Прожив здесь всю жизнь, не припомню человека, который бы остался равнодушен к Владивостоку. Конечно, это и у художников, особенно, у наших! Пейзажи, портреты и разные состояния всех местных атмосфер, вплоть до абстракций — есть дань городу и его среде. Десятками лет, а уже полтора столетия, все это отображается, имеет восклицание на многочисленных выставках, в том числе и международных, движется в соответствии со временем. Число художников растет…
Без этого замечательного места, талантливых людей и присущей всему времени истории ничего бы и не было. Ясно становится следующее — Владивосток не померкнет в небытие, произойдет скорее обратное! Уже сейчас мы видим, как облик города меняется. И вот глядишь, следом за Гонконгом, Рио-де-Жайнеро, Сан-Франциско, с которыми давно пытаются сравнивать Владивосток, действительно, наш город встанет вместе в общий ряд притягательных мегаполисов мира.
22 сентября в 18:30, Большой зал филармонии. Фестиваль «Дни Высокой музыки в Приморье» В.А. Моцарт «Реквием»
Тихоокеанский симфонический оркестр
Художественный руководитель и главный дирижёр – Заслуженный артист РФ Михаил Аркадьев
Академический Большой хор «Мастера хорового пения» Российского государственного музыкального телерадиоцентра.
Художественный руководитель – Заслуженный деятель искусств РФ Лев Конторович (Москва)
Ведущая – Наталия Мищенко
В репертуаре «Мастеров хорового пения», в рамках мероприятий, посвящённых празднованию 250-летия со Дня рождения В.А.Моцарта, — «Реквием» великого венского классика. Произведение было исполнено в Римско-Католическом Кафедральном Соборе, в Администрации Президента РФ и в Большом концертном зале Республики Татарстан на закрытии Фестиваля. На сцене Приморской краевой филармонии «Реквием» Моцарта прозвучит в исполнении «Мастеров хорового пения» и Тихоокеанского симфонического оркестра под управлением Заслуженного артиста России Михаила Аркадьева.
Вольфганг Амадей Моцарт — одна из самых мифологизированных фигур в истории искусств. Внезапность смерти Моцарта, чье здоровье было, вероятно, подорвано длительным перенапряжением творческих сил и трудными условиями последних лет жизни, таинственные обстоятельства заказа «Реквиема» (как выяснилось, анонимный заказ принадлежал некоему графу Ф.Вальзаг-Штуппаху, намеревавшемуся выдать его за свое сочинение), захоронение в общей могиле — все это дало повод к распространению легенд об отравлении Моцарта, не получивших никаких подтверждений. Творчество Моцарта стало для многих последующих поколений олицетворением музыки вообще, ее способности воссоздать все стороны человеческого бытия, представляя их в прекрасной и совершенной гармонии, наполненной, однако, внутренними контрастами и противоречиями.
25 сентября в 19:00, Большой зал филармонии. «Легенда барабанного мира» При поддержке Генерального консульства США во Владивостоке
Марко Миннеманн (ударные) www.marcominnemann.com
Грег Хау (гитара) www.greghowe.com
Брайн Беллер (бас-гитара)
Greg Howe, Marco Minnemann, Bryan Beller
Марко Миннеманн – культовый немецкий барабанщик-виртуоз. Он один из немногих ударников, кто стал известен не благодаря участию в популярной группе, а исключительно из-за своего исполнительского мастерства. Поэтому большинство российских барабанщиков знают о нём в первую очередь благодаря его фантастическим видеошколам.
Марко Миннеманн начал свою музыкальную карьеру в возрасте шести лет…с игры на органе! Однако к одиннадцати годам он переключился на гитару и барабаны. Признание музыкант получил уже в девятнадцать лет. Только слепой мог не заметить одарённость молодого барабанщика. Вскоре он стал выступать с сольными мастер-классами. Марко стал первым немцем, которому выпала честь выступать на фестивале «Modern Drummer» в Торонто. Именно после этого шоу он вошёл в десятку лучших барабанщиков мира.
Один из учебников по игре на барабанах, которые написал Марко, имел ошеломительный успех и получил самые восторженные отзывы всех авторитетных изданий. Ко всему прочему, Марко – ещё и успешный продюсер. Он выпустил уже шесть соло-альбомов. Сейчас музыкант-супер-профи колесит по всему миру, демонстрируя своё высокое мастерство игры на ударных инструментах.
Марко уже дважды содрагнул наш город своим выступлением. И вот новый шанс встретиться со знаменитым ударником и снова удивиться неиссякаемой страсти и отдаче!
25 сентября Марко Минеманн выступит со своими друзьями – Брайном Беллером (Bryan Beller, бас-гитара) и Грегом Хау (Greg How, гитара) – они известные исполнители и просто классные парни, в чём вы непременно сможете убедиться воочию. Концерт состоится в Большом зале филармонии.
