Каждый город имеет свои заповедные места, которые дороги и близки сердцу горожан. Их историческая и культурная ценность превращает дома, улочки, внутренние дворики и скверы в настоящие достопримечательности, привлекающие к себе постоянное внимание гостей и жителей города. Основанный на неисследованных землях, вдали от обжитых мест, Владивосток, несомненно, обладает чем-то большим, чем маршрутами, интересными с экскурсионной точки зрения. Владивосток – это концентрация энергии людей творческих, открытых всему новому, жизнелюбивых. Город, который невозможно не любить. Он манит и соблазняет, когда находишься вдали от него, и наполняет необъяснимой радостью, когда оказываешься в его пределах. Он вдохновляет.
Вениамин Гончаренко, Сергей Черкасов, Владимир Цой, Илья Бутусов, Оксана и Евгений Осиповы, Джон Кудрявцев, Владимир Старовойтов, Сергей Симаков, Мария Холмогорова, Юрий Валентинович Собченко, Виктор Никонович Старовойтов — художники, которые не раз обращались к жанру городского пейзажа в поисках возможности выразить свои эмоции, чувства и переживания. Галерея «Арка» рада представить посетителям их наиболее интересные и ценные произведения из своей коллекции. Художники творят в различных жанрах, техниках и стилях, но их работы объединены темой выставки. Они воспринимают Город как живой организм, который чувствует, слышит, говорит и входит в контакт с живущими в нем. И он же, откликаясь на внимательный взгляд художника, на работу его руки, давшей ему новую жизнь, чудесным образом преображается и открывает свое лицо. Городской пейзаж становится портретом Города, на который, несомненно, будет приятно посмотреть зрителю.
Владивосток Вениамина Гончаренко — яркий, сочный, не смотря на то, что город изображен в вечернее время суток. На полотнах сильными и точными мазками художник передал ощущение свежести морского воздуха, мощи крупного порта и умиротворенности владивостокской ночи. Сергей Черкасов свои работы наполнил воздухом и особым настроением Владивостока, по которому бывает ностальгия у всех уехавших из города. Владимир Погребняк с присущей ему одному тонкой доброй иронией изобразил спешащих куда-то людей, отражающихся в лужах, которые не успевают испариться в череде тайфунов. Гиперреалистичная манера Маши Холмогоровой заставляет усомниться зрителя, где он находится, в галерее или на улице города. Илья Бутусов в характерной ему манере с помощью изящных и выверенных образов создал город романтический и немного мистический. Определенно, Владивосток – город, в котором каждый художник видит свою музу и наделяет ее невероятной привлекательностью.
Галерея «Арка»
Адрес: 690091, г. Владивосток, ул. Светланская, 5
Телефон: +7 (4232) 410-526, факс: +7 (4232) 320-663
URL: www.arkagallery.ru, www.artnet.com/arka.html
График работы: вторник — суббота с 11 до 18, вход бесплатный
Работы написаны в Анучинском районе Приморья в 2001-2003 годах. Это мои первые художественные опыты с природой Приморья. Как художник я формировался на Урале, в другом географическом пространстве, поэтому было трудно заключить в образы новые ощущения, связанные с некоторым потрясением от новизны и необычности местной природы. Но эти работы уже часть моей биографии и все они находятся в частных собраниях, живя своей жизнью. Написаны в моей любимой смешанной технике и ещё имею надежду, что благодарному зрителю будут понятны мои ощущения.
Само слово «Аквалеп» означает лепку фактуры на картоне с применением воды. Дальше — технологическая цепочка с завершающей росписью фактуры чёрной краской. эта техника, всего лишь пластический язык, придуманный мной для определённого рода задач, для композиций, где отношения Белого и Чёрного, а так же Фактура, составляют часть Образа.
Представлены 15 работ в технике «Аквалеп», выполненных в 2010 году и показанных на двойной выставке с Владимиром Старовойтовым. Выставка под названием «Концерт для Птицы и Фагота» проходила с 14 октября по 15 ноября 2010 года в галерее «PORTMAY» г. Владивосток.
