Владивосток удивительный и уникальный город, второго такого нет в России. Его задворки, забардаченные пространства между домами, высокие виды из окон квартир на высоких последних этажах, конечно, интересней центральных улиц, туристических маршрутов. В эти квартиры вас никогда не пустят, дворы тоже запрятаны в ткани города, иногда, и для нас, жителей города. Так, наверное, во всех городах, этим они и заманивают туристов и не отпускают аборигенов. В работах Евгении и Оксаны Осиповых Владивосток приоткрывается, через них можно почувствовать его атмосферу, вспомнить, узнать что-то знакомое, или соблазниться, захотеть увидеть его наяву.
Координаторы проекта «Арт Владивосток»
P.S. Информацию о Евгении и Оксане Осиповых, а так же другие их работы вы можете посмотреть в галерее «Арт Владивосток» в разделах «графика», «живопись».
На выставке творческого объединения уссурийских художников «Круг» представлены живописные и графические работы девяти авторов. Александр Ткаченко, Владимир Серов, Ольга Никитчик, Иван Никитчик, Евгений Ткаченко и Сергей Горбач с 2000 года являются членами «Круга», а Юрий Галютин, Михаил Соболевский и Алла Гринченко — довольно частые приглашенные участники совместных выставок этого художественного содружества. «Круг» действительно можно назвать именно творческим содружеством, художников связывает не только профессия и общее место жительства, не только многолетняя, активная и выходящая далеко за пределы Уссурийска, Приморья и вообще России выставочная деятельность, но и подлинная человеческая дружба, где личные отношения тесно переплетены с творческими устремлениями.
Собственно говоря, корни этого содружества уходят еще в шестидесятые годы прошлого века, когда в городе начали активно работать молодые, талантливые живописцы Ким Коваль, Александр Ткаченко, Владимир Серов, Александр Усенко, уехавший впоследствии на запад страны. И тут нужно сразу же сказать, что сама личность Кима Коваля, его творческая энергия, природный дар истинного живописца, наконец, воля лидера и организатора сыграли в художественной жизни города роль магнита, который сконцентрировал эту жизнь и придал ей самостоятельные черты. Так уссурийские художники во второй половине прошлого века стали заметным явлением не только в Приморье, но и на всем Дальнем Востоке, об Уссурийской школе живописи заговорили на российских и всесоюзных выставочных площадках. А в 1992 году возникла Уссурийская организация Союза художников России, первым председателем которой стал Ким Коваль. И уже в новом веке, во многом по инициативе Ольги Никитчик, дочери Коваля, появилось объединение «Круг».
Что же касается собственно художественного своеобразия Уссурийской школы, то в среде искусствоведов утвердилось мнение, что ее отличает особо акцентированная декоративность, упор на эстетическую и эмоциональную силу цветового пятна, оформленного графически. Безусловно, декоративность как общая, объединяющая примета стиля присуща Уссурийской школе и художникам «Круга» в том числе. Но ограничиться только этой характеристикой, говоря о выставке в галерее PORTMAY, совершенно невозможно.
И здесь нужно вспомнить о Шикотанской группе художников, о шикотанском стиле живописи, который оказал самое плодотворное воздействие на уссурийцев. Они и сами бывали и работали на Шикотане, а в восьмидесятых годах неоднократно совершали творческие экспедиции на Камчатку, поэтому камчатский след в их искусстве заметен и на этой выставке. И второй важный момент — это поездки художников на творческие дачи в западную часть Росси, в частности на Академическую дачу в Тверской области. Здесь на художественное мировоззрение, на живописную манеру дальневосточников влияло многое — и сама природа центральной и северной России, и общение со знаменитыми советскими мастерами, и творческая работа бок о бок с художниками со всей страны.
В произведениях Александра Ткаченко, патриарха Уссурийской школы, может быть, наиболее зримо проявляются ее живописные особенности. С одной стороны, это работы этюдного характера, где словно оживает сама атмосфера традиционного русского пейзажа, например, такие как «Дубнячок» и «Зима», с мягкой живописной фактурой, с тонким и нежным сочетанием белых тонов снега и охристых необлетевшей листвы. А с другой стороны, на выставке представлены «Горы в Анисимовке» и картины, написанные на камчатские мотивы, где дальневосточный ландшафт предстает во всей своей природной мощи, а композиция, вмещая целые горные хребты, вместе с тем полна простора и воздуха.
