В начале шестидесятых годов я работка как дизайнер в одном небольшом художественном ателье в Нью-Йорке. В те времена не было ни электронной почты, ни факсов и существовали только посыльные, переносившие бумаги, фотографии, фотостаты и всякие другие материалы из одного здания в другое. Подробнее →
Заслуженный артист РФ Александр Боргардт (скрипка). Партия фортепиано – дипломант международного конкурса Елена Котельникова.
Тихоокеанский симфонический оркестр
Художественный руководитель и главный дирижёр – Заслуженный артист РФ Михаил Аркадьев
В программе: Г.Свиридов Музыкальные иллюстрации к повести А.С.Пушкина «Метель», И.Штраус Вальсы.
Концерт с видео-проекцией.
Ведущая – Наталия Мищенко
Тихоокеанский симфонический оркестр
Художественный руководитель и главный дирижёр – Заслуженный артист РФ Михаил Аркадьев
Дирижирует и играет Михаил Аркадьев (фортепиано)
В программе: Мусоргский «Картинки с выставки» для фортепиано, Мусоргский «Картинки с выставки»
(переложение для оркестра М.Равеля).
Концерт проводится совместно с галереей PORTMAY – видео-проекция картин художников Приморья.
Ведущая – Наталия Мищенко
Лауреаты международных конкурсов Анна Зверева (скрипка), Ксения Волкова (скрипка), Ольга Дементьева (альт), лауреат международного конкурса Наталья Кривицкая (виолончель).
В концерте принимает участие лауреат международного конкурса Татьяна Кириллович (фортепиано).
В программе: произведения Дворжака, Грига.
Ведущая – Людмила Кравец
Лауреат международного конкурса Сергей Плешивцев (бас).
Заслуженный артист РФ Михаил Аркадьев (фортепиано).
В программе: Романсы П.Чайковского, С.Рахманинова, «Песни на слова Роберта Бернса» Г.Свиридова.
Ведущая – Наталия Мищенко
Лауреат международного конкурса Светлана Суворова (флейта, Санкт-Петербург), лауреат международных конкурсов Мария Сапаргалиева (фортепиано, Санкт-Петербург).
В программе: Ф.Шуберт Соната Ми-бемоль мажор, К.Дебюсси Этюд для пяти пальцев для фортепиано, Ф.Пуленк Соната для флейты и фортепиано, П.Смелков Соната-баллада для флейты и фортепиано.
Ведущая – Елена Шелякина.
В основе выставки — именной фонд Константина Георгиевича Абрамова (1883-1961), материалы которого были переданы родственниками в 1960-х годах.
Многогранная деятельность Константина Георгиевича Абрамова заложила основы природоохранной политики на Дальнем Востоке России и повлияла на развитие заповедного дела в СССР. Он вкладывал все свои силы и мужество не только в полевые исследования популяций таежных животных, но и в подготовку и практическое воплощение законодательства по созданию заповедников.
С 29 декабря в музее имени Арсеньева (ул. Светланская, 20) будет работать выставка «Этот старый-старый Новый год». Выставка посвящена традиционным новогодним и рождественским праздникам в России.
Атмосферу самого загадочного, наполненного счастливым ожиданием перемен к лучшему праздника создают музейные интерьеры «Святочные гадания», «Маскарады в замке Янковских».
Из музейных хранилищ извлечены самые интересные новогодние экспонаты.
В замке Янковских в Сидеми всё готово к праздничному событию… Центром всей композиции является уникальный экспонат — маскарадное платье русской боярыни. Оно было сшито в 70-е гг. XIX века и носилось сначала Александрой Дмитриевной Шевелёвой, урождённой Синицыной. Потом перешло по наследству старшей дочери Маргарите Михайловне Янковской, урождённой Шевелёвой, затем старшей дочери Маргариты Михайловны Виктории Юрьевне Янковской. Правнучки в Калифорнии Кира и Алора тоже примеряли его на себя. Синий бархат, пух страуса, золотое шитьё, стразы… В 1997 году платье передано в дар музею В.Ю. Янковской.
