Родилась 6 июня 1950 года в городе Уссурийске Приморского края.
Теги: акварель, Арт Владивосток, Владивосток, графика, живопись, Морозова, морской пейзаж, пейзаж
Евгения Дриго. «Городские акварели»
Теги: акварель, Арт Владивосток, графика, Дриго, пейзаж, Санкт-Петербург, Франция
Рубрика: Персональные выставки |
Нет комментариев
Дата публикации:
Виктория Косенко. «Город»
Недавно прошёл день города. Тема города не теряет своей актуальности ни в сознании простых людей, ни в сознании художников. Разные города, разные краски и техники. Художники часто экспериментируют с урбанистическим пространством. Например, у Марка Шагала город — это слияние маленького городка под Витебском и огромного Парижа. А у Бориса Кустодиева на полотнах появляется город без точного места на карте, но бесконечно близкий Поволжью, хотя сам Кустодиев жил в Санкт-Петербурге. Подобных примеров масса. Но всегда есть характерные черты, что-то, по чему мы узнаем город. В работах Виктории Косенко — все приметы города Владивостока: порт, вокзал, море, станция Моргородок, корабли, лодки, пирсы и рыбаки. Но если с пространством всё ясно, то время — явный эксперимент, оно или почти ускользает, или собирается в нечто единое, и старый и новый Владивосток вступают в диалог. Диалог продолжается и на уровне цветовой гаммы, где серый — доминанта. Он не кричит, а спокойно спрашивает. Серый цвет здесь и основной, и фоновый. На нём может яркой вспышкой расцветиться часть пейзажа, или вода утонуть в рефлексах от кораблей. Когда он основной: он убирает пестроту, даёт отдых глазу, погружает в созерцание неброской красоты. Это поэтика серого.
Ангелина Селиверстова
P.S. Информация о Виктории Косенко: https://www.artvladivostok.ru/gallery/kosenko/
Теги: акварель, Арт Владивосток, Владивосток, графика, живопись, Косенко, морской пейзаж, пейзаж, Селиверстова
Рубрика: Персональные выставки |
Нет комментариев
Дата публикации:
Тимофей Кушнарёв (1920 — 1998). «Акварели»
Вторая часть персональной выставки Тимофея Кушнарёва «Акварели» демонстрирует искусство сочное, имеющее право называться живописным. И не случайно: разносторонний и очень интересный график Тимофей Кушнарёв начинал работать как живописец.
Его первые полотна были масштабными тематическими картинами. Одно из детских впечатлений дочери художника – натянутый на подрамник холст в комнате (тогда у Кушнарёва ещё не было своей мастерской). Вечером, когда дневной труд был закончен, недописанный холст не убирался. В этой же комнате был телевизор, который смотрели по вечерам. Картина служила досадной помехой для ребёнка, желающего приобщиться к семейному просмотру телепередач.
Часть живописных работ была посвящена излюбленной теме – морскому пейзажу, так мастерски потом отражённому и в акварели. В 1961 году Тимофей Митрофанович стал участником выставки художников-маринистов РСФСР и после неё 3-й Всесоюзной выставки художников-маринистов.
Увлечение акварелью пришло в 1970-х. В 1970-м году с успехом проходит юбилейная персональная выставка художника, а в 1974 году он участвует в крупных выставках акварели: 1974-й – выставка акварели «Индустрия Караганды и Темиртау», 1976 – 4-я Всесоюзная выставка акварели, 1978 – выставка акварели и рисунка в Ленинграде.
В представленную серию вошли акварели разных лет.
Куратор выставки Ольга Зотова,
Доцент кафедры Издательского дела и полиграфии ДВФУ,
кандидат искусствоведения,
член Союза художников России
Теги: акварель, Арт Владивосток, Владивосток, графика, живопись, Зотова, Кушнарёв, морской пейзаж, пейзаж
Рубрика: Персональные выставки |
1 комментарий
Дата публикации:
Тимофей Кушнарёв (1920 — 1998). «Поиски себя»
Персональная выставка Тимофея Кушнарёва — возможность вспомнить, а для кого-то познакомиться с творчеством удивительно светлого, лиричного художника, работавшего во Владивостоке во второй половине ХХ века.
