Плоскую» печать.
Высокая печать
Поверхность клише неровная, краска наносится валиком или кистью на выпуклые места, а углубления остаются чистыми, бумага прикладывается и прижимается прессом, ложкой, валом и т.п. (по аналогии с печатями на документах)
Ксилография, автор не известен
Ксилография (гравюра на дереве) — один из самых старинных способов печати. На доске резцом вырезается рисунок. Полученный оттиск зависит от породы дерева, качества резца (это и дешевый массовый печатный лубок, и экслибрис с тонкими тональными переходами). Также называется продольной гравюрой. Техника требует помимо особого видения очень высокого мастерства.
Торцовая гравюра на дереве изобретена к Англии в конце XIX в. Здесь поверхностью служит поперечный срез дерева и не надо быть привязанным к волокнам, что дает большую свободу действий при работе с линией и тоном. По работе и результату на нее похожа гравюра на пластике. Очень изящные вещи.
Линогравюра, Власенко, Кубан. ПГУ, 1968
Линогравюра из-за особенности материала тяготеет к крупным монументальным формам и резким тональным переходам, часто плакатного типа. Широко применялась с конца XIX по середину XX в. Лучше всего для нее подходит старый (пробковый) линолеум, который сейчас по-моему не выпускают. Из современных используют линолеум без рельефа и гладкого покрытия, иногда режут по обратной стороне с ровной фактурой. Печатают по сухой бумаге в прессе или прокатывая в офортном станке. Интересные эффекты можно получить используя фактурную бумагу типа обоев.
Гравюра на картоне дает небольшое число оттисков, зато продавливается целиком, что хорошо применяется для разнообразия фактур и тонов.
Глубокая печать
При глубокой печати краска, наоборот, заполняет углубления, канавки и неровности, а с гладкой поверхности счищается. Влажная бумага прижимается к доске и прокатывается под большим давлением в офортном станке, где вал с сукном или войлоком вдавливает ее в доску, заставляя выбирать краску из углублений.
Сухая игла, Т. Немальцева. 2 курс, 2003
Резцовая гравюра и сухая игла. Самый тяжелый и трудоемкий вид печатной графики. На металлический лист (в основном медный) резцами или иглами разного сечения наносятся штрихи-бороздки, где будет краска, причем чем глубже бороздка, тем насыщеннее получится линия. Это знаменитые гравюры Дюрера, в России, например, морские баталии Зубова. На худ.-граф. факультетах МПГУ и других московских педагогических вузах вместо металла царапают по оргстеклу и толстой пленке, что гораздо легче, но дает меньше оттисков (что впрочем сейчас не так актуально). При печати очень эффектно совмещается с монотипией (если краску с доски вытирать не полностью), что многие графики-эстеты считают «грязью», когда где-то не виден штрих, а на мой «живописный» взгляд — это очень интересно, потому что при этом каждый оттиск не похож на другой.
Офорт, акватинта, И. Янов, дипл. лист из серии, 1997
Меццо-тинто («средний тон») — доску сперва делают шершавой с помощью специальных зубчатых «качалок» или протравливают в кислоте, что дает при печати темный бархатистый тон, а потом заглаживают и полируют светлые места будущего оттиска. Получается чем-то похоже на черно-белую репродукцию живописи времен классицизма и романтизма (тогда, собственно, меццо-тинто и было очень распространено).
Пунктир был придуман в Англии во времена барокко и рококо. Рисунок делался не штрихами и линией, а набиванием множества мелких точек. Эффект был потрясающий, но ввиду своей «маньячности» эта техника долго не просуществовала.
«Карандашная», «пастельная» и прочие «манеры» — так называлились гравюры, где доску гравировали с помощью хитрых приспособлений типа колесиков с иголочками, зубчатых гребенок и других, что при печати давало эффект рисунка карандашом, углем, пастелью и т.п.
Офорт (или травленый штрих) — наиболее всеми любимый и распространенный вид графики. Доска (медь, цинк, сталь) покрывается специальным лаком и царапать надо по лаку, обнажая металл, что гораздо легче и не сковывает линию, а бороздки и неровности делает кислота (в основном азотная), разъедая металл и почти не трогая лак. Недостатком является то, что кислота «тупо» травит линии одинаковой толщины и глубины, поэтому используют иглы разного диаметра и применяют много разнообразных приемов:
Акватинта («водный тон») — насыпается порошок канифоли или соли, что дает при травлении множество светлых или темных точек, лак наносится разной плотности в разных участках, можно жидко размывать кистью, разные участки травят разное время и разное число раз и т.д. Получаются очень глубокие тоновые переходы, часто похоже на рисунок кистью (отсюда название). Самые известные акватинты — у Гойи.