Создание собственных техник не является для меня самоцелью, но позволяет наиболее полно высказаться как художнику, тем более, что оставаться в творчестве самим собой для меня — жизненное кредо.
10 декабря в залах Приморского Союза художников открылась коллективная выставка графики, в которой около 40 Владивостокских художников представили более 100 работ. Благодаря поддержке галереи www.artvladivostok.ru выставка, изменив офф-лайн формат, продолжает собирать зрителей (теперь уже не в залах Дома художника на ул. Алеутской, 14 а, а у экранов ПК), соответственно, вызывает отклики и мнения и даёт повод поговорить о некоторых тенденциях.
В тексте, сопровождающем первую часть графических листов на странице галереи, уже говорилось кратко о техниках, которыми владеют Владивостокские художники (рисунок карандашом, тушью, сангиной; акварель, пастель, гуашь; печатная графика — литография, линогравюра, офорт, ксилография; работы в смешанной технике и технике граттажа), и истории развития этой области искусства в Приморском крае.
Попытаемся рассмотреть подробнее некоторые тенденции. Для начала хочется сказать о том, что подобная коллективная, довольно многочисленная для творческой организации, насчитывающей около 120 членов, выставка графики — явление редкое. При том, что персональные выставки графических работ в галереях Владивостока, Артема, Находки (только 2010-й год подарил зрителям графику Д. Кудрявцева, В. Ненаживина, художников группы «Владивосток», А. Заугольнова, В. Олейникова, Е. и О. Осиповых, Е. Кравцовой), как и участие в российских и зарубежных графических биеннале и фестивалях приморских художников, время от времени, происходят. И казалось бы, волноваться по поводу жизнеспособности этой области искусства во Владивостоке не следует. Однако, в общих коллективных выставках раздел графики, многочисленный и разнообразный в советские годы, катастрофически мал.
С одной стороны, изначально графика считалась делом прикладным, подготовительным, уступающим место живописи, в том числе и на выставках и художественных показах. Ещё великий Да Винчи в своё время среди всех искусств, да что там, среди всех человеческих дел, поставил живопись на первое место, назвав живописца «Властелином всякого рода людей и всех вещей». И сегодня кураторы выставок и галеристы к графике относятся, мягко говоря, спокойно.
С другой стороны графические искусство по разнообразию техник (и в оригинальной, и в печатной графике) даёт практически неограниченные возможности художнику для выражения творческого замысла. Ёмкость образа в лаконичных, сделанных единым движением рисунках подчас оказывается большей, нежели живописно созданная пространственная иллюзия мира. Не случайно, не смотря на неласковое отношение нынешней публики к графическому искусству, у него есть беззаветно преданные служители, художники, не отказывающиеся от строгих линий и листа бумаги.
Приморское графическое искусство сформировалось в 1960-е. Хотя, если быть точным, то знаменитое объединение футуристов «Зеленая кошка» (сформировалось в г. Хабаровск в 1920-е), художники которой Ж. Плассе, П. Любарский, В. Пальмов работали и во Владивостоке, ввели молодое приморское искусство в общий контекст отечественного авангарда. Тетрадь офортов «Зеленой кошки» — редкий по изысканности и стилистическому звучанию графический материал.
1960-е же становятся точкой отсчета разнообразия техник: эстамп, линогравюра, офорт, акварель, ксилография появляются на краевых и зональных выставках. Темы этого периода — приморский пейзаж, рыбацкая тема, виды города, история страны. Они отчётливо звучат в нынешней выставке, давая примеры классической школы и мастерства К. Шебеко, Т. Кушнарёва, И. Кузнецова, В. Чеботарёва, В. Олейникова.