28 сентября в 18:30, Большой зал филармонии. «Ромео и Джульетта»
Тихоокеанский симфонический оркестр
Художественный руководитель и главный дирижёр – Заслуженный артист РФ Михаил Аркадьев
Солист – Заслуженный деятель искусств РФ Валерий Ворона (Москва)
В программе: С.Прокофьев Сюита из балета «Ромео и Джульетта», Концерт № 1 для скрипки с оркестром. Концерт с видео-проекцией
Ведущая – Наталия Мищенко
29 сентября в 18:30, Малый зал филармонии. «Вознесенский» стихи и песни
Читает Роман Шестаков. Поют Елена Брыкина и Людмила Якунина.
За роялем – Заслуженный артист РФ Леонид Букин.
«Он в жизни плакал, целовал, любил,
Вздыхал и в клочья душу рвал,
Он сердцем истину в исканиях постиг,
И Ангел строки песен диктовал…» Елена Вагнер
Ассоциации, связанные с именем и фамилией этого поэта, могут быть самыми разными и вызывать в памяти другие имена: Борис Пастернак, Юрий Любимов, Марк Захаров и даже Никита Хрущёв! Ну и, конечно же, миллионы (!) наших соотечественников напевают его песни, а ещё баллады из знаковой рок-оперы «Юнона и Авось». Множьте образы, друзья! Вспоминайте и внимайте! Андрей Андреевич Вознесенский, выдающийся поэт эпохи, пожаловал в гости – к нам и вам…
Андрей Вознесенский — поэт, публицист, прозаик, архитектор. Родился в Москве в семье гидроинженера 12 мая 1933 года. Из одного двора с Андреем Тарковским. Начал писать стихи еще в школе. Большой поклонник творчества Бориса Пастернака. Андрей Вознесенский, ещё учась в 6-м классе, послал ему свои стихи. Поэт оценил творческое начинание подростка и пригласил его в гости. Это определило дальнейшую судьбу Вознесенского. Они стали большими друзьями. Личность великого поэта, его творчество, общение было значимо для начинающего поэта. В 1957 году А.Вознесенский окончил Московский архитектурный институт и отметил это событие стихами: «Прощай, архитектура! Пылайте широко, коровники в амурах, сортиры в рококо!..»
Шаг в литературу был стремительным и внезапным, его ругают критики, и любит народ. В 1962 — выходит сборник стихов «Треугольная груша», написанный после поездки поэта в Америку (1961). Вознесенский был одним из первых поэтов нашего поколения, кто «прорубил окно в Европу» и в Америку, выступая с поэтическими чтениями. От восторженных юношеских нот: «Долой Рафаэля, да здравствует Рубенс!», от игры аллитерациями и рифмами он перешел и к более горестным настроениям: «нам, как аппендицит, поудалили стыд», «все прогрессы реакционны, если рушится человек». Для всего этого были биографические основания. В 1963 на одной из творческих встреч в Кремле Н.С.Хрущев не выдержал и резко высказал поэту: «Забирайте ваш паспорт и убирайтесь вон, господин Вознесенский!». Казалось, это все, конец всему, но народ требовал стихи и книги продолжали печатать, их тираж достигал 200 тысяч. Начиная с 1964 года, вышли его сборники: «Антимиры», «Ахиллесово сердце», «Тень звука», «Взгляд», «Выпусти птицу!», «Дубовый лист виолончельный», «Витражных дел мастер», «Соблазн», «Андрей Полисадов», «Безотчетное», «Прорабы духа», «Россiя, Poesia»… На стихи поэта Ю.Любимов поставил в Театре на Таганке спектакль «Антимиры». А.Рыбников написал рок-оперу «Юнона и Авось», а М.Захаров поставил ее на сцене Ленкома. Вознесенский был первым писателем из нашего поколения, получившим Государственную премию (1978). Его перу принадлежат многие эссе, где он рассказывает о своих встречах с Генри Муром, Пикассо, Сартром и другими крупными художниками XX века. Вознесенский — почетный член американской Академии искусств.
Андрей Вознесенский прошёл богатый и интересный жизненный и творческий путь. Умер 1 июня 2010 года. Наш концерт посвящён памяти великого поэта.
30 сентября в 19:00, Большой зал филармонии. Поет — Народная артистка России Елена Камбурова
Заслуженный артист РФ Олег Синкин (фортепиано)
Вячеслав Голиков (скрипка, гитара)
В программе: романсы, баллады, французский шансон
30 сентября в 18:30, Малый зал филармонии. Концертная программа «Вечерок»
Артисты филармонии: Ирина Кучинская (сопрано), Наталья Брылёва (сопрано), Заслуженный артист РФ Леонид Букин (фортепиано)
Ведущая – Аэлита Степанова
В программе: В.Гаврилин вокальный цикл «Вечерок» для сопрано, меццо-сопрано, фортепиано на слова А.Шульгиной, М.Глинки, Н.Римский-Корсаков романсы
Приморская краевая филармония
Адрес: 690091 г. Владивосток, ул. Светланская, 15
Телефон кассы: 8 (4232) 26-40-22
URL: www.primfil.ru
Яковец Александр Иванович — действительный член МАНПО по отделению «Художественный и индустриальный дизайн», член творческого Союза художников России, член творческого Союза дизайнеров города Москвы,член Союза фотохудожников России, лауреат медали Леонардо да Винчи.