В приморское искусство участник Великой Отечественной войны, живописец и график, Тимофей Кушнарёв пришёл в 1952. Он поступил во Владивостокское художественное училище в 1947 году сразу же после ухода в запас. По окончании училища начал работать в Художественном фонде Приморского союза художников. Пришедший в профессию позже, чем его сверстники, Тимофей Кушнарёв оказался художником по своей сущности. По внутреннему складу, по интуитивно ощущаемому внешнему миру вещей и обстоятельств, которые в его тонких и светлых акварелях, в точном рисунке графических листов представали в новом для зрителя качестве.
Это ощущение, не побоимся пафоса, было дано свыше. С самого начала ничто, в общем-то, не способствовало выбору творческой профессии. Чрезвычайно скудное детство в многодетной семье, война. Кушнарёв прошёл всю Отечественную в западной части страны, после Великой Победы дослуживал в Манчжурии и на Сахалине, демобилизовался в 1948 году, когда уже многие определились в мирной жизни. Ему, почти тридцатилетнему, надо было начинать заново, и он …идёт в художественное училище, подчинив свою дальнейшую жизнь исключительно изобразительному искусству.
Первая мастерская в Доме художника была общей. Индивидуальная появилась много позже в 1970-е, когда он уже был участником всех зональных выставок «Дальний Восток». На его столе всегда краски, этюд — только что вернулся из творческой поездки… К слову, поездки были для художника, не получившего в силу сложившихся обстоятельств (возраст, необходимость содержать семью) высшего образования, возможностью творческого поиска, расширения горизонтов, эксперимента с новой натурой. Кушнарёв ездил сам, с группой акварелистов, был в заездах на Челюскинской даче. География — Байкал, Прибалтика, конечно, Приморье. Критически относящийся к себе, он всегда восхищался тем, как много работают художники Москвы, Ленинграда. Он очень любил русское реалистическое искусство, следовал традициям русской школы. Общение в процессе творческих поездок с художниками других регионов помогало Тимофею Кушнарёву точнее увидеть и оценить то, что делает сам. И от этого рождалось стремление пробовать новое.
В одном из интервью местной прессе в 1970-х Тимофей Кушнарёв говорил: «Себя нужно искать. Искать в любом материале. Работал маслом, акварелью, этим не ограничился. Перешёл к офорту, эстампу, гравюре». Сотни графических листов, выполненных в разных техниках, — свидетельство этих поисков. В своей книге «Художники Приморья» Виталий Кандыба пишет: «В 1960-е графика оформилась как вполне самостоятельная область искусства Приморья. Качественно новый этап начался с появления и развития всех видов эстампа». И называет одного из состоявшихся мастеров линогравюры и офорта Т. Кушнарёва.
Он не был громким, многословным. Пристально рассматривая в лупу офорты Рембрандта, рисунки К. Кольвиц, изучал мельчайшие детали работ. Его профессиональная грамотность вызывала уважение. По–военному дисциплинированный, в душе он оставался большим поэтом, тонким лириком, высказывание которого звучало в акварелях. Даже индустриальные пейзажи (серия «Шахты Караганды») окрашены этим лирическим звучанием.
Отдельной темой в творчестве был город. Владивосток, ставший для родившегося в Амурской области художника родным, предстаёт в его работах многоликим и удивительно красивым. Яхты, Спортивная гавань, парк Минного городка, улицы, пирсы и доки, корабли и причалы, гроза над заливом, влажное утро и одинокий мальчишка, мечтающий на набережной о будущей профессии — в работах Тимофея Кушнарёва есть всё, что позволяет создать настоящую художественную поэму о городе.
Художника нет с нами. Но начатая им линия продолжается: его дочь Людмила Убираева — участница многих выставок в Приморье и за рубежом, член международной ассоциации «Цветы мира». В отличие от отца, она о выборе профессии не задумывалась. Это было само собой разумеющимся обстоятельством. С первых лет жизни она наблюдала за тем, как работает Тимофей Кушнарёв. Вот уже более 30 лет и сама преподаёт во Владивостокском художественном училище, воспитывая новых художников. Вместе с ней подготовлена представленная выставка. Она состоит из двух частей: в первую вошли линогравюры, рисунки и акварели, посвящённые Владивостоку. Во вторую часть — акварели с пейзажами Приморского края.