Мягкий лак, автор не известен
Лавис — похоже на акватинту, только кистью наносится не лак, а собственно кислота в разных количествах на разные участки при травлении.
Резерваж — рисунок наносится тушью с сахаром, масяной краской и всем тем, что не дает офортному лаку закрепиться в данном месте, потом лак смывается водой, обнажая металл как раз там, где был рисунок, и травится доска кислотой.
Белый штрих — после легкого травления лак смывают с поверхности доски и наоборот оставляют в образовавшихся бороздках, потом сильно травят, вся доска проедается, а эти бороздки становятся выпуклыми, их шлифуют, и они при печати становятся светлыми на темном фоне доски.
Мягкий лак — в офортный лак добавляют бараний жир, и он становится липким. На доску кладется бумага и на ней рисуют. Лак прилипает к бумаге, открывая металл для травления. Получается похоже и на литографию, и на монотипию, такой «угольно-карандашный» оттиск. Можно вместо бумаги накладывать фактурный материал.
Конгрев — доска сильно травится до глубокого рельефа и печатается без краски. На бумаге получается тиснение.
Плоская печать
При плоской печати краска химическим или каким-либо другим способом каждый раз прилипает к поверхности клише там где надо, а где не надо не ложится.
Литография, Мельников, 1968
Литография — появилась в Германии с XIXв. Плоскую поверхность камня (известняк) и реже металла зажиривают там, где должна лечь краска, а пустые места протравливают кислотой с клеем, при печати камень смачивают водой (жирные места остаются сухими) и накатывают валиком краску, которая не ложится на мокрые места, прикладывают сухой лист бумаги и протаскивают через литографский пресс. Если камень хорошо обработан, то собственно процесс печати самый простой, его даже легко автоматизировать. Рисунок наносят литографским (жирным) карандашом на шершавый камень и литографской тушью на гладкий, также можно переносить изображение с камня на камень, со специальной бумаги на камень, покрыть камень асфальтовым грунтом и процарапывать и т.п. С XIX до сер.XXв — любимый многими художниками вид графики и основной способ печати цветных плакатов и рекламы. В эпоху модерна достиг расцвета (например знаменитые плакаты Мухи и Тулуз-Лотрека).
Цветная литография, автор не известен
Цинкография, офсетная печать и термопечать тоже можно отнести к плоской или почти плоской печати, а также различные современные печатные и множительные технологии, но с художественной точки зрения (участия графического процесса в творчестве) они малоинтересны.
Монотипия, Д. Жуков, Наблюдатель, 2004
Монотипия (одноразовая печать). Используется эффект «сплющивания» краски в разных вариациях. На гладкую поверхность наносят рисунок акварелью, маслом и другими красками и прижимают лист бумаги или прокатывают в станке под давлением. Наиболее демократична и проста т.н.«обратная» монотипия, когда по поверхности ровно раскатывают густую краску, кладут сверху лист и рисуют по нему карандашом, пальцем и всем чем угодно. На обратной стороне получается изображение с «копирочным» эффектом, тонкими линиями и широкими пятнами.
Граттаж, копия, 3 курс
Граттаж (имитация гравюры). Бумагу или картон покрывают воском или парафином, грунтуют каким-либо тоном (чаще темным) и процарапывают открывая белую бумагу (или наоборот). Вещь очень хрупкая и непрочная. На мой лично взгляд хороша для применения в детском саду в комплексе с выжиганием и чеканкой, хотя есть люди, которые это дело чувствуют и создают очень красивые и интересные вещи.
Это конечно очень беглый и поверхностный обзор и рассмотрены далеко не все виды печатной графики. Многие названия в разных мастерских означают совершенно разные вещи. И вообще я надеюсь что это только начало дискуссии.
Статья размещена с согласия автора
Жуков Денис: dio land.ru
10 декабря в залах Приморского Союза художников открылась коллективная выставка графики, в которой около 40 Владивостокских художников представили более 100 работ. Благодаря поддержке галереи www.artvladivostok.ru выставка, изменив офф-лайн формат, продолжает собирать зрителей (теперь уже не в залах Дома художника на ул. Алеутской, 14 а, а у экранов ПК), соответственно, вызывает отклики и мнения и даёт повод поговорить о некоторых тенденциях.
В тексте, сопровождающем первую часть графических листов на странице галереи, уже говорилось кратко о техниках, которыми владеют Владивостокские художники (рисунок карандашом, тушью, сангиной; акварель, пастель, гуашь; печатная графика — литография, линогравюра, офорт, ксилография; работы в смешанной технике и технике граттажа), и истории развития этой области искусства в Приморском крае.