Александр Яковец «Отражения»
Вице-президент Московской лиги деятелей культуры и искусства «Метрополис», Александр Иванович Яковец более 35 лет своей жизни посвятил фотоискусству. Творческий путь Александра Ивановича берет свое начало в городе Владивостоке, где он родился и вырос, и, будучи фотоэкспертом-криминалистом, получил богатейший профессиональный опыт и впервые начал экспериментировать с работами, выполненными макросъемкой. Впоследствии, работая руководителем фотостудии от Приморского крайкома комсомола, Александр Иванович объездил с гостями Приморья — знаменитыми артистами, спортсменами, официальными делегациями, зарубежными гостями весь Приморский край, Сахалин, Курилы, Камчатку, побывал в рыболовецких экспедициях, нарабатывая бесценную практику репортажной и портретной фотосъемки.
В настоящее время Александр Иванович Яковец живет в Москве, являясь признанным фотохудожником и экспертом в области фотоискусства в профессиональной среде. Только в период с 2000 по 2010 годы работы Александра Яковца приняли участие более чем в 20 выставках российского и международного уровня, Александр Яковец неоднократно становился лауреатом и дипломантом авторитетных международных фотосалонов. За это время Александр Яковец трижды проводил персональные фотовыставки, приглашался в качестве эксперта в профессиональные издания, такие как «Фотомагазин», «Digital Photo», «Портфолио».
В 2006 году, движимый идеей придать популяризации творчества лучших российских фотохудожников, дизайнеров, архитекторов, новый качественный смысл, Александр Иванович Яковец вместе с единомышленниками создал Московскую Лигу деятелей культуры и искусства «Метрополис», организовал подготовку и издание ежегодного альманаха «Метрополис», куда включены наиболее интересные работы лучших творческих сил страны.
Александр Иванович Яковец, безусловно, является одним из самых ярких и талантливых представителей российского фотоискусства, его работы — образцом профессионализма и творчества, лучшим свидетельством высокого творческого потенциала российских деятелей культуры и искусства как для российского, так и международного сообщества.
Организатор — Московская Лига деятелей культуры и искусства «Метрополис». При поддержке Приморской организации фотохудожников и Музея современного искусства «Артэтаж-ДВГТУ».
Президент РОО «Московская лига деятелей культуры и искусства „Метрополис“» — Георгий Уланов
Артэтаж — музей современного искусства, ДВГТУ
График работы: понедельник-пятница с 10 до 18, суббота-воскресенье с 11 до 17
Адрес: 690950, г. Владивосток, ул. Аксаковская, 12
Телефон: 8 (4232) 60-89-02
Галерея Арка представляет новый проект художника Владимира Погребняка, владеющего редкостно красноречивыми и информативно насыщенными художественными средствами. «Живопись Погребняка абсолютно живописна: всё содержание, воспринимаемое из картины, им не рассказывается, а передаётся исключительно средством живописи: цветом, пластикой, характером линии, ритмом, заданным в композиции и т.д. В цвете Владимир Погребняк особенно полон радостного переизбытка творческих сил, бьющих через край. Самобытная выразительность, непредсказуемое разнообразие декоративного и при этом очень живого цвета это не просто знак незаурядного мастерства, а, поистине, божьего дара. Красочные впечатления от экспозиции всегда напоминают сад с хороводом цветочных клумб, и ещё до того, как углубишься в содержание картин, одни их цветоизлучения поднимают жизненный тонус и вызывают безотчетную радость», — писал о творчестве художника искусствовед Виталий Ильич Кандыба.
Каждая выставка Владимира Погребняка обязательно имеет концептуальный подтекст, который представляет собой определенное обращение к зрителю с желанием вовлечь его в диалог. Не исключение и новая экспозиция, состоящая из 27 полотен, объединенных живой темой движения, передвижения и переселения. Процессы, разворачивающиеся в настоящее время на планете, вряд ли можно счесть однозначными, тем более легко прочитывающимися. Социальные, политические, экономические изменения образуют новые информационные и смысловые конструкции. Абсолютно серьезная и научная тема современного устройства мира и влияния глобализации на человека, живущего на «окраине», как основа нового художественного высказывания Владимира Погребняка, без сомнения привлечет внимание зрителя. При этом выставка «Переселение тел…» предлагает веселое, искреннее, живое и красивое путешествие по обозначенной теме.