Куратор выставки Ольга Зотова,
Доцент кафедры Издательского дела и полиграфии ДВФУ,
кандидат искусствоведения,
член Союза художников России
Теги: акварель, Арт Владивосток, Владивосток, графика, Зотова, Кушнарёв, линогравюра, морской пейзаж, офорт, пейзаж
Рубрика: Персональные выставки |
Нет комментариев
Дата публикации:
Тамара Куликова. «Создание фактур и «сохранение белого» в акварели»
Впервые статья опубликована на hiero.ru
Для начала — предупреждение: никаких открытий я не делаю и новых результатов не докладываю, описываю и показываю известные приемы и небольшие вариации на их тему. С криками «да нам это еще на первом курсе» просьба сразу идти в сад. Практика показывает, что всегда есть кто-то, кому именно эти приемы неизвестны.
Сначала давайте поговорим о бумаге, но только очень коротко, потому что на эту тему есть тонны рассуждений. Бумага для акварели годится не всякая. Конечно, ничто не может вам помешать рисовать акварелью на тетрадных листочках, газетах, картоне и прочих необычных поверхностях, но при этом нельзя ждать предсказуемых результатов, так что их я демонстрировать не буду. Могу показать рисование на папиросной бумаге, но как-нибудь в другой раз и только если будет интерес.
Так что бумагу берем «для акварели» (watercolour paper). Бумага для акварели делится по методу изготовления, гладкости поверхности, весу бумаги, цвету, способу «расфасовки», по цене, наконец. Для меня лично наиболее важная характеристики это вес (плотность) и расфасовка. В последующих примерах вес бумаги — 300 г/кв.м.; чем больше эта цифра, тем бумага толще и плотнее. Я всегда беру «тяжелую» бумагу; и предпочитаю блоки всем остальным видам расфасовки. Что такое блок? Это стопка листов, проклеенные по всем четырем сторонам; только в одном месте оставлен непроклеенный участок, чтобы можно было лист с блока снять по окончании работы.
Почему плотная бумага и почему блок? Потому, что это позволяет обходиться без ненавистной «растяжки» бумаги, которой не избежать, если бумага тонкая, а то она непременно начнет идти волнами и коробиться. Растяжку я показывать не буду, но поверьте мне на слово — это долго и муторно, и в результате так трясешься над своим наконец-то растянутым листом, что уже и рисовать-то ничего не хочется. Так что случай «рассыпной» бумаги давайте не будем рассматривать.
Если, как в данном случае, на руках по недоразумению оказался не блок, а альбом — не надо отчаиваться, все можно поправить, если закрепить бумагу со всех непроклеенных сторон скрепками типа «бульдог» или, если нет такого в хозяйстве — то чистыми (!) бельевыми прищепками. Понятное дело, что при этом полоска бумаги по краю пропадает, но примерно та же полоска все равно уйдет под паспарту если вдруг удастся создать шедевр. Один совет — если действительно берете прищепки, следите за наклоном листа, техника мокрая, весь шедевр может попытаться утечь в океан. Пара толстых журналов под углы решит проблему.
На чем рисовать взяли, теперь надо найти чем. Пусть это будут кисточки. Вообще, можно обойтись и без них — рисовать можно пальцами, спичками, губками, кредитными и дебитными карточками (см ниже), но все-таки кисточки нам привычнее. Кисточки, как видите, можно использовать разные по размеру и форме. Для меня самые рабочие кисти — большие и плоские. Самая-самая большая кисть на фотографии — в основном для воды и создания фона, но есть мастера, которые рисуют только такими кистями, не размениваясь по мелочам. Единственное, пожалуй, требование к акварельным кистям — они не должны быть жесткими, бумагу довольно легко повредить, а повреждения трудно обыграть в рисунке — в поврежденные участи начинает неравномерно впитываться краска.
На картинке показан неполный набор предметов, который будет использован — кисти, краски, прихваченная бульдогами бумага, соль, тонкая «пищевая» пленка (стреч-пленка), пластиковая карточка для второй демонстрации. Вода не показана, но она нужна, и менять ее надо часто.
Фактуры с солью и пищевой пленкой
Создание ровного плоского фона в акварели — не проблема, поэтому я показывать не буду, — увлажняете бумагу, разводите краску; разведенной краской, используя большую кисть, быстро-быстро все закрашиваете и идете пить чай. Оно само все равномерно расползется и высохнет ровненьким слоем.