Попытаемся рассмотреть подробнее некоторые тенденции. Для начала хочется сказать о том, что подобная коллективная, довольно многочисленная для творческой организации, насчитывающей около 120 членов, выставка графики — явление редкое. При том, что персональные выставки графических работ в галереях Владивостока, Артема, Находки (только 2010-й год подарил зрителям графику Д. Кудрявцева, В. Ненаживина, художников группы «Владивосток», А. Заугольнова, В. Олейникова, Е. и О. Осиповых, Е. Кравцовой), как и участие в российских и зарубежных графических биеннале и фестивалях приморских художников, время от времени, происходят. И казалось бы, волноваться по поводу жизнеспособности этой области искусства во Владивостоке не следует. Однако, в общих коллективных выставках раздел графики, многочисленный и разнообразный в советские годы, катастрофически мал.
С одной стороны, изначально графика считалась делом прикладным, подготовительным, уступающим место живописи, в том числе и на выставках и художественных показах. Ещё великий Да Винчи в своё время среди всех искусств, да что там, среди всех человеческих дел, поставил живопись на первое место, назвав живописца «Властелином всякого рода людей и всех вещей». И сегодня кураторы выставок и галеристы к графике относятся, мягко говоря, спокойно.
С другой стороны графические искусство по разнообразию техник (и в оригинальной, и в печатной графике) даёт практически неограниченные возможности художнику для выражения творческого замысла. Ёмкость образа в лаконичных, сделанных единым движением рисунках подчас оказывается большей, нежели живописно созданная пространственная иллюзия мира. Не случайно, не смотря на неласковое отношение нынешней публики к графическому искусству, у него есть беззаветно преданные служители, художники, не отказывающиеся от строгих линий и листа бумаги.
Приморское графическое искусство сформировалось в 1960-е. Хотя, если быть точным, то знаменитое объединение футуристов «Зеленая кошка» (сформировалось в г. Хабаровск в 1920-е), художники которой Ж. Плассе, П. Любарский, В. Пальмов работали и во Владивостоке, ввели молодое приморское искусство в общий контекст отечественного авангарда. Тетрадь офортов «Зеленой кошки» — редкий по изысканности и стилистическому звучанию графический материал.
1960-е же становятся точкой отсчета разнообразия техник: эстамп, линогравюра, офорт, акварель, ксилография появляются на краевых и зональных выставках. Темы этого периода — приморский пейзаж, рыбацкая тема, виды города, история страны. Они отчётливо звучат в нынешней выставке, давая примеры классической школы и мастерства К. Шебеко, Т. Кушнарёва, И. Кузнецова, В. Чеботарёва, В. Олейникова.
О Заслуженном работнике культуры РФ В. Чеботарёве следует сказать отдельные слова. Его искусство называют крупным художественным явлением в истории изобразительного искусства Приморья и всей России. На выставке представлены камерные по размеру пейзажные акварели, по которым судить о богатом и многогранном наследии мастера невозможно. Но именно с Чеботарёвым связана вся приморская графика (в том числе книжная иллюстрация). Выпускник графического факультета Ленинградского института живописи скульптуры и архитектуры им. И. Е. Репина приехал во Владивосток в 1960-м году и сразу же начал преподавать в Владивостокском художественном училище и участвовать в выставках самых серьёзных уровней — в Москве и за рубежом как единственный в то время график от Приморского края. С его именем связан подъём графики на высокий профессиональный уровень, без В. Чеботарева в училище не было бы графической мастерской: всем техникам, в которых художник работал сам, он учил студентов, делясь своими опытом и знаниями. В течение довольно короткого периода, от 1960-х до начала 1980-х, буквально за десятилетие формируются разнообразные направления графического искусства: оригинальная графика (акварель, пастель, рисунок любым материалом), виды печатной графики, книжная иллюстрация, плакат, сатирическая графика (шаржи, карикатура).
В 1990-х проявляется тяготение художников к поиску формы, цветовых сочетаний, дающих серии работ, близких к абстракции. Происходит отказ от печатной графики в пользу оригинальных работ. Техники, в которых работают Е. Макеев, В. Шапранов, И. Зинатулин, Л. Зинатулина, Е. Никитина, близки к живописи: гуашь, смешанная техника с использованием акрила. Тяготение к масштабным сериям отражает экспериментальный подход. К слову, в этих экспериментах утверждаются как графические техники те, что традиционно считаются живописными: гуашь, масло, смешанная техника начинают использоваться все более активно. И скепсис сформированных в классических традициях мастеров не разделяют даже устроители биеннале графики, принимающие работы маслом на бумаге к участию в конкурсе. Кроме того, в художественных акциях начинают принимать участие молодые художники, чьё видение формируется под влиянием современной визуальной культуры и новых технологических возможностей времени.