Владимир Погребняк родился в 1956 году на Украине. В 1975 году окончил Владивостокское художественное училище. В 1980 году окончил Дальневосточный институт искусств. Член Союза художников России с 1990 года. Участник объединения художников «Штиль». В творческой биографии художника участие в 60 групповых проектах и 8 персональных выставок. Произведения находятся в музейных, корпоративных и частных коллекциях в России и за рубежом.
Адрес: ул.Светланская, д.5
Тел.: +7 (4232) 41-05-26, факс: +7 (4232) 32-06-63 www.arkagallery.ru и www.artnet.com/arka.html
Галерея открыта со вторника по субботу с 11:00 до 18:00
В рамках VIII Международного кинофестиваля стран АТР «Pacific Meridian» музыкальный критик, известный журналист и искусствовед Артемий Троицкий представляет в Галерее Арка фотовыставку «Прогулка по камере» с работами из личной коллекции. Выставка организована совместно Дирекцией Международного кинофестиваля стран АТР «Pacific Meridian» и Галереей современного искусства Арка.
Цель выставки только отчасти состоит в том, чтобы предоставить возможность городской публике встретиться с интереснейшим представителем современного мира российской музыки и журналистики, а также частью его личной коллекции. Главный замысел же экспозиции — в возможности разговора о таком увлекательном и благородном деле, как коллекционирование произведений искусства. Часть своей коллекции современного изобразительного искусства Артемий презентовал в Галерее Арка в сентябре 2008 г. в рамках VI Международного кинофестиваля «Pacific Meridian». Но бок о бок с живописью и графикой современных художников, в коллекции Артемия Троицкого соседствуют образцы современного фотоискусства, нередко полученные в подарок из рук самих авторов. Представленные на выставке работы их обладатель условно делит на три основные части:
1. Работы известных актуальных художников, которые, создавая свои произведения, прибегают ко всяческой фототехнике. Это фотоработы таких персон как: Владик Мамышев-Монро, Олег Кулик, Толик Журавлев, Сергей Бугаев-Африка, Григорий Майофес, Александр Якут.
2. Работы, сделанные известными фотохудожниками, которые, по словам Троицкого, не претендуют на «арт-концептуальность», а оцениваются в контексте собственно фотоискусства. Здесь авторами выступают: Анна Хямялайнен, Наталья Жерновская, Игорь Мухин, Андрей Безукладников, Арнис Балчус, Женя Нестеров, Хорст Ваккербарт, Александр Стрелец.
3. Всевозможные фотоработы под условным названием «разное»: это и экзотическое фото Че Гевары, и полит-коллаж популярного Александра Будаева, и автопортрет модельера Маши Цигаль, и вид Ильи Лагутенко со спины работы его жены Ани, и даже архивные съемки группы «Кино» и Тимура Новикова.
Отдельной строкой Троицкий выделяет произведения своего фаворита Ивана Ушкова.
Выставка «Прогулка по камере» призвана дать широкое представление об искусстве современной фотографии, собранной в рамках архива отдельно взятого коллекционера. По оценке экспертов, коллекция Артемия Троицкого является одной из лучших среди всех, собранных в нашей стране публичными людьми.
Артемий Троицкий родился в 1955 г. в Ярославле, СССР. Сын историка-латиноамериканиста Кивы Львовича Майданека.
Искусствовед, рок-журналист, музыкальный критик, один из первых пропагандистов рок-музыки в СССР и независимой и электронной музыки в России. В 1977 г. окончил Московский экономико-статический институт по специальности «математик-экономист».
С 1978 по 1983 гг. работал младшим научным сотрудником в Институте истории искусств. С 1991 по 1994 гг. работал главным редактором музыкальной редакции Российского Телевидения. В 1995 г. основал и стал первым главным редактором русской версии журнала Playboy. С 1997 г. — ведущий рубрики еженедельника «Новая газета. Понедельник», член редакционной коллегии и автор музыкального приложения к «Новой газете» «Московский бит».
В середине 2000-ых организовал несколько музыкальных лейблов — «Прибой», «Zenith», на которых выпускается малоизвестная в России музыка. С 2001 г. читает лекции по предметам «История индустрии развлечений» и «Музыкальная пресса» на факультете «Продюсирование и менеджмент в музыкальном щоу-бизнесе» Государственного университета управления. Ведет мастер-класс по музыкальной журналистике на журфаке МГУ. Член жюри и организатор многочисленных концертов и фестивалей. Один из ведущих в России специалистов по джазу, року и современной музыке.