Творчество Владимира Серова, весьма тонкого колориста и одного из ведущих художников Шикотанской группы, привнесло в Уссурийскую школу сам дух раскрепощенной живописи, родившейся посреди Тихого океана. Такие его работы как «Первый день осени», «Штормовое небо», «Бухта Отрадная» и другие — искреннее, темпераментное и художественно выразительное воплощение личного опыта. Курильские заливы и бухты, сопки и скалы, уходящие и приходящие суда, увидены и запечатлены художником словно с высоты птичьего полета. Взгляд сверху, парение, вообще отличает стиль шикотанцев, а у Серова эта картография с небес еще и инкрустирована изысканным желто-зелено-синим цветом, как это замечательно видно в работе «Шикотанские горы».
Интересно взаимодействуют две отмеченных традиции — русская и дальневосточная — в работах Ивана Никитчика. Его этюды, написанные на Академической даче, в Приморье и на Камчатке, обладая общей узнаваемой манерой письма, вместе с тем каждый раз отмечены стилистическим своеобразием. В «академических» работах европейская Россия узнается даже не по грустным скамейкам у реки, стожкам, полям и перелескам, а по приглушенному сизому свету, столь характерному для тамошних мест и удачно схваченному автором. А вот в «Осени приморской» царит совсем другой колорит и настроение — уссурийский лес, написанный сочной, фактурной кистью, весь шумит от сгорающей листвы и сверкает кусками неба между стволами деревьев. Но выверенной точности композиции, особой вещественности и убедительности цвета автор достигает в камчатских работах, их не спутать с другими — в них океан севера, берег севера, скалы севера и люди севера.
Картины Юрия Галютина «Камчатка. Восточный хребет» и «Поселок у моря» очень характерны для приморского искусства второй половины прошлого века. В них особый масштаб видения, когда пространство даже небольшой работы может быть раздвинуто до бесконечности. А живопись — крупная, предметная, цельная, создает впечатление, что, например, дом, стоящий у кромки прибоя, так намертво вписан в берег, море и небо, будто все изначально и было создано природой именно таким образом.
Ольга Никитчик с детских лет, проведенных вместе с отцом на этюдах, стремилась найти свой стиль, отличный от живописи Коваля. Вполне понятная тяга к творческой самостоятельности. Но она в полной мере унаследовала его страсть к художественному поиску. И если окинуть работы Ольги на выставке «Круга» одним взглядом, то возникает ощущение, что перед нами произведения разных художников. Вот работа 1982 года «Автопортрет на Шикотане», которая вполне может служить образцом шикотанской живописи: строгая композиция рыбацкого островного берега с причалами, сопками, судами, в центре которой портрет девушки в одежде рыбообработчицы. Живопись сильная, с уверенной лепкой, белоснежный платок и халат девушки сияют, щеки горят, пафос жизнеутверждающий. Понятно, что помимо чувства свободы и ошеломительной красоты островов тянуло на Курилы художников.
А вот картина 1988 года «Дождливое лето» уже мягче и тоньше по манере письма, по колориту, выдержанному в темно-серых приглушенных тонах. Этот натюрморт в морском пейзаже — корзина гребешка на столе, стоящем на пасмурном берегу, оставляет ощущение именно приморского моросящего лета с его тусклым серебром воздуха и моря. И, наконец, ее работы двухтысячных годов — это то яркая и контрастная, то в светлых пастельных тонах палитра и повествовательность сюжетов. Жизнь ее лирических героинь, изображенных в декоративном обрамлении, своего рода ажурной рамке в русском дальневосточном стиле, где есть место и пейзажу, и сказочным растениям и птицам, и эротическому интерьеру, — это живописные, символические по духу поэмы, выдержанные в подчеркнуто национальном духе.
Так что декоративность, а в последнее время еще и символическая окраска темы действительно стали неотъемлемыми чертами Уссурийской школы, что хорошо заметно у Михаила Соболевского. Такие его работы как «Город», «Первый снег», триптих «Плавные ритмы» — графичны по композиции и структуре, декоративны по использованию цвета и символичны по содержанию. Наиболее выразительно все эти качества сочетаются, пожалуй, в картине «Шахматы», где на шахматной доске разыгрывается загадочное действие — тревожное и притягивающее одновременно. Ну а чистая декоративность, ярмарка цвета хороводят в натюрмортах Аллы Гринченко — праздничных, горящих как русские платки. И даже психологичный, внутренне драматичный портрет Людмилы Морозовой отличает использование активного цвета и фактурного пятна.