О Заслуженном работнике культуры РФ В. Чеботарёве следует сказать отдельные слова. Его искусство называют крупным художественным явлением в истории изобразительного искусства Приморья и всей России. На выставке представлены камерные по размеру пейзажные акварели, по которым судить о богатом и многогранном наследии мастера невозможно. Но именно с Чеботарёвым связана вся приморская графика (в том числе книжная иллюстрация). Выпускник графического факультета Ленинградского института живописи скульптуры и архитектуры им. И. Е. Репина приехал во Владивосток в 1960-м году и сразу же начал преподавать в Владивостокском художественном училище и участвовать в выставках самых серьёзных уровней — в Москве и за рубежом как единственный в то время график от Приморского края. С его именем связан подъём графики на высокий профессиональный уровень, без В. Чеботарева в училище не было бы графической мастерской: всем техникам, в которых художник работал сам, он учил студентов, делясь своими опытом и знаниями. В течение довольно короткого периода, от 1960-х до начала 1980-х, буквально за десятилетие формируются разнообразные направления графического искусства: оригинальная графика (акварель, пастель, рисунок любым материалом), виды печатной графики, книжная иллюстрация, плакат, сатирическая графика (шаржи, карикатура).
В 1990-х проявляется тяготение художников к поиску формы, цветовых сочетаний, дающих серии работ, близких к абстракции. Происходит отказ от печатной графики в пользу оригинальных работ. Техники, в которых работают Е. Макеев, В. Шапранов, И. Зинатулин, Л. Зинатулина, Е. Никитина, близки к живописи: гуашь, смешанная техника с использованием акрила. Тяготение к масштабным сериям отражает экспериментальный подход. К слову, в этих экспериментах утверждаются как графические техники те, что традиционно считаются живописными: гуашь, масло, смешанная техника начинают использоваться все более активно. И скепсис сформированных в классических традициях мастеров не разделяют даже устроители биеннале графики, принимающие работы маслом на бумаге к участию в конкурсе. Кроме того, в художественных акциях начинают принимать участие молодые художники, чьё видение формируется под влиянием современной визуальной культуры и новых технологических возможностей времени.
Налицо явное противоречие: графики становится меньше, но именно этот вид искусства даёт побудительный мотив организаторам престижной сегодня Международной биеннале графики (Санкт-Петербург), которая проводится с 2002 года Фондом «Современная графика» при поддержке Комитета по культуре Правительства Санкт-Петербурга и при участии Международного фонда поддержки культуры «Мастер-Класс». Её задача -показать полную картину происходящего в современной графике, показать тенденции развития различных школ и направлений. Биеннале в Санкт-Петербурге, вдохновителем и главным организатором которой является наш земляк художник с мировым именем Олег Яхнин, вызывает огромный интерес со стороны общественности и профессиональных деятелей.
Не меньшую активность проявили и дальневосточники, выступив в 2007 году инициаторами биеннале графики «Серебряная волна» (г. Комсомольске-на-Амуре). И снова огромный интерес со стороны участников, зрителей, музейщиков. К слову, разделы конкурсов — оригинальная графика, традиционная печатная графика и новые печатные технологии — дали возможность художникам продемонстрировать самые смелые эксперименты.
В этой ситуации выставка «Графика Владивостока» — кураторский отклик на ситуацию, позволяющий исследовать предмет в историческом развитии (хронологический диапазон выставки довольно широк: представленные работы датированы от 1970-х до 2010-го) и удержаться от грустных выводов, поскольку в выставке участвовали интересными работами совсем молодые художники (К. Лукьянчук, иллюстрации к книге «Алиса в стране чудес», В. Косенко, акварель). Кроме того (хочется надеяться) выставка будет началом целой серии графических проектов, которые обещает поддержать нынешнее руководство Приморской организации СХР.
Куратор выставки — О. И. Зотова, кандидат искусствоведения,
доцент кафедры издательского дела и полиграфии
Института массовых коммуникаций ДВФУ
Генеральное Консульство США во Владивостоке и Галерея Арка представляют двусторонний международный проект — выставку карикатуры Дэрила Кэйгла (США) и Джона Кудрявцева (Россия). Два уникальных художника объединены международным проектом «Картинки для взрослых: отражение жизни», который проводится под эгидой Двусторонней Российско-Американской Президентской комиссии.