Автор книг по истории рок-музыки «Назад в СССР» (вышла в Великобритании в 1987г., в СССР — в 1991 г. под названием «Рок в Союзе: 60-е, 70-е, 80-е…», переиздана в 2007 г.) и «Тусовка. Что случилось с советским андеграундом» (1990 г., издана только в Италии, Англии и Голландии). В 2009 г. издал аудиокнигу «Back in the USSR. Подлинная история рока в России». Музыкальный обозреватель газеты «Moscow Times». Один из соучредителей фирмы грамзаписи «General records». С 1997 г. является автором и ведущим программы «FM Достоевский», выходившей на радиостанциях «Европа Плюс», «Радио 101» и «Эхо Москвы».
Адрес: ул.Светланская, д.5
Тел.: +7 (4232) 41-05-26, факс: +7 (4232) 32-06-63 www.arkagallery.ru и www.artnet.com/arka.html
Галерея открыта со вторника по субботу с 11:00 до 18:00
Персональная выставка живописи и графики Андрея Камалова
Андрей Камалов. «Автопортрет»
Выставочный зал:
г. Владивосток, ул. Алеутская, 12
10 сентября (пятница) 2010 года в 16.00 Приморская государственная картинная галерея представляет выставку живописных и графических работ известного приморского художника Андрея Камалова. Выставка знаменует первые практические шаги в создании мемориально-художественного музея известного мастера.
Графический цикл «Велосипеды», состоящий из 19 работ, выполненных на тонкой рисовой бумаге, выставляется впервые и не имеет в творчестве А.Камалова аналогов. Произведения цикла фигуративны, бессюжетны, форма велосипедов лишь угадывается. Образ колеса в творчестве А.Камалов символизирует, как правило, бесконечность, путь, жизнь. Художник видит в самом обыденном и простейшем универсальное, придавая бытовому бытийное значение.
В экспозицию также вошли цикл «Предметы» и триптих «Адам и Ева: жизнь». Впервые зритель увидит юношеские работы художника: «Добровольцы» 1976, «Портрет ветерана войны» 1975, «Портрет плотника» 1976.
Спустя месяц будет представлена новая экспозиция, вслед за которой последуют другие, отражающие многогранное и многостороннее творчество этого приморского художника.
Многие известные камаловские работы не утратили своей актуальности и сегодня: серия «Раковины», серия «Братушки—филосо́фы», живописные полотна — «Сеанс», «Гостинка», «Все мы в руце Божией», «Житие — I», «Житие — II», триптих «Осколки» и другие.
Дополнительную информацию можно найти на сайте www.primgallery.com или в собственной газете «Картинная галерея».
В августе в выставочном зале Союза художников прошла молодёжная выставка. На выставке были представлены живописные работы, в том числе дипломные работы выпускников ДВГАИ этого года, и работы представляющие декоративно-прикладное искусство.
«Из краёв Владивостока» — под этим названием открылась 19-го августа 2010 года в галерее Мими Ферцт в Нью-Йорке выставка графики и живописи молодой художницы Ольги Ненаживиной, дочери известного скульптора Валерия Ненаживина и, естественно, жительницы Владивостока. В течение нескольких лет Ольга Ненаживина успешно работает в Нью-Йорке, городе, который американцы считают центром мирового искусства.
Прежде чем дать характеристику творчества этой замечательной художницы, сделаю небольшую историческую справку: с того времени, когда Пётр Великий «прорубил окно в Европу», русское общество разделилось на две группы. Одна приветствовала это сближение с Западом, другая противилась ему. В девятнадцатом веке они получили названия западников и славянофилов. Впоследствии появилась ещё одна группа, именовавшая себя евразийцами. Члены её считали Россию страной, принадлежащей и Западу и Востоку, своего рода мостом между ними. Мне кажется, что именно с такой евразийской точки зрения и следует рассматривать творчество Ольги Нанаживиной.
Но что же такое Запад и Восток в искусстве? Какие элементы того и другого вошли в её искусство? Сознательно делая большие упрощения, позволю себе сказать следующее: западная реалистическая живопись последних пятисот лет дала нам перспективу, иллюзию пространства и игру света и тени. Этим, однако, она уменьшила, а иногда и уничтожила, основной элемент изобразительного искусства — Линию… Перефразируя Книгу Бытия, можно сказать, что в начале всего была Линия, и она была от Бога и она стала Богом, то есть основой изобразительного искусства. Эту Линию сохранило искусство Востока, не поддавшееся искушению иллюзорности и сохранив плоскостное изображение окружающего мира. Неудивительно, поэтому, что западные художники конца 19-го века, «устав» от иллюзорного реализма, обратились к искусству не-европейских народов, в первую очередь к искусству Востока… Так появились в Европе увлечения сначала китайским, а потом японским искусством, «шинуази» и «жапонизм»…
Графика и живопись Ольги Ненаживиной целиком основаны на этих первичных и фундаментальных традициях Линии и Плоскости. Надо добавить, что Линия на Востоке — это не только контур, обрисовывающий предмет, она имеет свою «жизнь», то есть свою красоту и экспрессивность вне зависимости от изображаемого ею предмета.