Гораздо интереснее сделать фактуру, чем мы и займемся. Фактуры будем делать две — с солью и с пленкой. Дешево, сердито, дальше кухни ходить не надо.
Краску разводим довольно густо — большинство акварелей очень бледнеет при высыхании, кроме того, по мокрому краска неизбежно разойдется. Если сразу взять краску «в самый раз», такую, какой она по задумке должна быть в конце работы, результат очень разочарует. Пробуем на отдельном листочке бумаги — видите, какой цвет? Не забудьте сравнить с конечным результатом.
Рисуем на влажном листе альбома панорамного формата три квадратика. На заметку: Разной плотности мазки делаются краской разной густоты, а не повторным мазюканьем кисточкой с одной и той же краской — очевидная вещь, но большинство начинающих на ней ловится. Более темные мазки сделаны еще более концентрированной краской, чем показано на предыдущем рисунке.
Теперь быстро, пока все это не просохло, сыплем соль на средний квадратик и кладем творчески помятую пленку на правый.
Левый оставляем для контроля. На заметку: соль сыплем очень аккуратно, мало и из щепоти, не из солонки и не из ложки с горкой. Вот как должно это выглядеть:
Идем по своим делам — все это должно подсохнуть. Ускорить процесс можно феном, но с другой стороны — куда нам торопиться? Да и соль запросто можно сдуть феном. Сохнет это все довольно долго, особенно тот квадратик, что под пленкой — пару часов. Через пару часов сдуваем соль, снимаем пленку и любуемся полученным абстрактом.
Получаемая с помощью пленки фактура сильно зависит от бумаги. Например, в данном случае бумага была с шероховатой поверхностью, и с покрытием, так что фактура хоть и видна, но не очень выраженная. Сравните с результатами того же метода на гладкой, хорошо впитывающей краску бумаге («Arches Hot Press»): http://hiero.ru/2068549.
Следующие две последовательности показывают два способа сохранить и обыграть в картинке исходную белизну бумаги — задача не очень тривиальная в мокрой акварели. Конечно, белый можно нанести поверху — сначала нарисовать картинку, а потом пройтись по ней белой гуашью или акрилом — но гуашь обычно не дает нужной белизны, а акрил часто «кричит» на акварельном фоне.
Рисование пластиковой карточкой
Задача — добраться сквозь мокрую еще краску до белой бумаги. То есть убиваем сразу двух зайцев — рисуем «мокрым по мокрому», быстыми мазками, и одновременно создаем островки нетронутой бумаги. Понятно, что можно это сделать, кладя краску на сухую поверхность и тщательно обходя те участки, которые должны остаться белыми — прием красивый в исполнении опытного человека, но довольно трудоемкий и не «мокрый».
Увлажняем бумагу. Разводим несколько красок (тут их две, какой-то голубой и умбра). Конечная цель этого маленького примера, достаточно произвольно выбранная — изобразить деревья. (карточкой можно нарисовать белый линейный рисунок, если рисовать углом — наш случай; карточкой, положенной на ребро, можно рисовать довольно убедительные камни ). Тычем кисточкой с умброй примено туда, где крона, с голубым — где небо, со смесью — где трава… в общем, получаются немерянной красоты разводы.
Теперь берем карточку, и, держа ее углом и под некоторым наклоном к бумаге, быстро, уверенно, с хорошим нажимом проводим несколько линий, стремясь к чему-то древовидному по форме (фотографию помог сделать сын, так что качество еще то, но принцип виден).
Получаем вот что:
По-моему, хорошо.
Использование masking fluid
Мои поиски в гугле ничего не дали и я так и не знаю, как это правильно назвать по-русски — но пусть будет «маскирующая жидкость». Это что-то вроде жидкой резины — в баночке это жидкость, довольно тягучая, которая на воздухе высыхает и становится похожа на высохший клей «момент». На картинке видна баночка. Особо интересующиеся могут даже узнать, сколько она здесь стоит.
Принцип действия очень прост — мы надежно закрываем те участки бумаги, которые должны остаться белыми и свободно работаем с остальной поверхностью.