Евгений Ткаченко с одной стороны, плоть от плоти Уссурийской школы, с другой — один из заметных художников владивостокского молодого авангарда конца прошлого века. В его живописи нередко разворачиваются эксцентричные сюжеты, приправленные то острой иронией, то не менее острой эротикой. Показательна в этом смысле картина «Бессонница», где в обстановке мастерской происходит одновременная работа персонажей по части живописи и по линии секса. И вместе с тем его натюрморты с определенным набором рюмок, шахмат, песочных часов, игральных карт и костей, наряду с сильным эстетическим впечатлением от красивой по цвету и фактуре живописи, оставляют ощущение напряженной философской мысли. Автор говорит об экзистенциональном одиночестве человеческого существования, используя при этом всего лишь локальный, как правило, цвет, скудный перечень символичных предметов и тяготеющую к чистой геометрии композицию.
Сергей Горбач, искусный график, обладающий редчайшим в наши времена даром точного, тонкого и эстетического выразительного сюжетного рисунка, представляет отдельное и оригинальное направление в общем творчестве «Круга». Рисунки автора — это таежные пейзажи Приморья, уголки Уссурийска, портреты бабочек, растений и трав, увиденные настолько подробно, с таким количеством увлекательных деталей, что простому человеку подобное зрение просто не доступно. Художник принадлежит к той уникальной породе рисовальщиков, которые веками запечатлевали для человечества все разнообразие мира еще до появления фотоаппарата. Глядя на рисунки Горбача, вдруг начинаешь сожалеть, что он не родился в те времена, когда В.К. Арсеньев совершал свои путешествия по Уссурийскому краю, чтобы вместе с карандашом и блокнотом быть его спутником, — какие бы иллюстрации к произведениям писателя остались для потомков…
Александр Лобычев
Арт-директор галереи «PORTMAY»
Галерея «PORTMAY». Адрес: Владивосток, ул. Алеутская, 23А.
Телефон: +7 (4232) 302-493, 302-494.
URL: www.portmay.ru
Галерея работает без выходных с 10 до 19. Вход бесплатный.
Приморская государственная картинная галерея представляет персональную выставку живописи Сергея Слепова
Выставочный зал:
г. Владивосток, Партизанский пр-кт, 12
14 января 2010 года Приморская государственная картинная галерея представляет персональную выставку известного художника Сергея Петровича Слепова. В экспозиции — сорок четыре произведения из мастерской мастера.
Сергей Слепов — член Союза художников России. Автор многочисленных живописных композиций, мастер психологического портрета. С 1992 по 2006 год жил в Южно-Сахалинске, в настоящее время работает во Владивостоке.
На выставке экспонируются небольшие по размеру живописные произведения, написанные в жанре портрета и натюрморта на бумаге и холсте. Портреты Слепова отличает оригинальная манера: все свое внимание автор сосредотачивает на человеческой душе, отражением которой является лицо. Зрителя ожидает встреча с огромным разнообразием настроений, характеров, типов и психологических состояний. Отличительными особенностями его работ являются эмоциональное начало и глубина характеров, изысканный колористический строй произведений, эстетически оправданная организованность пространства, выразительный линейный ритм и богатство колорита.
Открытие выставки состоится 14 января в 16.00.
Дополнительную информацию можно найти на сайте www.primgallery.com или в собственной газете «Картинная галерея».
Ольга Калюжная родилась в 1949 году г. Одесса. В 1971 году окончила Одесское художественное училище им. М. Грекова, отделение керамики. С 1971 года живет и работает во Владивостоке. С 1971 по 1977 г. — художник Владивостокского фарфорового завода. С 1980 года — член Союза художников России. В творческой биографии Ольги Калюжной пять персональных выставок, участие в международных проектах и Биеннале, всероссийских, краевых, городских выставках декоративно-прикладного искусства.
Ольга Калюжная
С художником керамики Ольгой Калюжной галерею «Арка» связывают давние добрые отношения, яркие совместные проекты, красивые, стильные и неординарные персональные выставки. В последние дни уходящего 2009-го, юбилейного года для автора, мы рады представить новый проект Ольги Калюжной.
«В творческой логике экспозиции раскрывается важность искусства художницы. Она не пассивно наблюдает мир, а объясняет самой себе сложность и многогранность человеческого бытия, призы-вающего определить для себя нравственные устои, оценить духовное очищение, создать свою картину мира, обозначить темы, способные побудить зрителя к собственным размышлениям.
Неограниченные возможности глины, как материла, и породили свободу творческих поисков, широкий круг идей, стремление на языке пластики выразить и передать суть явлений, философски осмыслить их, донести необыкновенную рукотворность каждой вещи. В русле этих исканий и развивается творчество Ольги Калюжной. Долгие годы работы с керамикой, позволили не только освоить нелёгкий путь приобретения мастерства, но найти и утвердить авторскую индивидуальность. Используя глубинный духовный опыт народа, традиционность техники и фактуры материала, глина в её руках воплощается в нетрадиционные формы, наполняется разнообразными сюжетами и персонажами, от которых одновременно возникают ощущения вневременности и современности.