Это прекрасно знает и чувствует Ольга Ненаживина. Обладая безупречным вкусом и формальным воображением, она создаёт сложные композиции, в которых содержание и форма представляют собой единое целое. Наиболее сильно в её творчестве влияние японской графики и цветной гравюры. Объясняется это не только близостью Владивостока к Стране восходящего солнца… Вспомним, что графика «Мира искусства» немало взяла от Обри Бердслея, блестящего английского рисовальщика, знакомого с искусством Японии, знавшего, что такое Линия и создавшего свой орнаментальный стиль… Иными словами, японское влияние шло не только через Сибирь, но, попав на Запад, и из Европы. Поэтому японский стиль в творчестве Ольги Ненаживиной имеет ещё и западные и даже славянские оттенки… Так, например, большое полотно под названием «Снег» изображает группу чисто японских фигур, одетых в японские одежды. Однако, их позы, то, что мы называем теперь «языком тела» для меня лично обладают какой-то византийской монументальностью. Восток для нас — не только Китай и Япония, но и Византия и даже Персия, то есть Ислам.
Если говорить о содержании работ художницы, то ключём могут быть их названия, например «В поисках пути», «Весна», «Море», «Молодость», «Бегство», «Комедианты, захваченные врасплох ветром», «Играя со Зверем», «Радость», «Море, берег и взгляд на Восток» (Перевод с английского мой, С.Г.). Символика этих работ может быть воспринята чисто индивидуально и описывать их в деталях не представляется нужным.
Все графические работы Ольги Ненаживиной исполняются японской тушью пером и кистью на бумаге, живописные — на полотне красками акрилик. Гамма их очень ограниченная, вариации чёрных и серых тонов с добавлением нескольких цветов, главным образом красного. Эта сдержанность в цвете делает живопись художницы естественным продолжением её графического мироощущения… На одной работе я хочу в особенности остановиться. Это — автопортрет художницы на ярко красном фоне. Он висит в самом начале выставки и как бы определяет её смысл. Называется он «Моя парти». Сорва «парти» в английском языке имеет два значения. Одно — это политическая партия, то есть содружество единомышленников. Другое — весёлое торжество, приуроченное к празднику, Дню рождения, Рождеству и так далее. «Парти» может быть просто радостной встречей друзей в доме устроителя. Что же мы видим на автопортрете Ольги Ненаживиной? Подперев лицо ладонями обеих рук, художница смотрит в небо. Лицо её бело и напоминает мима, пожалуй, Марселя Марсо или Жана-Луи Барро. Её головной убор представляет собой нечто вроде ладьи, в которой мы видим фигуры японских актёров (театр Кабуки?). все они — её друзья, которых она пригласила отпраздновать свою любовь к японской культуре.
Так, во всяком случае, можно истолковать этот автопортрет. Но он, если вдуматься, может иметь и более глубокий смысл, а именно: изобразительное искусство, подобно немой пантомиме, есть представление образов. Они символизируют челевеческие устремления и чувства.
Вспомним тут известные слова Шекспира, сказанные персонажем одной из его пьес (цитирую по памяти) — «Вся наша жизнь есть сцена и мы на ней актеры, у нас есть наши выходы и уходы и в течении жизни мы исполняем разные роли». Таким образом, мы можем сказать, что Ольга Ненаживина приглашает нас в театр, где на сцене представлена жизнь, увиденная глазами русской художницы, стоящей на грани Запада и Востока и смотрящей на неё с евразийской точки зрения. В целом выставка производит прекрасное впечатление своей изысканностью, красотой образов и интригующим символизмом.
В заключении хочу высказать несколько чисто личных соображений: наша западноевропейская цивилизация находится, как известно, в переходном состоянии. В неё, в результате глобализации, вливаются культуры Третьего мира. Из них влияние японской эстетики можно считать наиболее благотворным. В этом смысле творчество Ольги Ненаживиной можно считать указателем правильного пути, по которому может пойти искусство будущего — не по пути примитивизации и концептуализма с одной стороны и фотореализма — с другой, а путём эстетического восприятия окружающей нас действительности.
В последние годы остров Попова стал для многих художников заветной территорией, излюбленным ландшафтом для пленэрных поездок, а для некоторых и местом жизни более постоянной, которая требует уже настоящей укорененности в островной почве. Вообще, жизнь художников на островах — это замечательная традиция, которая придает приморскому искусству подлинное своеобразие. И тут надо непременно вспомнить, что вечным скитальцем по островам залива Петра Великого ещё в шестидесятых годах прошлого века стал Виктор Фёдоров, открывший эпоху приморского островного искусства, основатель островной плеяды художников. А вот остров Попова, пожалуй, первыми освоили график Марк Балабанов и живописец Жорж Кочубей, они своей долгой жизнью на этих берегах и собственным творчеством обозначили его имя на карте русского дальневосточного искусства.