В интерьере «Советская ёлка в советской семье» представлены ёлочные украшения и новогодние поздравительные открытки 1930 – 1950 гг., которые сохранили настрой и аромат времени. Здесь и герои книжек советской детворы , и традиционные стеклянные сказочные персонажи, и космические корабли, и картонные овощи-фрукты. И конечно, Дедушка Мороз из ваты и Снегурочка из пластмассы. Всё это было дорого, всё это кто-то любил…
Слово «натюрморт» буквально означает «мёртвая природа». Но глядя на работы Натальи Попович, видишь бурлящую, полную красок, динамичную жизнь. В её работах видны уникальный профессионализм и тонкое чувство искусства. Форма и содержание слились в единое прекрасное целое. С одной стороны, сама техника письма, большой формат, лепка формы, трёхмерность пространства и особенный колорит. С другой стороны, это ощущение полноты жизни, силы таланта и свежести взгляда автора.
22 декабря в 16:00 Приморская государственная картинная галерея представляет персональную выставку живописных и графических работ художника Кима Коваля — талантливого художника, общественного деятеля.
В экспозицию вошли работы, хранящиеся в фондах ПГКГ, а также — из коллекции семьи художника. Главная цель, которой хотели достичь организаторы — ещё раз показать на примере творчества настоящего художника, что нет «плохих» и «хороших» направлений в искусстве, могут быть лишь состоявшиеся или нет произведения искусства.
Зрителям выпадает редкая возможность увидеть лучшие, можно сказать, классические образцы разнопланового творчества мастера: живописные сюжетные композиции, этюды и графику; работы, созданные в русле социалистического реализма и такие, где автор пробует решать пространство и образы через формальные поиски, присущие ХХ веку.
Ким Коваль родился в декабре 1930 года в Никольске-Уссурийском (ныне — Уссурийск). Любовь к рисованию была привита ему дядей, братом матери — В.С. Анкуденко, выпускником Омского художественного училища. Художественное образование Коваля продолжилось в
В 1956 г. в Приморской организации СХ СССР был объявлен закрытый конкурс на эскиз картины, тему которой выбирал сам художник. Эскиз Коваля занял первое место, и автор в качестве премии получил путёвку в Дом творчества «Академическая дача». Там Ким Петрович продолжил своё образование, периодически принимая участие в творческих заездах Академической дачи. Он с благодарностью вспоминал В.Ф.. Загонека, братьев С.П. и А.П. Ткачёвых, В.Н. Гаврилова, повлиявших на него и поддержавших в начале творческого пути. Дебют молодого художника в 1960 г. на первой республиканской выставке «Советская Россия» был блестящим — шесть работ было принято к показу! Столь доброжелательный приём со стороны и публики, и коллег свидетельствует о том, что творчество Коваля отвечало запросам того времени: люди искали в искусстве искренности, лирики, душевной открытости, непосредственности переживания. А эти качества являются отличительными чертами живописи Коваля.
В отличие от своих Владивостокских коллег, стремившихся за впечатлениями на Север, в морские просторы, Ким Петрович искал свои темы и своих героев в приморской глубинке: в колхозных посёлках, на пограничных заставах, на дальних метеостанциях. Пейзажи Коваля как бы обрамляют какой-нибудь эпизод человеческой жизни. Приметы людского бытия становятся у него опорными моментами композиции, но они не являются довлеющими, а живописно и пластически вплетаются в пейзаж, образуя единое целое. Природа у Коваля — обиталище людей, поэтому дома, тропинки, лодки, машины, трактора обязательно присутствуют в его пейзажах. Детские и женские образы всегда занимали особое место в творчестве уссурийского мастера — ведь он так любил и был привязан к своей семье — жене и двум дочерям, Ольге и Ирине! Киму Петровичу особенно удавалось передать состояние воздушной среды, световых эффектов и цветовых отношений, характерных для континентального Приморья. Любимый им солнечный свет, затопляя пейзаж, высветляя краски, сочетает цвета в мажорные созвучия. Особенно ему удавались редкие мгновения на излёте зимы, когда весна только ещё предчувствуется, как «весна света», по пришвинскому определению, когда она только витает в воздухе. Часто дети оживляют его весенние и летние пейзажи, усиливая радостный и возвышенный смысл пробуждения и цветения в природе.
Как правило, содержание работ Кима Петровича во многом проявляется через живописно-пластическое решение, его картины обычно — не рассказ, длящийся во времени. Они раскрываются зрителю целиком и сразу — как яркое интенсивное впечатление. Их содержанием, по сути, является переживание художником солнечного света, радости жизни и детства, красоты природы — вечных ценностей, внятных любому человеческому сердцу.