Для россиянина Джона Кудрявцева карикатура была и творческим этапом, и средством заработка в первой половине 80-х, в период работы в редакции приморской краевой газеты «Красное Знамя». Сегодня он, вольный художник, живёт в самом сердце старого Владивостока. Мощёный булыжником дворик упирается в дверь мастерской, за порогом которой открывается пространство иных измерений, другой мир, частичку которого можно увидеть на выставке.
Для его американского коллеги карикатура — не этап, а дело всей жизни. Сегодня Дэрилл Кэйгл (Daryl Cagle) — редакционный карикатурист в компании MSNBC.com, до этого вёл ежедневную карикатурную рубрику «Правда!» («True!») для Tribune Media Services, работал в издании Hawaii’s Midweek newspaper, в интернет-журнале Slate. В 2001 году образовал компанию Cagle Cartoons, Inc. Его работы изящны и элегантны, наполнены тонким добрым юмором. Его аудитория — миллионы зрителей, как в США, так и за их пределами.
Художники высокого творческого полёта, Дэрил и Джон, живущие на разных берегах Великого океана, дают нам ещё одну возможность почувствовать, то, что нас сегодня объединяет и помогает стать чуточку добрее.
Отцом современной карикатуры некоторые историки искусства считают Леонардо да Винчи, который глубоко изучал «идеальный тип деформации» — гротеск в рисунке. Однако формальным создателем жанра стал итальянский художник второй половины ХIХ века Аннибале Карраччи. Он первым начал преподавать искусство карикатуры. В эпоху Реформации «весёлыми картинками» в Европе увлекались такие серьёзные мастера как Альбрехт Дюрер и Лукас Кранах-старший.
В России и США «потешные рисунки» светского содержания появились практически одновременно, во второй половине ХVIII в., и с тех пор являются важной неотъемлемой частью обеих национальных культур. Неслучайно в США с 1922 г. художникам-карикатуристам даже стали вручать Пулитцеровскую премию — одну из самых престижных в области журналистики.
Адрес: ул.Светланская, д.5
Тел.: +7 (4232) 41-05-26, факс: +7 (4232) 32-06-63 www.arkagallery.ru и www.artnet.com/arka.html
Галерея открыта со вторника по субботу с 11:00 до 18:00
Как-то раз сидели мы с другом Джоником Кудрявцевым
у меня в мастерской и размышляли о разнообразных
высокохудожественных вещах… Владимир Старовойтов, эссе «О городе и натюрморте»
Джон Кудрявцев, Владимир Старовойтов
Есть художники, которые являются неотъемлемой принадлежностью не только собственных мастерских, но и города, они часть его живого творческого ландшафта. Владимир Старовойтов, Старый Войт, как его ещё именуют товарищи, и Джон Кудрявцев из породы именно таких художников. Для многих, кто знаком с творческой средой Владивостока, они определяют саму её атмосферу, её духовную свободу, они энергетические центры, притягивающие художников, фотографов, поэтов и писателей, музыкантов, наконец, друзей и почитателей их искусства. Они останавливают угрюмый взгляд сограждан, даже когда просто идут по улице из своих мастерских в центр города: Джон со стороны Фуникулера, а Старый Войт из населённых руин Миллионки. Бог знает, но есть в их облике что-то мгновенно выделяющее их фигуры из толпы, некое просветленное спокойствие и человеческое обаяние — они открыты миру как праздные русские гуляки и сосредоточены как дзэнские монахи во время медитации. Завидев их, дети тычут пальцем и радостно кричат: «Мама, мама, смотри, дядя-художник идёт!» Признаться, и у меня порой при виде этих собратьев-художников возникает такое же желание. Удивительное, очень органичное и правдивое совпадение внешнего образа и внутренней сути, а дети это тонко чувствуют.