Понятно, что всякий пленэр и прочие творческие путешествия по островам чаще всего завершаются пейзажными этюдами и картинами, для этого, собственно, туда и выбираются. Ведь остров — это, может быть, самая совершенная живая модель природы, материка, земли, наконец, окружённой океанским и небесным океаном. Для пейзажиста здесь есть всё, чего жаждет его душа: прибрежные скалы и пляжи, волны и вечно притягивающий взгляд открытый горизонт, лесные тропинки и опушки, ручьи и фантастически живописные лужи с бабочками и стрекозами, поселковые улочки с палисадниками и огородами. И воздух острова — прозрачный, изменчивый, то мерцающий туманом, то искрящийся отражёнными морской гладью солнечными лучами, и пылающее ночное небо, которое словно рушится на голову всей звездной архитектурой мироздания. Приметы островного пейзажа, его особая атмосфера, близкая настроению древней восточной поэзии, таятся уже в самом названии персональной выставки Анны Щёголевой «Сентябрь, Луна и Сверчок». Для нее знакомство с островом, как и для других художников, тоже начиналось с пейзажа, но вот увело её дальше — к самой сердцевине островного бытия.
Семилетняя жизнь на Попове, которая начинается весной и завершается поздней осенью, обернулась для неё не только привычным и необходимым образом существования, но и профессиональной потребностью, остров, можно сказать, стал её личной мастерской. Он преобразил творчество Щёголевой. Вслед за чисто пейзажными работами, словно присмотревшись к ней, он властно потребовал от автора жанровых, сюжетных картин, куда бы смогли вселиться и сами островитяне. Так в живопись Анны пришли рыбаки и старухи, дети и собаки, чайки и рыбы и даже лягушки и цикады, как полноправные обитатели этой земли. Остров в последнее время вообще занял центральное место в её творчестве, напитал его своим духом, своей философией.
С одной стороны, жизнь и сам человек на острове, казалось бы, открыты постороннему взгляду, а с другой — за этой внешней открытостью и простотой быта скрыты глубины традиционного островного уклада жизни. Там царит сложная, строго предписанная, почти религиозная система взаимоотношений жителей с морем и уловом, погодой и сенокосом, огородом и дворовой живностью, приметами и островными духами. Говоря иными словами, в каждом островитянине, словно домовой в доме, притаился язычник, которому волей неволей приходится соблюдать обряды острова, чтобы противостоять океанским стихиям. И художнику удалось это почувствовать и передать в своих работах. Некоторые из них содержат в себе целую историю, — то реальную и драматичную, то анекдотичную, потешную, почти сказочную, какими часто бывают народные мудрые байки.
Анне и в прежних сюжетных работах была свойственна особая притчевость художественного высказывания, но тогда эти притчи отличались некоторой умозрительностью, не хватало реальной конкретики, деталей, просто живой достоверности. Например, в одной из прежних работ она могла поместить в смирительную рубашку сразу жену и мужа, как бы связывая обоих безумными узами супружества и ответственности. Сюжет вполне выразительный, если бы не его надуманность и прямолинейная назидательность. На выставке есть две подобных картины, пожалуй, одни из наиболее состоявшихся, если говорить о ранней творческой манере автора. Это «Песочные часы», где поток человеческих тел, подобно песку, праху, неудержимо сливается из верхней части гигантского стеклянного сосуда, окружённого звездной туманностью, в нижнюю; и «Игра в испорченный телефон» — сильное полотно, написанное в тревожных тёмных и красных тонах, где персонажи, передавая, понятное дело, искажённую, лживую весть, припадают к уху спокойной девушки, смотрящей прямо на зрителя. По сути, Щёголева напрямую материализует, оживляет очень отвлечённые, скорее, словесные метафоры, наполняя их личным эмоциональным и философским содержанием.
Произведения островного цикла сохраняют в себе эту авторскую тягу к притче, но разительно изменились герои — это уже не условные действующие лица, а действительно островитяне — от внешности и одежки до манеры поведения и привычки воспринимать мир со своей, островной точки зрения, которую, в общем, можно назвать просто русской. Изменилось и само пространство, в котором разворачиваются эти истории, — оно и островное, и русское, и народное, и в то же время мифическое. Автору удивительным образом удаётся преобразовать современную реальность в мифическое повествование, в котором, тем не менее, прочитываются сегодняшние, актуальные смыслы.
Вот островитяне сгрудились всей толпой, считай целиком улица, у внезапно упавшего с небес на берег Рога изобилия в ожидании даров: баба Вера с Тузиком, Витька соседский с тазиком, дядя Коля с удочкой и все-все-все. Но рог изобилия пуст, сколько в него ни заглядывай, потому что на наших отечественных островах он пуст всегда. Да и вообще, на головы таких вот простонародных персонажей Рог изобилия, если и падает, то неизменно уже опустошённым, — это такая русская забава, практикуемая на родных просторах, как материковых, так и островных.