Еще я тут буду использовать акварельные карандаши, которые тоже есть на фотографии. Почему акварельные — просто потому, что мне не нравится, как сквозь краску просвечивает рисунок простым карандашом на финальной картинке. Рисунок же акварельным карандашом частично растворяется в процессе рисования, и при этом дает немного своего цвета в картинку.
Сюжет у нас будет флоральный для простоты. Берем цветочек
и делаем линейный рисунок акварельным карандашом:
Теперь жидкость немного разводим водой. Я это делаю только потому,что masking fluid от Windsor&Newton довольно густая и ей трудно проводить тонкие линии; некоторые из этих жидкостей не требуют разбавления, устанавливается надо разводить или нет исключительно экспериментально. Берем старую кисточку, которую не жалко (!) и несколько спичек. Бысто закрашиваем весь цветок, «вытягивая» тонкие линии из прудиков с жидкостью спичками, по мере надобности. Если ненароком капнули на бумагу вне рисунка — не беда, это все можно снять, но ПОТОМ! Не паниковать и стирать пока жидкость еще не высохла, не пытаться. Получаем вот что (капля для демонстрации того, что не надо паники):
Моем кисточку (иначе придется выбрасывать по кисточке за прием, даже старых-ненужных столько не напасешься). Уходим по своим делам, надолго (на час как минимум). Все это подсыхает, перестает мокро отблескивать — пора приступать к следующему этапу, но сначала снимаем лишнюю каплю (как снимать — показано ниже).
Теперь щедро мочим бумагу водой, разводим краску и смело рисуем ей прямо поверх нашего цветочка:
Можно остановить подготовку фона на этом этапе, но мне уж очень понравилось, как эта бумага берет соль, так что сыплем соль.
Идем по своим делам. Возвращаемся, убеждаемся, что все высохло, стряхиваем соль. Дальше собственно снятие маски — маску можно снимать чистым ластиком (стирать, как стирается карандаш) или прямо чистым пальцем. Когда маска начинает отставать от бумаги одним кусочком ее можно захватить пальцами и стянуть, только осторожно, не повредите поверхность бумаги.
После снятия маски остается белый силуэт цветка на нашем замечательном соленом фоне. В данном случае все, что мне осталось сделать — подтемнить некоторые области очень сильно разбавленной краской, заодно растворяя и частично смывая рисунок акварельными карандашами. Кроме того, если в процессе нанесения маски местами у цветка получился очень неровный контур, самое время его поправить.
That’s all folks :)
Статья размещена с согласия автора
Куликова Тамара: tamara 
hiero.ru
Страница автора: hiero.ru/Kulikova
Теги: акварель, Арт Владивосток, графика, Куликова, рисунок, статья
Рубрика: Обучающие статьи |
Нет комментариев
Дата публикации:
Владимир Чурсин. «Акварель и свечка. Акварель светоотражающими красками»
Акварель и свечка
Это специальная техника рисования, общая идея которой описывается в литературе по технике живописи. Все достаточно просто, но некоторые приемы приходится отрабатывать в процессе рисования.
Главная идея — лист бумаги протирается чем-то водоотталкивающим (воск, парафин). Я использовал кусочек парафиновой свечи. Протереть можно плашмя или ребром — будет разный видимый результат. Затем наносится слой краски. Такое чередование можно повторять несколько раз. Самое главное — при такой технике можно наносить гораздо больше слоев краски, чем при чистой акварели, а значит, можно точнее проработать форму предмета.
Бумагу можно использовать самую разную, мне больше нравится с неглубоким, хаотичным тиснением (что-то вроде «яичной скорлупы»). Но можно рисовать даже на обычном ватмане. Его, также как и акварельную бумагу, нужно смочить водой и натянуть на планшет, дать высохнуть, а после этого уже можно начинать рисовать.
От того, какой рельеф имеется на поверхности бумаги, будет зависеть и конечный продукт вашего творчества. Парафин остается на выпуклых частях этого рельефа и пятнышки, которые не будет закрашивать краска могут быть совершенно разными.
Иллюстрацией к технике рисования акварелью и свечкой может служить натюрморт «Ледяные фигуры»:
Акварель светоотражающими красками
В магазинах художественных принадлежностей вы можете купить акварельные краски со светоотражающими пигментами. Они могут называться «серебро», «золото» и «медь» и иметь цвет, соответственно, белый, желтый и кирпично-красный. Как же нарисовать картину такими красками?