В произведениях Коваля
Потом был ещё поворот — когда художник открыл для себя северную тему — после поездки на Камчатку. В «Камчатской осени» (1979) поэтически соединились величавый, без конца и края, тундровый простор гористой Камчатки и присущая раннему Ковалю напевная лиричность цвета с оттенками голубизны ягеля, густо-красного тона осенних ягодников, малахитово-изумрудного мягкого мха, золотистой желтизны карликовой берёзы.
Коваль готов был учиться и учился всю свою жизнь. В 1979 году ему довелось побывать на Кубе, в 1987 — в Индии. Этюды, эскизы, наброски, которые привёз художник из зарубежных поездок, открыли ранее несвойственные его манере качества. В короткий срок Ковалю удалось освоить и принять как свои собственные приёмы постимпрессионистической живописи, с её плоскостностью композиции, цветовыми заливками и острой линейной характеристикой образов, тяготеющих к знаку. Таковы «Танцовщицы», «Крестьянская семья», «Танец. Куба» (все — 1979), «Индия. Агра», «Индия. Женщина с кувшином», «Индия. Апельсиновый сад» (все — 1987).
Ким Петрович ушёл из жизни очень рано, полным сил, замыслов, планов. Но его дело подхватили товарищи по Уссурийской организации Союза художников, его дочь, Ольга Никитчик, которые делают всё возможное, чтобы сохранить и приумножить традиции и дух творческого братства, воспитанный в них отцом и старшим товарищем.
В этом году тигр олицетворял чувствительность, эмоциональность, способность на глубокие размышления и сильную любовь. В то же время тигр олицетворяет мощь Земли. Мы встретимся с тигром снова через 12 лет, в 2022.
2011 год пройдет под знаком кролика. На выставке будут представлены детские художественные работы с символами года тигра и кролика, старинный календарь и фотографии. Выставка дает возможность определить, когда наступит именно ваш год по восточному календарю, и что он вам принесет. Многим он поможет удачно выбрать жениха или невесту. А кроме того, вы сможете загадать счастье по билетику, исполнение которого гарантирует волшебная ёлка.
Кролик — это счастливец, он хорошо говорит, талантлив и честолюбив. Скромный, сдержанный, добродетельный, он обладает безупречным вкусом. Кролик везуч, любит общество и общество любит его.
Выставка работает с 10 до 17 часов.
Выставка детских работ в канун Рождества не случайна. Накануне Новогодних праздников каждый дом традиционно украшается. Но особое тепло, настроение появляется от Новогодних украшений, сделанных своими руками.
Десять муниципальных художественных школ города решили в этом году украсить Дом-музей своими руками. Каждая комната будет представлять отдельную рождественскую композицию-сказку, рассказанную юными художниками. Кроме того, помимо работ буду представлены и самые заветные детские мечты и пожелания.
Более 200 детских работ размещены на выставке-конкурсе.
Организаторы выставки — управление культуры администрации города Владивостока и Дом-музей семьи Сухановых. Выставка-конкурс проводится в рамках городской программы развития детского творчества и ставит перед собой цель — воспитание чувства любви к русским традициям и праздникам средствами изобразительного искусства.
Открытие 24 декабря в 16:00.
Сегодня, когда на дворе уже 10-й год XXI века, многие из тех, кто начинал ту серьезную перестройку, отмечают славные юбилеи. Вот и Артэтаж, отметив свое 20-летие, продолжает те же намерения в городе нашенском — представляет современное изобразительное искусство. Многим, от подбора кадров и действий, он обязан этой группе художников. Не было долгих сомнений тогда, в конце 1980-х, с кем работать, кого выставлять. Впитавшие Матисса, Сезана, Пикассо, Шагала и прочих эстетов — отцов модернизма, мы скоренько нашли общий язык. Тогда таких называли всяко: «левые», «неформалы», «авангардиcты», «нонконформисты» и даже «диссиденты». Но это были не «моральные уроды», как именовала их прежняя власть и пресса, а вполне адекватные, приличные, умные, классически образованные дяди — настоящие художники. Свою первою выставку Артэтаж проводил в Москве, так и назвав её — «Владивосток», затем было множество представлений в России и за рубежом, где доминировали участники группы «Владивосток».