И вот они сошлись в центре города, в галерее PORTMAY, на совместной выставке «Концерт для птицы и фагота». Сошлись, чтобы кое-что отметить, потому что выставка, в общем-то, юбилейная, им на двоих 120 лет со дня рождения: 65 лет Владимиру Старовойтову и 55 лет Джону Кудрявцеву. Хотя сами по себе они художники вовсе не юбилейного характера и больше заботятся о работе, о воплощении новых замыслов, которых им не занимать, а не о том, как бы посолидней преподнести себя публике. Вот и в этой экспозиции представлены только свежие работы, созданные в нынешнем году, что случается, надо сказать, в подобных юбилейных случаях довольно редко.
Владимир Старовойтов, склонный в былые времена к полотнам впечатляющего формата, где себя вольготно чувствовали купальщицы едва ли не в полный рост, библейские персонажи, актёры и музыканты, к профессиональной жизни и творчеству которых он питает особую любовь, в последние годы пишет работы небольшие. Он словно сжимает темы и сюжеты своих произведений, чтобы вглядеться в них более пристально. И вместе с тем художник всё время расширяет жанровый диапазон: сюжетные картины, портреты одиночные и групповые, пейзажи вообще и городские пейзажи Владивостока в частности, натюрморты и натюрморты-пейзажи… Его выставка портретов «Лицезрение», что состоялась два года назад, была за последние два десятка лет едва ли единственной персональной выставкой такого рода. Старый Войт — художник в расцвете и силе, что и подтверждают его новые работы.
Мне видится, что некая профессиональная метаморфоза произошла в творчестве Старовойтова несколько лет назад, когда он наконец-то выбрался в Нидерланды, чтобы встретиться со своим любимым Рембрандтом лицом к лицу. Естественно, речь в этом случае не идет о каком-либо ученичестве или прямолинейном следовании образцам великого голландца. Речь о том, что художник приобрел новое отношение к своему творчеству, где живопись вовсе не средство, не инструмент для оформления некоего содержания, а единственная цель — живопись как мировоззрение и образ жизни.
Его картины и прежде отличались своеобразием сюжетов, нередко вполне фантастических, быстрой контурной линией рисунка, насыщенным колоритом со своевольной игрой цветовых пятен. Но сейчас, когда холсты значительно уменьшились по формату, сконцентрировались, в них с ещё больше степенью проявилась свобода воображения и фантазии, а вместе с ювелирным живописным письмом они стали приобретать одновременно и философскую глубину. Работы Старовойтова — это тот редкий случай, когда каждый сантиметр красочной поверхности самоценен. Этим сантиметром холста можно любоваться отдельно — его цветовыми и тональными оттенками, его бархатистой фактурой, его эмоциональной насыщенностью.
И ещё одно свойство отличает сегодняшнюю живопись художника — она звучит. Причем музыкальны не только работы со сценками из жизни оркестра, но музыкой проникнуты и натюрморты, и пейзажи. Любовь автора к симфонической музыке, профессиональный интерес к оркестру в целом и к личности каждого оркестранта в отдельности, конечно, тоже играют свою роль. Старовойтов вообще увлечённый завсегдатай закулисной жизни театров и оркестров, на одной из работ он прямо посадил самого себя посреди оркестра перед холстом и с палитрой в руке. И это действительно он — в толчее оркестра, репетиции, внутри музыки. Но всё-таки не оркестровые сюжеты, не скрипачки и не саксофонисты озвучивают его живопись, она звучит само по себе — композицией, линией, колоритом.
Старовойтов — художник весёлый по своей творческой природе, и даже ироничный, как, например, в оркестровых работах, где невольную улыбку вызывают и режиссёр, вонзивший взгляд в задрожавшую от ужаса скрипачку, и контрабас, гриф которого никак не может найти место в рельефе выдающегося бюста, а ещё эти смешно торчащие коленки музыкантш, которые им вечно некуда деть… Старовойтов — художник радостный, как радостна осенняя ярмарка, лавиной цвета затопляющая всё окрест, как радостны уличные народные гуляния, тоже ведь напоминающие по сюжету репетицию оркестра, правда, сильно поддатого. В эссе «О городе и натюрморте» сам автор так определил суть своей живописи: «Это торжество праздника, карнавала».