Представленные на выставке декоративные композиции, пласты, блюда овеяны любовью к окружающему миру, его неповторимой красоте. Диапазон образов, созданных Ольгой Калюжной покоряет жизненностью, неординарностью интерпретации натуры, неповторимостью авторской интонации. В её произведениях органически соединяются конструктивная форма и лаконичный пластический язык, вместе с одухотворённостью образов привносится глубоко личностное восприятие окружающего мира. А оптимизм, которым овеяны работы, это не только плод поэтического взгляда на мир, это результат духовных исканий, размышление о случайности и ценности жизни, добытая жизнью философская позиция умудрённого человека. Ольги Калюжная — художник, который тонко воспринимает мир, но не расплескивает свои эмоции, ничего не навязывает собеседнику-зрителю, а мягко делится с ним своими мыслями и переживаниями, приглашая к размышлению. Здесь ее судьба, ее неистовое творчество.»
Алёна Даценко, искусствовед, главный хранитель
Приморской государственной картинной галереи
Режим работы галереи в новогодние праздники:
31 декабря 2009 г., 1-4 января и 7 января отдыхаем
5 января, 6 января, 8 января и далее, галерея работает по расписанию.
Адрес: ул.Светланская, д.5
Тел.: +7 (4232) 41-05-26, факс: +7 (4232) 32-06-63 www.arkagallery.ru и www.artnet.com/arka.html
Галерея открыта со вторника по субботу с 11:00 до 18:00
Персональная выставка художественной пластики (работы выполнены из поролона)
Артэтаж — музей современного искусства, ДВГТУ
График работы: понедельник-пятница с 10 до 18, суббота-воскресенье с 11 до 17
Адрес: 690950, г. Владивосток, ул. Аксаковская, 12
Телефон: 8 (4232) 60-89-02
Приморская государственная картинная галерея представляет выставку произведений китайских мастеров
Выставочный зал:
г. Владивосток, Партизанский пр-кт, 12
18 декабря в 15.00 Приморская государственная картинная галерея совместно с Владивостокским отделением генерального консульства КНР в г. Хабаровске представляет выставку китайских художников в рамках международного артпроекта «Взгляд с Востока». В экспозицию вошли более ста живописных произведений известных в Поднебесной художников: Хуа Цзянькунь — вице-председателя Союза художников провинции Бэньси, получившего Золотую премию на Всекитайской художественной ярмарке 2007 года; Ян Лидуй — члена Союза художников провинции Чжезян, заместителя директора Галереи Пекинского выставочного комплекса. В течение трех дней они проведут мастер-класс по каллиграфии и «го-хуа», жанру китайского изобразительного искусства, пришедшему из далёких веков, требующему мастерства работы тушью на особой бумаге традиционного изготовления. Работы, созданные на глазах у зрителей, можно будет приобрести в Восточном салоне, презентация которого состоится в этот же день.
На выставке также будут представлены живописные работы других китайских мастеров, изящные вазы, панно, фигурки животных и добрых божков, — предметы декоративно-прикладного искусства, выполненные в самых разнообразных техниках. Наступающий 2010-й по восточному календарю будет годом Тигра, и изображение этого царственного зверя можно будет увидеть как на традиционных свитках, так и в красочных календарях.
Мастер-классы известных китайских художников состоятся 19 и 20 декабря с 12.00 до 16.00.
Дополнительную информацию можно найти на сайте www.primgallery.com или в собственной газете «Картинная галерея».
И все утро яркие и чистые
Буду видеть краски в вышине,
И до полдня будут серебристые
Хризантемы на моем окне. Иван Бунин
Дары, что принесли волхвы, пришедшие вслед за Вифлеемской звездой поклониться младенцу, навсегда остались чудесным символом Рождества. А сам этот библейский сюжет подношения даров стал одним из наиболее любимых и значимых в мировом искусстве, начиная с византийских икон, фресок Джотто и вплоть до наших дней. Есть в неожиданном появлении восточных волхвов у яслей с младенцем, в их таинственных дарах, что-то необъяснимо притягательное, какое-то предчувствие счастливого открытия и обретения. Наверное, каждый из нас переживал этот праздник ожидания праздника, уж в детстве-то наверняка. Собственно, и рождественские подарки под новогодней елкой, которых дети ждут с замиранием сердца, с восторгом, которого в зрелые годы, увы, мы уже лишены, и есть дары волхвов, продолжение чуда.