Первым делом нарисуем изображение обычной акварелью. На этом этапе мы определим светлые и темные части изображения. Картина должна быть полностью законченной (фотография картины «Гвоздики», 37×37 см, сделана при боковом освещении):
Далее работаем светоотражающими красками. Прежде всего определяем места, где должны быть проложены светоотражающие краски. Теневые места картины оставляем нетронутыми, а вот места, куда падает свет от мнимого источника света в картине начинаем закрашивать. Используем наиболее подходящий по цвету пигмент: белый (серебро), желтый (золото), кирпично-красный (медь).
Планшет с готовой акварелью нужно расположить так, чтобы свет от источника отражался от бумаги. После первых мазков такой краской уточняем свое положение относительно планшета, чтобы лучше видеть результаты своей работы.
Работать нужно аккуратно, чтобы не потревожить нижние слои краски. Для облегчения задачи можно попробовать с самого начала протереть лист бумаги парафином (что и было сделано в этой работе).
Светоотражающие краски можно накладывать более или менее разведенными, таким образом получая разную степень отражения света. Все время смотрим на акварель в отраженном свете и определяем места, где должны быть проложены эти краски. Места бликов — прокладываем гуще, большие освещенные поверхности — менее интенсивно.
В классической акварели, грубо говоря, мы оставляем белое незакрашенным, а закрываем краской более темные места. А в этом случае — задача обратная: нужно прорисовать световыми красками как раз места освещенные.
На этой фотографии акварельной картины вы можете видеть результат такой работы (фотография картины в отраженном свете):
Когда все закончено, акварель обычно оформляют под стекло. Но в данном случае нужно учесть, что обычное стекло будет отражать источник света и увидеть картину во всей ее красе будет сложно.
Для оформления таких акварелей нужно использовать специальное безбликовое стекло, которое очень слабо отражает свет, падающий на картину.
И последнее, когда вы повесили картину на место, хорошо будет, если вы предусмотрите специальный направленный источник света (либо можно взять на время просмотра и обычную настольную лампу), который должен быть размещен так, чтобы зритель мог любоваться вашей картиной в отраженном свете.
Статья размещена с согласия автора
Владимир Чурсин: box artslider.com
Страница автора: www.artslider.com
Теги: акварель, Арт Владивосток, графика, статья, Чурсин
Рубрика: Обучающие статьи |
1 комментарий
Дата публикации:
«Графика Владивостока. Часть 2». Выставочный зал Приморского отделения Союза художников, Владивосток, 2010
10 декабря в залах Приморского Союза художников открылась коллективная выставка графики, в которой около 40 Владивостокских художников представили более 100 работ. Благодаря поддержке галереи www.artvladivostok.ru выставка, изменив офф-лайн формат, продолжает собирать зрителей (теперь уже не в залах Дома художника на ул. Алеутской, 14 а, а у экранов ПК), соответственно, вызывает отклики и мнения и даёт повод поговорить о некоторых тенденциях.
В тексте, сопровождающем первую часть графических листов на странице галереи, уже говорилось кратко о техниках, которыми владеют Владивостокские художники (рисунок карандашом, тушью, сангиной; акварель, пастель, гуашь; печатная графика — литография, линогравюра, офорт, ксилография; работы в смешанной технике и технике граттажа), и истории развития этой области искусства в Приморском крае.
Попытаемся рассмотреть подробнее некоторые тенденции. Для начала хочется сказать о том, что подобная коллективная, довольно многочисленная для творческой организации, насчитывающей около 120 членов, выставка графики — явление редкое. При том, что персональные выставки графических работ в галереях Владивостока, Артема, Находки (только 2010-й год подарил зрителям графику Д. Кудрявцева, В. Ненаживина, художников группы «Владивосток», А. Заугольнова, В. Олейникова, Е. и О. Осиповых, Е. Кравцовой), как и участие в российских и зарубежных графических биеннале и фестивалях приморских художников, время от времени, происходят. И казалось бы, волноваться по поводу жизнеспособности этой области искусства во Владивостоке не следует. Однако, в общих коллективных выставках раздел графики, многочисленный и разнообразный в советские годы, катастрофически мал.