Вот ошеломительная по своей неожиданности, фантастичности, народному юмору и сугубой житейской правдивости работа «Полет», на которой привязанный толстой веревкой мужик пытается взмыть в небо, а жена, крепко ухватившись за ручку ворота, намертво держит его на привязи. Ну, может, чуть отпустит, а потом всё равно обратно. Эх, икарушка, икарушка, братушка, как же тебя! — сказали бы питерские художники-митьки. И вся мизансцена этой трагикомедии, все её участники, предметы и детали — достоверны, убедительны и к месту: и дворовая собачка, каких на острове Попова не сосчитать, и надутая ветром рубаха мужика, и любопытная сорока, усевшаяся на вороте, и сандалии на ногах жены, и заботливо приготовленный на табуретке ужин — надо же ведь и покормить летуна.
Вот в картине «Нерест» рыбак в кепке и тельняшке хозяйским взглядом окидывает улов в лодке, где валом лежат опять же сказочные нерестовые лососи с горбатыми носами, а рядом не менее внимательно приценивается к добыче очередная поповская дворняга. И вся эта морская скульптурная группа вылеплена сильно, крупно, с монументальной подачей композиции, формы и цвета. А рядом с этой работой, практически второй частью диптиха, хорошо встает холст «Жажда», столь же впечатляющий по своему композиционному решению и живописному воплощению. И что-то очень родное, саднящее, из глубин национальной памяти, откликается сердцу в этом произведении: из какой реальности, из какой народной песни появился этот беглец, этот русский мытарь в советских кирзачах и ватнике, склонившийся пересохшим ртом над водой? И где ему искать привета и ответа, разве что у этих пушкинских золотых рыбок, что подплыли к нему…
Экспозиция персональной выставки Анны Щёголевой, надо отметить, весьма убедительно представляет сегодняшний широкий спектр её тем, профессиональные возможности её живописной техники и жанровое разнообразие работ, где есть место и сюжетной картине, и натюрморту, и пейзажу. И если в упомянутых холстах автору удается достичь подлинной эпичности своих сюжетов, причём проникнутых и юмором, и народной сказкой, то, например, в таких картинах как «Автопортрет из детства», а также «Лягушка» и «Сверчок» из серии «Ночные гости», Анна создает утонченные по колориту, музыкальные и хранящие поэтическую тайну и неизъяснимое эстетическое обаяние лирические произведения. В облике неловкой застенчивой деревенской девочки с букетиком в руке, в её подружке — козе с сиреневыми ушками, глазами и губами, что стоит вровень с героиней, доверчиво обернувшись к ней, мерцает что-то сокровенное для любого из нас, потому что все мы родом из детства. И все мы родом с острова по имени Россия. И родина наша, такое ощущение, уже окончательно растворилась в лиловой врубелевской перспективе деревенского вечера.
А «ночные гости» — это поистине два живописных стихотворения, почти в японском духе поэзии хайку, о визитах сверчка и лягушки в островной домик художника. Сверчок, сидящий на кувшине, окружённый холодновато-жемчужным светом полнолуния, и лягушка, ползущая по прозрачному стеклу на фоне сада, написанного в коричнево-золотых тонах летней ночи, становятся вестниками скрытой от нас за пеленой обыденности жизни, где сны становятся явью.
Остров Анны Щёголевой в художественном смысле действительно многомерен: это и реальный остров Попова с его жителями, бухтами, улочками, собаками и происшествиями, и вместе с тем внутри этого пространства, словно в сказочном яйце, продолжается русская жизнь со времен царя Гороха. И здесь уж, при таком-то раскладе, от этой жизни можно ждать чего угодно. Как это происходит, например, в работе «Небесное тело», где над поселковым народом, который всё пытается вытащить из проруби волшебную щуку, со свистом и пламенем проносится неопознанный объект. А, может, это и есть тот самый островной любитель полетов, который всё-таки сорвался с привязи.
Лети, мужик!
Александр Лобычев
Арт-директор галереи «PORTMAY»
Галерея «PORTMAY». Адрес: Владивосток, ул. Алеутская, 23А.
Телефон: +7 (4232) 302-493, 302-494.
URL: www.portmay.ru
Галерея работает без выходных с 10 до 19. Вход бесплатный.
Дальневосточная государственная академия искусств приглашает вас посетить художественный салон, в котором вы можете приобрести оригинальные живописные работы и керамические изделия.
ДВГАИ, Художественный салон «Курс»
Адрес: 690950, Владивосток, ул. Петра Великого, 3а,
Телефон: (4232) 22-51-64
URL: www.dv-art.ru