Налицо явное противоречие: графики становится меньше, но именно этот вид искусства даёт побудительный мотив организаторам престижной сегодня Международной биеннале графики (Санкт-Петербург), которая проводится с 2002 года Фондом «Современная графика» при поддержке Комитета по культуре Правительства Санкт-Петербурга и при участии Международного фонда поддержки культуры «Мастер-Класс». Её задача -показать полную картину происходящего в современной графике, показать тенденции развития различных школ и направлений. Биеннале в Санкт-Петербурге, вдохновителем и главным организатором которой является наш земляк художник с мировым именем Олег Яхнин, вызывает огромный интерес со стороны общественности и профессиональных деятелей.
Не меньшую активность проявили и дальневосточники, выступив в 2007 году инициаторами биеннале графики «Серебряная волна» (г. Комсомольске-на-Амуре). И снова огромный интерес со стороны участников, зрителей, музейщиков. К слову, разделы конкурсов — оригинальная графика, традиционная печатная графика и новые печатные технологии — дали возможность художникам продемонстрировать самые смелые эксперименты.
В этой ситуации выставка «Графика Владивостока» — кураторский отклик на ситуацию, позволяющий исследовать предмет в историческом развитии (хронологический диапазон выставки довольно широк: представленные работы датированы от 1970-х до 2010-го) и удержаться от грустных выводов, поскольку в выставке участвовали интересными работами совсем молодые художники (К. Лукьянчук, иллюстрации к книге «Алиса в стране чудес», В. Косенко, акварель). Кроме того (хочется надеяться) выставка будет началом целой серии графических проектов, которые обещает поддержать нынешнее руководство Приморской организации СХР.
Куратор выставки — О. И. Зотова, кандидат искусствоведения,
доцент кафедры издательского дела и полиграфии
Института массовых коммуникаций ДВФУ
В выставке графики в залах Приморского союза художников в декабре 2010 года участвовало более 30 художников. Представлено около 100 графических листов, выполненных в разных техниках. Рисунок карандашом, тушью, сангиной, акварель, пастель, гуашь; печатная графика — литография, линогравюра, офорт, ксилография; работы в смешанной технике и технике граттажа — разнообразие представленного материала вызывает уважение и к цеху художников, и к самому виду изобразительного искусства, дающего столь широкие возможности выражения творческого замысла.
Магическое пространство, в котором особым образом складываются отношения изображаемого предмета и плоскости, мастер графики В.А. Фаворский назвал «воздухом белого листа». В этом воздухе рождается искусство, в основе которого лежит линия, сочетания чёрного и белого, способность к штудированию натуры, передаче с помощью беглого наброска сути изображаемого. Оно изначально давало художникам практически неограниченную свободу творчества.
Как самостоятельная область искусства приморская графика сформировалась в 1960-е. Эстамп, линогравюра, офорт, акварель, ксилография появляются на краевых и зональных выставках. Темы этого периода — приморский пейзаж, рыбацкая тема, виды города, история страны. Они отчётливо звучат в нынешней выставке, давая примеры классической школы и мастерства К. Шебеко, Т. Кушнарёва, И. Кузнецова, В Чеботарёва, В. Олейникова.
В 1990-х проявляется тяготение художников к поиску формы, цветовых сочетаний, дающих серии работ, близких к абстракции. Техники, в которых работают Е. Макеев, В. Шапранов, И. Зинатулин, Л. Зинатулина, Е. Никитина, близки к живописи: гуашь, смешанная техника с использованием акрила. Тяготение к масштабным сериям отражает экспериментальный подход.
В последние годы появляется графика, в которой отражается специфика современной визуальной культуры и технологические возможности времени.
Хронологический диапазон выставки довольно широк: представленные работы датированы от 1970-х до 2010-го. Это позволяет увидеть некий срез искусства, сравниваемого исследователями с поэзией.
Куратор выставки — О. И. Зотова, кандидат искусствоведения,
доцент кафедры издательского дела и полиграфии
Института массовых коммуникаций ДВФУ
Рады представить вам вторую часть графических работ с летней выставки «Сибирь недальний восток», которая проходила в залах Приморской организации ВТОО «Союз художников России» в августе 2009 года. Многие работы, представленные на сайте, не вошли в экспозицию выставки, поэтому вы имеете уникальную возможность увидеть их у нас.
Координаторы проекта «Арт Владивосток»
P.S. Спасибо всем красноярским и приморским художникам, участвовавшим в этом грандиозном проекте!
land.ru