С одной стороны, изначально графика считалась делом прикладным, подготовительным, уступающим место живописи, в том числе и на выставках и художественных показах. Ещё великий Да Винчи в своё время среди всех искусств, да что там, среди всех человеческих дел, поставил живопись на первое место, назвав живописца «Властелином всякого рода людей и всех вещей». И сегодня кураторы выставок и галеристы к графике относятся, мягко говоря, спокойно.
С другой стороны графические искусство по разнообразию техник (и в оригинальной, и в печатной графике) даёт практически неограниченные возможности художнику для выражения творческого замысла. Ёмкость образа в лаконичных, сделанных единым движением рисунках подчас оказывается большей, нежели живописно созданная пространственная иллюзия мира. Не случайно, не смотря на неласковое отношение нынешней публики к графическому искусству, у него есть беззаветно преданные служители, художники, не отказывающиеся от строгих линий и листа бумаги.
Приморское графическое искусство сформировалось в 1960-е. Хотя, если быть точным, то знаменитое объединение футуристов «Зеленая кошка» (сформировалось в г. Хабаровск в 1920-е), художники которой Ж. Плассе, П. Любарский, В. Пальмов работали и во Владивостоке, ввели молодое приморское искусство в общий контекст отечественного авангарда. Тетрадь офортов «Зеленой кошки» — редкий по изысканности и стилистическому звучанию графический материал.
1960-е же становятся точкой отсчета разнообразия техник: эстамп, линогравюра, офорт, акварель, ксилография появляются на краевых и зональных выставках. Темы этого периода — приморский пейзаж, рыбацкая тема, виды города, история страны. Они отчётливо звучат в нынешней выставке, давая примеры классической школы и мастерства К. Шебеко, Т. Кушнарёва, И. Кузнецова, В. Чеботарёва, В. Олейникова.
О Заслуженном работнике культуры РФ В. Чеботарёве следует сказать отдельные слова. Его искусство называют крупным художественным явлением в истории изобразительного искусства Приморья и всей России. На выставке представлены камерные по размеру пейзажные акварели, по которым судить о богатом и многогранном наследии мастера невозможно. Но именно с Чеботарёвым связана вся приморская графика (в том числе книжная иллюстрация). Выпускник графического факультета Ленинградского института живописи скульптуры и архитектуры им. И. Е. Репина приехал во Владивосток в 1960-м году и сразу же начал преподавать в Владивостокском художественном училище и участвовать в выставках самых серьёзных уровней — в Москве и за рубежом как единственный в то время график от Приморского края. С его именем связан подъём графики на высокий профессиональный уровень, без В. Чеботарева в училище не было бы графической мастерской: всем техникам, в которых художник работал сам, он учил студентов, делясь своими опытом и знаниями. В течение довольно короткого периода, от 1960-х до начала 1980-х, буквально за десятилетие формируются разнообразные направления графического искусства: оригинальная графика (акварель, пастель, рисунок любым материалом), виды печатной графики, книжная иллюстрация, плакат, сатирическая графика (шаржи, карикатура).
В 1990-х проявляется тяготение художников к поиску формы, цветовых сочетаний, дающих серии работ, близких к абстракции. Происходит отказ от печатной графики в пользу оригинальных работ. Техники, в которых работают Е. Макеев, В. Шапранов, И. Зинатулин, Л. Зинатулина, Е. Никитина, близки к живописи: гуашь, смешанная техника с использованием акрила. Тяготение к масштабным сериям отражает экспериментальный подход. К слову, в этих экспериментах утверждаются как графические техники те, что традиционно считаются живописными: гуашь, масло, смешанная техника начинают использоваться все более активно. И скепсис сформированных в классических традициях мастеров не разделяют даже устроители биеннале графики, принимающие работы маслом на бумаге к участию в конкурсе. Кроме того, в художественных акциях начинают принимать участие молодые художники, чьё видение формируется под влиянием современной визуальной культуры и новых технологических возможностей времени.
Налицо явное противоречие: графики становится меньше, но именно этот вид искусства даёт побудительный мотив организаторам престижной сегодня Международной биеннале графики (Санкт-Петербург), которая проводится с 2002 года Фондом «Современная графика» при поддержке Комитета по культуре Правительства Санкт-Петербурга и при участии Международного фонда поддержки культуры «Мастер-Класс». Её задача -показать полную картину происходящего в современной графике, показать тенденции развития различных школ и направлений. Биеннале в Санкт-Петербурге, вдохновителем и главным организатором которой является наш земляк художник с мировым именем Олег Яхнин, вызывает огромный интерес со стороны общественности и профессиональных деятелей.