Впрочем, и для нас, погруженных в прозу современной жизни, дверь, ведущая к радостям Рождества, вовсе не закрыта. У праздника много дорог, и одна из них ведет в галерею PORTMAY, где вот уже в четвертый раз проходит Рождественский вернисаж. И если волхвы Балтазар, Гаспар и Мельхиор принесли в дар золото, ладан и смирну, то приморские художники приготовили к празднику новые живописные и графические работы. Ведь эта выставка и есть ёлка с дарами, которую они устроили для всех любителей искусства. И Белый ангел Рюрика Тушкина из его одноименной картины, пожалуй, может послужить добрым проводником на вернисаже, нужно только довериться ему.
Дело в том, что в экспозиции тоже таится немало чудесного, загадочного, а подчас и просто незнакомого, но вместе с тем волнующего и радостного. Не для того ли и существуют праздничные маскарады и карнавалы, чтобы на какое-то время преобразить окружающий привычный мир, сорвать с него покров обыденности, чтобы вдруг обнаружить под ним невиданные ранее цвета и пространства, иные небеса и другие пейзажи… Как, например, это происходит в большом сверкающем полотне Ильи Бутусова «В поисках изумрудов». Надо сказать, что творчество этого автора вообще сродни ювелирному делу: в своих абстрактных работах он замораживает предметные формы до голубого звона, а затем разбивает их вдребезги, чтобы из осколков создать новую мозаику, словно претворяя в живопись стихотворение Ивана Бунина, посвященное перстню:
Рубины мрачные цвели, чернели в нем,
Внутри пурпурно-кровяные,
Алмазы вспыхивали розовым огнем,
Дробясь, как слезы ледяные.
Бесценными играл заветный перстень мой,
Но затаенными лучами:
Так светит и горит сокрытый полутьмой
Старинный образ в царском храме.
Но сразу же надо сказать, что, как и в прежние годы, Рождественский вернисаж состоит из двух частей: первая представляет произведения, которые можно назвать реалистическими, а вторая — это работы авторов, чье творчество связано с самыми различными направлениями современного искусства — от магического реализма до чистой абстракции.
И, пожалуй, Николая Большакова можно с полным правом определить как верного наследника живописных традиций. Его картина «Тихий вечер», наполненная светом осеннего заката, элегической грустью родного пейзажа, рождает светлое воспоминание об отечественном искусстве даже не прошлого, а девятнадцатого века. А большое полотно Сергея Герасимова «Русское поле», выполненное с мастерством истинного реалиста, хотя и с фантазией в организации сюжета и построении композиции, претворяет эту нашу русскую ностальгию в глубокий философский образ — прямо в мастерской начинается необозримое поле под высокими небесами, у кромки которого стоит мольберт с белым загрунтованным холстом, ждущим первого прикосновения кисти. И вполне возможно, что на этом холсте как раз и был написан зимний пейзаж Маши Холмогоровой «Январь», проникнутый сиянием белого снега, свистом поземки и шорохом высокой сухой травы. Серебряным воздухом зимы дышат и графические листы Владимира Олейникова, который тонко использует нетронутый фон бумаги и прозрачные свойства акварели, чтобы создать кристальный свет зимних приморских дней.
Поразительно красив белый цвет в работе Вениамина Гончаренко «Натюрморт с чайником». Но здесь он насыщен оттенками голубого, розового, сиреневого, что выгодно подчеркивают бутоны роз, узорная скатерть и сам расписной, украшенный сочными цветами чайник. Вообще, представленные на выставке картины этого мастера, — это словно метафора самого праздника Рождества, живопись, рождающая радость сама по себе. Эту роскошь глубокого цвета несут в себе и гауши Валентины Арзамазовой. Охристый собор осеннего леса, оранжевая копна сена на опушке, деревенский двор, на который пролилась густая синева приморского октября, — все эти простые сюжеты претворены автором в живопись, которая не копирует природу, не отображает ее и не подражает ей, она самодостаточна. Скорее, эти работы перекликаются с бунинскими классическими строчками из его стихотворения «Листопад»:
Лес, точно терем расписной,
Лиловый, золотой, багряный,
Веселой, пестрою стеной
Стоит над светлою поляной.
Березы желтою резьбой
Блестят в лазури голубой…
Таким же наплывом света и цвета с преобладанием густого зеленого и плотного желтого переливается и работа Ольги Шапрановой «Осень».