А графика его товарища Джона Кудрявцева — это всегда сотворение иной реальности, начиная от зародившихся в сознании автора образов и собственноручно приготовленных в мастерской материалов до воплощённого в листах замысла. Это непременно индивидуальное по технике и приёмам графическое описание невиданных ранее звёздных архипелагов, морей, островов, лесов, животных и птиц, обитающих в мире, созданном поэтической интуицией, воображением и мастерством художника. В его профессиональном арсенале немало изобретений — это техники «своя тушь», «неграв», травление на картоне, чёрный мел и белый лак, сырой графит. А работы, представленные на этой выставке, выполнены в технике «аквалеп»: в этом случае художник лепит сырой картон, чтобы добиться необходимой фактуры, а уже затем использует тушь. Кстати, тушь он тоже изготавливает специально, по личному рецепту, поскольку фабричная не дает нужного ему чёрного цвета — плотного и сверкающего как антрацит.
Именно завораживающая игра чёрного и белого в графических листах Джона позволяет говорить о них как о произведениях поистине живописных, в графическом смысле не менее живописных, чем холсты Старовойтова. Используя тончайшие оттенки серебра — от слепящего сияния до матовой черни, художник и добивается ощущения этой живописной полноты, исходящей от работ. Пространство его листов движется, свет бежит от фрагмента к фрагменту, меняя общую картину изображения, наполняя её воздухом и мерцанием. Графика Джона рождается из тонкого узора, звёздного тумана, из чувств и воспоминаний, живущих ещё и в душе зрителя.
Художнику важно решить в своих работах две основные задачи: наиболее полно, выразительно воплотить идею вещи, раскрыть метафору, показать персонажа, будь это мифический звёздный олень, птица, или, допустим, такое фантастическое существо, как рыба-полицай, и добиться при этом максимального эстетического эффекта, чтобы лист превратился в драгоценное графическое произведение. Его работы, как правило, скромного формата, в среднем 30×40см, но оставляют впечатление значительных станковых произведений. И связано это, прежде всего, с композицией, согласованной и выверенной до миллиметра, где всякое белое, серебряное или чёрное пятно звучит в согласованном музыкальном строе всего произведения. И, конечно же, каждый лист — это законченный сюжет, будь он лирическим, ироничным, даже гротескным или драматичным по своему характеру, это образ, который можно воспринимать и толковать по-разному, поскольку он многогранен, но непременно насыщен и содержанием, и эмоциональным смыслом, и философским.
Вот элегическое «Забытое окно», где кладбищенские кресты в заросшем бурьяном деревенском дворе уже вплотную подступили к старому окну со ставнями, в котором ещё теплится одинокая свеча; вот тревожный «Любовный треугольник», где раскрывшие острые клювы ножницы сошлись в неразрешимом конфликте; вот сказочный лист «Луна и птица», сверкающий, словно инеем, звёздным светом; вот неожиданная, весёлая работа «Здравствуй, Джон!», где в гости к художнику заявились странные, но по всему видно хорошие гости, наверное, окрестные жители его мастерской…
Здравствуй, Джон! И здравствуй, Старый Войт! И пусть вас хранит творческое одиночество в мастерских, а на улицах попадаются только добрые встречные. Дядя-художник идёт, дядя-художник идёт!
Александр Лобычев
Арт-директор галереи «PORTMAY»
Галерея «PORTMAY». Адрес: Владивосток, ул. Алеутская, 23А.
Телефон: +7 (4232) 302-493, 302-494.
URL: www.portmay.ru
Галерея работает без выходных с 10 до 19. Вход бесплатный.