Оставлю место искусствоведу изложить их художественные достоинства, отмечу коротко — выставку эту посвящаем 150-летнему юбилею нашего Владивостока. Город, который вдохновляет всех и особо художников, каждого по-разному. В нашем случае, полагаю, речь идет об ответственности. Об осознании силы и значимости собственного таланта, о том, как объединить его с группой единомышленников, назваться при этом смело группой «Владивосток», и махать кистью до конца дней своих.
Широко известен тот факт, что те советские художники, которые не могли и не хотели работать в рамках метода социалистического реализма, становились представителями неофициального искусства, или андеграунда, ещё их называли нонконформистами. Оставаясь за пределами легитимного Союза художников, они объединялись для проведения выставок. Этапными в истории неофициального искусства стали выставка МОСХ (1962), которая подверглась резкой критике Н.С. Хрущёва, так называемая Бульдозерная выставка (1974), однодневная выставка в том же году в Измайловском парке в Москве, выставки художников-нонконформистов в ДК им. Газа и ДК «Невский» (1974-1975) в Ленинграде.
Подобные явления имели место быть не только в столичных городах, но и на территории всей страны. В Приморском крае, Владивостоке, в силу географического положения, исторически сложившегося менталитета населения неофициальное искусство получило заметное развитие. Особенностью региона стало то, что в отличие от столиц приморские художники, ступившие на путь формальных поисков вне главного направления, «мэйнстрима», оставались разобщёнными. Несмотря на то, что в начале 1980-х годов в столице Приморья одновременно работали Виктор Фёдоров, Рюрик Тушкин, Виктор Шлихт, Александр Пырков, Юрий Собченко, Фёдор Морозов, Валерий Ненаживин, Владимир Самойлов, — ими ни разу не была предпринята попытка организовать коллективный показ своих работ. Первая выставка приморских нонконформистов состоялась по инициативе Управления культуры Приморского края, в связи с открывающимся во Владивостоке международным конгрессом стран Тихоокеанского бассейна. Она проходила с 23 сентября по 23 октября 1988 года в Приморской картинной галерее. На ней экспонировались 53 произведения шести художников.
Куратором выставки была искусствовед, старший научный сотрудник галереи Марина Эдуардовна Куликова (1959-2000).
Из документов, хранящихся в архиве Приморской государственной галереи видно, что часть произведений (Рюрика Васильевича Тушкина, Фёдора Михайловича Морозова и Виктора Михайловича Шлихта) была выдана в экспозицию из фондов галереи. Данный факт свидетельствует о том, что сотрудники Приморской галереи (директор — Н.А. Янченко (ныне -Левданская) уже в то время находили возможность приобретать в коллекцию произведения талантливых художников, не признаваемых официальными кругами. В первой выставке группы, позже получившей название «Владивосток», кроме названных выше, приняли участие Валерий Геннадьевич Ненаживин, Александр Александрович Пырков и Юрий Валентинович Собченко. По свидетельству Ф.М. Морозова и А.А. Пыркова, предполагалось участие и Виктора Абрамовича Фёдорова, но из-за личностного конфликта, возникшего между ним и Собченко, Фёдоров участвовать отказался. Такова предыстория создания первой нон-конформистской группы в Приморье. Поскольку выставка состоялась по распоряжению властей и проходила в залах государственного музея, правление Приморского отделения СХ РСФСР (А.В. Телешов, К.И. Шебеко) не вмешивалось в ход подготовки экспозиции, дало возможность экспонентам и сотрудникам галереи отбирать произведения для показа. Это был прорыв. Таким образом, группа «Владивосток» проторила путь новой волне развития приморского изобразительного искусства.
Приведу цитату из неизданной статьи М.Э. Куликовой «Выставка шести художников», которая характеризует необычность экспозиции: «Уже то, что среди отобранных работ нет ни одной написанной на социальный заказ, то есть, на потребу дня, говорит о качестве этой выставки. Это качество — честность каждого из художников перед собой и перед зрителем. Поэтому эта выставка — выставка Живописи.., … Я вижу и ощущаю не только те или иные традиции мирового искусства, в которых работают представленные живописцы, но и остро воспринимаю необычность их искусства, которая заключается в том, что, несмотря ни на что, они — приморские художники, и географическое понятие здесь играет немаловажную роль».