Надо отметить, что ностальгические мотивы, очень личные, прочувствованные, проявились на вернисаже, словно вызванные к жизни самим праздником Рождества, который освещает детство каждого, а потом хранится в памяти как, может быть, самое дорогое сокровище. И картина Анны Щеголевой «Автопортрет из детства», написанная мягко, пластично, на мой взгляд, самая обаятельная рождественская сказка этой выставки. В облике неловкой застенчивой деревенской девочки с букетиком в руке, в ее подружке — козе с сиреневыми ушками, глазами и губами, что стоит вровень с героиней, доверчиво обернувшись к ней, мерцает и согревает что-то кровное сердцу любого из нас, потому что все мы родом из детства. И все мы родом из России, которая, такое ощущение, спряталась или растворилась в лиловой врубелевской перспективе этой замечательной картины.
Было бы удивительно, а точнее, скучновато, если бы на Рождественском вернисаже обошлось без маскарада и озорства, как в смысле сюжетов, так и в плане их художественного воплощения. В таком случае праздник явно бы не удался, но экспериментаторов, сюрреалистов и шутников в приморском искусстве сегодня хватает, выписывать нет нужды. Веселый рисовальщик и блестящий живописец Владимир Погребняк, как всегда, превращает самые заурядные, казалось бы, эпизоды жизни в гротескные, анекдотичные, карнавальные по своей художественной сути картины. Это может быть ошалевший от клева красный рыбак на черном льду, а может быть и встреча каких-то невообразимых обнявшихся персонажей, не исключено, что любовников. В работах этого художника все возможно. (Такую творческую свободу и кураж порождает напиток под названием «Ёрш» или «Коктейль Есенина», то есть смесь пива и водки.)
Все возможно, впрочем, и в графике Александра Киряхно, работа которого «Желание» способна при первом взгляде едва ли не шокировать вольным эротическим мотивом, а затем властно приковать внимание смелостью и молниеностностью рисунка. Столь же мощной экспрессией линии и цвета отличается живописное полотно Евгения Макеева из серии «Клаустрофобия», где сплетенные тела на фактурном серо-голубом фоне буквально излучают эротическую энергию. Живописный темперамент хорошо ощутим и в работе Владимира Старовойтова из серии, посвященной оркестрантам. Его играющий на фаготе музыкант написан словно и не кистью, а ритмическими цветными волнами. Ну а коль случился весь этот джаз, то в нем органично выступает и такой изобретательный и точный в каждой линии рисовальщик как Валерий Ненаживин, впервые представивший на Рождественском вернисаже свои живописные произведения из серии «Сцена». (На столь вдохновенные импровизации, как показывает опыт, способна подвигнуть небольшая фляжка не очень-то качественного, но вполне безумного коньяка «Кёнигсберг» или «Старый город», которую необходимо сопроводить несколькими дольками лимона.)
Целое рождественское окно, то есть именно оконную раму с расписанным стеклом принес на елку Андрей Обманец, художник, надо сказать, вообще склонный в своем творчестве к ироничной игре и выдумке. По сути, он представил сценки и пейзажи, которые можно увидеть из окон Владивостока, или, наоборот, в самих окнах, особенно рождественских. Вот, например, одна из них, представляющая собой веселую компанию из поддатого мужичка и его кота-собутыльника, что гуляют в картине Екатерины Кравцовой «Напополам». А можно, кстати, задрать голову к рождественскому небу и обнаружить там порвавшего цепи земного притяжения и взлетевшего к звездам персонажа из работы Всеволода Мечковского «Млечный путь». Да и как не взлететь, если млечный путь оставляет головокружительная и необъятная грудь небесной женщины. (Полетам в межзвездном пространстве хорошо способствует ледяная водка, если ее пить прямо на улице под скрип снега и непременные кусочки розового толстого сала, причем без хлеба.)
Совсем в иное путешествие приглашает зрителя Юрий Аксенов, на сей раз оставивший свои разгульные лубочные забавы ради таинственных экзотических миров. Его картина «Страна орхидей» действительно оставляет гипнотическое ощущение ирреальности, словно заглянув в, казалось бы, обычный камин, ты в какой-то момент, например, в рождественскую ночь, можешь лицом к лицу столкнуться с фантастическим лесом орхидей и встретиться глазами с затаившейся в зарослях черной пантерой. (Эти сверкающие как антрацит мистические звери нередко приходят в ярких снах после употребления «Северного сияния», то есть смеси шампанского и водки.)
Где-то в пространстве рождественских снов возникла и картина Олега Подскочина со столь характерной для его магического реализма живописной метафорой, когда на одном холсте сочетаются неожиданные предметы, персонажи, явления, причем из разных культур и эпох. В этой работе средневековые рыцари возвышаются над памятными многим владивостокцам заснеженными земляными слонами, которые в летнее время прорастали посаженными на них цветами, лютиками такими. В девяностых годах эти сюрреалистические существа, изготовленные китайцами, стояли в районе сегодняшней Семеновской площади, а затем ближе к набережной. Теперь слонов нет, но они время от времени появляются в работах этого автора, написанных рассыпчатым мягким мазком в сумрачных бело-коричневых тонах, которые оставляют чувство философской печали, тоски, как говорил Осип Мандельштам, по мировой культуре. (Обычно приступы подобной мировой скорби, weltschmerz, как говорили немецкие романтики, случаются после пары стаканов «кровавой Мэри», то есть смеси водки и томатного сока.)