Прожив здесь всю жизнь, не припомню человека, который бы остался равнодушен к Владивостоку. Конечно, это и у художников, особенно, у наших! Пейзажи, портреты и разные состояния всех местных атмосфер, вплоть до абстракций — есть дань городу и его среде. Десятками лет, а уже полтора столетия, все это отображается, имеет восклицание на многочисленных выставках, в том числе и международных, движется в соответствии со временем. Число художников растет…
Без этого замечательного места, талантливых людей и присущей всему времени истории ничего бы и не было. Ясно становится следующее — Владивосток не померкнет в небытие, произойдет скорее обратное! Уже сейчас мы видим, как облик города меняется. И вот глядишь, следом за Гонконгом, Рио-де-Жайнеро, Сан-Франциско, с которыми давно пытаются сравнивать Владивосток, действительно, наш город встанет вместе в общий ряд притягательных мегаполисов мира.
В этом блоке графики представлены пять авторских техник, придуманных мной из чувства противоречия и от большой любви к графике как таковой. Мысль о том, что графика более древний инструмент изобразительного искусства, чем другие пластические языки мне кажется бесспорной, по крайней мере, для меня. Исходя из этой личной формулы, я пытаюсь хотя бы так остаться самим собой, имея ввиду, что художник это всегда отдельный мир.
Внимание к художнику и уж тем более отклик на его труд, по сути, важнейшая сторона его творчества, потому как зритель, несомненно, его соавтор. Спасибо!
Джон Кудрявцев родился в 1955 году в Свердловской области.
1971-1975: Свердловское художественное училище.
Частная студия Бориса Витомского — 1973-1975 гг.
1975-1978: служба в ВМФ.
1978-1983: художник-постановщик, Приморское телевидение.
1978-1983: художник-постановщик, Народный театр Музыкальной комедии
С 1986 года оформил несколько десятков книг в Дальневосточном книжном издательстве, а также в издательской программе В. М. Тыцких «Новая книга».
Член Союза художников России. В биографии художника более 20 коллективных и 5 персональных выставок. Работы хранятся в Приморской государственной картинной галерее, музее современного икусства Артэтаж, галерее «Арка», частных и корпоративных коллекциях в России, США, Австралии, Японии, Германии.
Галерея «Арка» представляет пятую персональную выставку Джона Кудрявцева, художника искреннего и тонко чувствующего, опытного экспериментатора, не устающего придумывать и совершенствовать оригинальные графические техники. В экспозиции выставки около тридцати работ, выполненных в рамках реалистического искусства и напрямую связанных с пейзажем.
Пейзаж является для художника не просто местностью, а тем, что он может увидеть, находясь в такой-то местности, и «как входит природа в человеческое сознание, претворяясь в символ, лирическое раздумье или тревожное предупреждение». Джон Кудрявцев, освоив новые рубежи мастерства и новых творческих убеждений, создает художественные произведения понятные и доступные восприятию зрителем. Творческий разговор, который ведет автор с почитателем своего таланта, всегда остается диалогом, всегда имеет обратную связь, и поэтому работы из мастерской Джона Кудрявцева с легкостью находят новых владельцев и разлетаются по всему миру.
«Графика Джона Кудрявцева — это в прямом смысле слова сотворение иной реальности, начиная от летучих образов и лично приготовленных в мастерской материалов до воплощенного в листах замысла. Собственно, главная тема художника, которую он начал разрабатывать еще в 1991 году и продолжает вести по сей день, так и называется — Земля снов. Сам автор, по аналогии с известной книгой академика Обручева и замечательным фильмом, для собственного творческого осмысления определяет созданную им страну еще и как «Землю Санникова». Хотя с полным основанием ее можно назвать и Землей Джона Кудрявцева, где он одновременно и творец, и первопроходец, и картограф, и художник. И нынешняя выставка «Берёзовые уси, или Последняя вода», по сути, художественный дневник только что завершенного маршрута по Земле снов. Это значит, перед зрителем откроются новые ландшафты с неизвестными миру деревьями, животными и птицами…» (Александр Лобычев).
Адрес: ул.Светланская, д.5 Тел.: +7 (4232) 41-05-26, факс: +7 (4232) 32-06-63 www.arkagallery.ru и www.artnet.com/arka.html
Галерея открыта со вторника по субботу с 11:00 до 18:00