Как уже упоминалось, участники выставки, по большому счёту, не были группой единомышленников, друзей, как, впрочем, и многие другие объединения художников. Каждый шёл своим путём, все они были индивидуалистами. Группу объединила ситуация, то обстоятельство, что их творчество не вписывалось в рамки метода социалистического реализма, а также то, что все они жили и работали во Владивостоке. Именно последнее стало решающим в выборе названия для группы, которое предложил Александр Пырков.
Вторая выставка группы прошла в 1989 году, с 8 по 29 июня, в Выставочном зале Дальрыбы на улице Батарейной во Владивостоке. К этому времени название «Владивосток» уже закрепилось за ней, а круг участников расширился: А. Донской, И. Зинатулин, Ф. Морозов, В. Ненаживин, А. Пырков, В. Самойлов, С. Симаков, Р. Тушкин, В. Фёдоров, В. Шлихт. На печатной афише, сохранившейся у Ф.М. Морозова, я с удивлением обнаружила приписанную моим почерком, очевидно тогда же, в 1989-м фамилию «Самойлов». Иных документально подтверждённых сведений о том, какие именно работы экспонировались здесь, к сожалению, пока найти не удалось. Однако, судя по именам участников на афише, можно смело предположить, что главные качества группы — работа по зову сердца, а не по социальному заказу, постижение, переработка и самобытная реализация традиций западноевропейского искусства второй половины XIX — начала ХХ веков и философии мастеров Древнего Востока, влияние природы Приморского края — остались основополагающими.
Третья выставка «Владивостока», представляющая ещё более расширенный круг экспонентов, прошла в Московском Дворце молодёжи в 1990 году. Ряд упомянутых выше авторов основали к тому времени новое объединение — «Штиль» (образовано в 1989 г.), и оно в полном составе участвовало в выставке: И. Зинатулин, Ф. Морозов, С. Симаков, А. Камалов, А. Ионченков, В. Серов, В. Погребняк, Е. Макеев. Упоминаются также имена В. Мечковского, И. Ненаживиной. Эта выставка была организована Фондом культуры «Сотворчество» (Александр Городний и Александр Долуда).
По воспоминаниям А.И. Городнего, возможность показать современное искусство приморцев в Москве была задумана целенаправленно. Было желание показать приморский авангард тех времен, представить новую галерею современного искусства «Артэтаж». Помогли спонсоры: Московский Центр Информационных технологий (Кравченко С.В.) и ПТК «Приморский» (О.Н. Кожемяка). Наиболее популярным в то время залом для художников неофициального искусства был Дворец молодёжи, именно его выбрал А. Городний, по совету А. Пыркова.
Представляется, что III выставка лишь заимствовала название у одноимённой группы, но не являлась на самом деле её выставкой. С этим мнением солидарны все участники группы, с которыми удалось общаться.
Четвёртой выставкой группы «Владивосток», названной «Шествие с Востока» открывалась в 2005 году галерея «Портмэй». Организаторы включили в экспозицию произведения из частных коллекций, музея современного искусства «Артэтаж-ДВГТУ» и мастерских семи участников группы: Юрия Собченко, Виктора Шлихта, Рюрика Тушкина, Александра Пыркова, Валерия Ненаживина, Фёдора Морозова, Виктора Фёдорова.
Временной диапазон работ на выставке — от 1979 до 2004 года. В 1994 ушёл из жизни Виктор Михайлович Шлихт, в 2001 — Юрий Валентинович Собченко, но и они, и те, что дожили до середины 2000-х годов не изменили своему предназначению. Это видно из произведений, написанных в новом тясячелетии, демонстрирующих в то же время естественное развитие индивидуальной манеры каждого. Рюрик Тушкин, перебробовав манеры знаменитых художников, от Пикассо до Шагала — выработал собственный оригинальный почерк, главными чертами которого стали яркая живописная экспрессия, дерзкая фантазийная образность, юмор и самоирония. Фёдор Морозов так же как и Тушкин, внимательно изучал опыт зарубежных мастеров: мизерабелисты (Бернар Бюффе, Альберто Джакометти, Жана Карзу), немец Йозеф Бойс, один из основоположников постмодернизма. Искусство древнего Китая, вернее его философия — в горне творчества Морозова всё это переплавилось в манеру, которую сам он назвал: «смесь импрессионизма, экспрессионизма и примитивизма с желанием придать всему этому некоторый динамизм», а автор этих строк определила как «неоготический экпрессионизм». Александр Пырков со временем совсем потерял интерес к фигуративной живописи. Как писала М. Куликова, проблему, которую он решает в своём искусстве можно обозначить «словосочетанием „метаморфозы пространства“. Автор стремится внести в визуальное поле картины своё представление о движении Материи в некоем Пространстве, которое объемлет не только наш трёхмерный мир, но и иное, метафизическое и понятийное пространство, характер и параметры которого трудно выразить словами». Скульптурное творчество Валерия Ненаживина не претерпело значительных изменений — его вещи, выполненные в начале XXI века также экспрессивны, подвижны, исполнены метафизической печали и значительности. Во времена, когда скульптура была совсем не востребована обществом, Валерий заявил о себе как оригинальный график, сумев лучшие черты своих скульптурных работ перевести в линии на плоскости бумажного листа, разрушить эту плоскость, создав впечатление трёхмерного пространства.