Подбор абстрактных произведений на нынешнем Рождественском вернисаже как никогда обширен и весьма впечатляет разнообразием индивидуальных стилей. Работы Геннадия Омельченко, который все глубже погружается в глубины мирового опыта беспредметного искусства, чтобы найти в некотором роде формулы абсолютной живописи, отличаются чистотой и ясностью композиции, музыкальным звучанием всего строя произведения. Его изумрудная «Архитектоника живописи» и красно-желтая «Композиция № 8» одновременно и случайны и математически точны, как морозный узор на рождественском окне, сквозь который проникает идущий изнутри свет. В этом смысле абстракции Валерия Шапранова из его серии «Безграничное число» более стихийны, свободны, в них живет внезапная красота и энергия интуитивного движения чувства и кисти. И уж совсем алогичная поэзия, хаос живущей собственной, независимой жизнью линии, царят в картине Лили Зинатулиной, где мир рассыпается на цветные реснички, завитки, значки, намеки. (Такое ощущение невыносимой легкости бытия вполне может быть достигнуто с помощью нескольких бокалов хереса или мадеры марки «Массандра».)
Вечерние, с матовым приглушенным свечением абстрактные графические листы Федора Морозова из серии «Карнавал» столь же притягательны и загадочны, как кружение неизвестных масок на рождественском балу. Но настоящий провал в зазеркалье рождественского праздника можно испытать, остановившись перед большими полотнами Сергея Дробнохода «В поисках сна» и «Осеннее путешествие». Утонченная живопись автора увлекает и затягивает не только ритмом приливов и отливов цветовых пятен, игрой контуров и силуэтов, чувственными метаморфозами цвета, но и пространствами — океанскими и небесными, что вдруг приоткрываются в изменчивой композиции этих произведений:
Только бы видеть тебя, умирающий в золоте месяц,
Золотом блещущий снег, легкие тени берез
И самоцветы небес: янтарно-зеленый Юпитер,
Сириус, дерзкий сапфир, синим горящий огнем,
Альдебарана рубин, алмазную цепь Ориона
И уходящий в моря призрак сребристый — Арго.
(Иван Бунин)
(В цветные метафизические путешествия случается, хотя и не всегда, отправляет изрядная порция текилы. Впрочем, возможен и вариант: хорошо очищенный и настоянный на кедровых орешках шестидесятипятиградусный самогон.)
Почти тридцать художников участвуют в Рождественском вернисаже «В поисках изумрудов», где представлено порядка пятидесяти произведений. И в целом экспозиция создает довольно полную панораму сегодняшнего искусства Приморья, пожалуй, наиболее значительного, интересного и современного во всем регионе Дальнего Востока. И пусть этот рождественский праздник, созданный в уходящем году художниками, оставит в вашей памяти и жизни отблеск подлинной радости этого мира, который вновь и вновь рождается на листе бумаги или холсте.
Александр Лобычев
Арт-директор галереи «PORTMAY»
Галерея «PORTMAY». Адрес: Владивосток, ул. Алеутская, 23А.
Телефон: +7 (4232) 302-493, 302-494.
URL: www.portmay.ru
Галерея работает без выходных с 10 до 19. Вход бесплатный.
Всеволод Мечковский
1945 — родился 13 декабря в г. Новосибирске
1963 — 1968 — учёба в Архитектурной академии г. Новосибирск.