Не меньшую активность проявили и дальневосточники, выступив в 2007 году инициаторами биеннале графики «Серебряная волна» (г. Комсомольске-на-Амуре). И снова огромный интерес со стороны участников, зрителей, музейщиков. К слову, разделы конкурсов — оригинальная графика, традиционная печатная графика и новые печатные технологии — дали возможность художникам продемонстрировать самые смелые эксперименты.
В этой ситуации выставка «Графика Владивостока» — кураторский отклик на ситуацию, позволяющий исследовать предмет в историческом развитии (хронологический диапазон выставки довольно широк: представленные работы датированы от 1970-х до 2010-го) и удержаться от грустных выводов, поскольку в выставке участвовали интересными работами совсем молодые художники (К. Лукьянчук, иллюстрации к книге «Алиса в стране чудес», В. Косенко, акварель). Кроме того (хочется надеяться) выставка будет началом целой серии графических проектов, которые обещает поддержать нынешнее руководство Приморской организации СХР.
Куратор выставки — О. И. Зотова, кандидат искусствоведения,
доцент кафедры издательского дела и полиграфии
Института массовых коммуникаций ДВФУ
Теги: акварель, Аксёнов, Арсененко, Арт Владивосток, Владивосток, граттаж, графика, Дёмина, Заугольнов, Зинатулин, Зинатулина, Зотова, Ионченков, Козьмина, Копылова, Косенко, Кротов, Кудрявцев, линогравюра, Лукьянчук, Макеев, морской пейзаж, натюрморт, Ненаживин, пейзаж, ПО СХР, Позигун, портрет, Холмогорова, Шапранов
Рубрика: Коллективные выставки |
1 комментарий
Дата публикации:
Василий Свиридов (1920 — 1967). «Акварели»
Художник Василий Максимович Свиридов родился 31 декабря 1920 года в городе Владивостоке. Выпускник Владивостокского художественного училища, Член Союза художников. Прожил недолгую, но яркую жизнь. За короткий творческий период он создал оригинальные, талантливые произведения, около 60-ти акварелей и монотипий. Василий Максимович был участником 1 и 2 зональных выставок «Советский Дальний Восток». В 1965 году его работы были представлены в Москве на 1 всесоюзной выставке акварелей, где были приобретены 6 его работ. В 1967 году Свиридова Василия Максимовича не стало.
Антонина Свиридова
Серия пейзажей Василия Свиридова сначала показалась печальной, даже трагичной. Но это было связано не с работами, а с тем, что автора уже нет с нами. А на самих этюдах тёмная цветовая гамма, порой сдержанность в цвете придают цельность и неподдельную честность. Природа бывает и такой: с неброской красотой в духе Саврасова, с последождевой свежестью, с красивым серым небом. Художник смог передать холодный воздух осени, щемящую нехватку солнца и света, предчувствие зимы. Очаровывает воздушность работ и их прочувствованность. Если это атмосфера осени, то она во всём, она поглощает всё. Деревья теряют свой цвет, и замедляется время.
Ангелина Селиверстова
Теги: акварель, Арт Владивосток, Владивосток, графика, живопись, морской пейзаж, пейзаж, Свиридов, Селиверстова
Рубрика: Персональные выставки |
Нет комментариев
Дата публикации:
Джон Кудрявцев. «Личные технологии, как философия и пластическая попытка создания образа и как путь к решению задачи, главной для художника»
В этом блоке графики представлены пять авторских техник, придуманных мной из чувства противоречия и от большой любви к графике как таковой. Мысль о том, что графика более древний инструмент изобразительного искусства, чем другие пластические языки мне кажется бесспорной, по крайней мере, для меня. Исходя из этой личной формулы, я пытаюсь хотя бы так остаться самим собой, имея ввиду, что художник это всегда отдельный мир.
Внимание к художнику и уж тем более отклик на его труд, по сути, важнейшая сторона его творчества, потому как зритель, несомненно, его соавтор. Спасибо!