Все художники группы «Владивосток» — серьёзные, большие мастера, но Виктор Фёдоров, думается — уникальная творческая личность. Имея желание и возможность месяцами жить на практически необитаемом острове в океане, он проникся, воспринял душою и разумом единство Природы и Человека. Гипертрофированное мужское начало, присущее Фёдору, диктовало ему выбор Женщины как воплощения Человеческого в пандан Природному. Марина Куликова писала: «Основой его творчества становится столь трудно изобразимое целостное Бытие, взаимопроникаемость малого и большого, микрокосма и макрокосма. Об этом его картины. В них формы человеческого тела как бы плавно переходят в горы, прослеживаются в тающих очертаниях облаков, в феериях заката и восхода солнца». Казалось бы, всё понятно и объяснено. Однако, как удержаться, изображая женские груди — скалы, женское лоно — грот, женские ноги — лунные или солнечные дорожки на воде — и не впасть ни в пошлость, ни в порнографию! И в то же время картинам и рисункам Виктора Фёдорова не откажешь в некоей метафизической эротичности. Повторять его манеру пробовали некоторые авторы следующих поколений — не удалось!
24 декабря 2010 года, по инициативе директора музея современного искусства Артэтаж Александра Ивановича Городнего открывается ретроспективная выставка группы «Владивосток»: Юрий Собченко, Виктор Шлихт, Рюрик Тушкин, Аександр Пырков, Валерий Ненаживин, Фёдор Морозов, Владимир Самойлов, Виктор Фёдоров. Выставка посвящена 150-летнему юбилею Владивостока, города, не только давшего название группе, но и питавшего талант и вдохновение замечательных художников.
В экспозицию войдут работы из собрания музея, а также произведения этих авторов более позднего периода.
Значение группы «Владивосток» и её выставочной деятельности для развития Приморского изобразительного искусства трудно переоценить: был легализован нон-конформизм в Приморском крае; раздвинулись рамки для творчества следующих поколений художников. Выставки «Владивостока» дали импульс и направление творческого поиска молодым, начинающим художникам; обогатили палитру стилистических, формальных приёмов в живописи, графике, скульптуре; ими была подготовлена почва для организации других творческих объединений, таких как «Штиль» (1989-2004) и «Триада» (1989-1994).
Художник Василий Максимович Свиридов родился 31 декабря 1920 года в городе Владивостоке. Выпускник Владивостокского художественного училища, Член Союза художников. Прожил недолгую, но яркую жизнь. За короткий творческий период он создал оригинальные, талантливые произведения, около 60-ти акварелей и монотипий. Василий Максимович был участником 1 и 2 зональных выставок «Советский Дальний Восток». В 1965 году его работы были представлены в Москве на 1 всесоюзной выставке акварелей, где были приобретены 6 его работ. В 1967 году Свиридова Василия Максимовича не стало.
Серия пейзажей Василия Свиридова сначала показалась печальной, даже трагичной. Но это было связано не с работами, а с тем, что автора уже нет с нами. А на самих этюдах тёмная цветовая гамма, порой сдержанность в цвете придают цельность и неподдельную честность. Природа бывает и такой: с неброской красотой в духе Саврасова, с последождевой свежестью, с красивым серым небом. Художник смог передать холодный воздух осени, щемящую нехватку солнца и света, предчувствие зимы. Очаровывает воздушность работ и их прочувствованность. Если это атмосфера осени, то она во всём, она поглощает всё. Деревья теряют свой цвет, и замедляется время.