1971 — стал членом Союза архитекторов СССР/России
1979 — получил творческую категорию с правом исполнения художественных работ
1994 — член международной ассоциации художников «Fantastica e Visionaria»
«СеМечко — на четверть глубже» — авторское название выставки. Расшифровать его можно так: «Се-ва Мечко-вский укоренился на четверть века глубже». Несмотря на остроту и образность, такое определение мне как куратору показалось односторонним. Ведь задача семечка — не только углубиться, но и прорасти новыми побегами. Собственно, этим занят был Всеволод все эти годы. И на самом деле, «углубил интеллектуально приморскую живопись», как выразился Андрей Калачинский, процитированный Мечковским в анонсе выставки в журнале «City». В том же анонсе упоминалось об уже состоявшихся в его биографии 12-ти персональных выставках. Эта — тринадцатая. То есть, практически каждые два года Всеволод отчитывался перед зрителем о проделанной работе. И ни один показ не проходил незамеченным — задевал всех, увеличивал и число почитателей, и число гонителей. Поскольку сам автор заявил тринадцатую экспозицию как итоговую, мы серьёзно отнеслись к ней, попытались создать художественный проект. Получились «Визуальные парадоксы». Парадокс — основа личностного и художнического «Я» Мечковского. Его мощный алчущий деятельности интеллект постоянно занят «разъятием» на составные части понятий, образов, явлений, тасованием этих частей и составлением на их основе новых образов и понятий — свежих, ядрёных, крепко ударяющих по мозгам (прошу прощения за просторечие) и глазам зрителя. Так было всегда. Однако, на мой взгляд, обязательное присутствие эротической составляющей в произведениях, поднимающих этические, социальные и даже политические проблемы, рассеивало внимание публики, становилось ахиллесовой пятой Всеволода, притягивающей стрелы критики. Поэтому в данном случае мы постарались минимизировать число работ, в которых имеет место быть «обнажёнка». И ещё — в экспозицию вошли произведения, ранее не выставлявшиеся. Цели проекта две: продемонстрировать высокий уровень мастерства и таланта художника, его отличную творческую форму и дать пищу визуальным и мыслительным способностям зрителя.
Наталья Левданская,
куратор
Адрес: ул.Светланская, д.5 Тел.: +7 (4232) 41-05-26, факс: +7 (4232) 32-06-63 www.arkagallery.ru и www.artnet.com/arka.html
Галерея открыта со вторника по субботу с 11:00 до 18:00
Тема новой выставки, экспонируемой сегодня в галерее АРКА, напрямую связана с главной задачей любого вида искусства — с передачей художником, артистом, музыкантом собственного познания мира и личных чувственных ощущений через призму того таланта, которым он владеет. Неслучайно экспозиция коллекции авторских украшений, созданных хабаровским ювелиром Натальей Ковалевской, носит название «Ощущение мира».
Много веков назад украшение появилось именно как символ, религиозный или магический. И по сей день, достойное ювелирное произведение является не просто аксессуаром: оно всегда имеет свою символику и некий потаённый смысл. Французы говорят: «Le diamant — pour te dire j’aime», что в вольном русском переводе означает: «подарить бриллиант-значит признаться в любви».
Неиссякающий публичный интерес, как к популярным ярмаркам ювелирного искусства, так и к витринам престижных ювелирных бутиков, только подтверждает тот факт, что каждая женщина мечтает иметь то украшение, которое в самой высшей степени способно выразить её стремление быть оригинальной и неповторимой всегда и во всём. И поэтому, по сравнению с фабричными изделиями и произведениями многочисленных ювелирных мастерских, именно авторские украшения являются непосредственным выражением как таланта и творческого потенциала самого художника, так и особой индивидуальности их владельца.
Член Союза Художников России, участник многих выставок, ювелир Наталья Ковалевская — создатель самых разнообразных по их формальному решению произведений из серебра и золота, воплотивших в металле и драгоценных камнях красоту, фантазию и изысканность. Её искусство стало весьма заметным явлением на Дальнем Востоке, прежде всего, благодаря оригинальной и часто необычной стилистике её произведений. В одних её кольцах и браслетах тонко смешаны этнические мотивы, в других ясно обнаруживают себя элементы модерна; в одних перстнях оживают образы византийской древности, в других -западноевропейского средневековья. Серьги и кольца, эксклюзивные колье, подвески и браслеты привлекают внимание не только исключительной красотой своих форм. В авторских украшениях Ковалевская использует камни высокого качества, редкие даже для ювелиров — разноцветные сапфиры, цитрины, топазы, бриллианты. Ни одно сравнение не может передать уникальной игры света на прозрачных переливающихся гранях и ощущение внутреннего сияния, которое исходит из самого сердца натурального камня ручной огранки!
На выставке в галерее АРКА представлены уникальные ювелирные изделия ручной работы из личной коллекции автора, а также произведения её учеников, которые сегодня успешно осваивают все секреты ювелирного мастерства, закладывая вместе с мастером традиции региональной ювелирной школы. Поэтому каждое изделие, созданное Натальей Ковалевской и её учениками, это сочетание прекрасного художественного вкуса, уникального исполнения и достойного материала.
Выставка «Ощущение мира» для тех, кто ценит индивидуальность, красоту и мастерство исполнения. Поэтому новая встреча с творчеством хабаровского мастера Натальи Ковалевской вновь подтверждает известное: искусство, особенно ювелирное, делает прекраснее мири нас в этом мире.
Адрес: ул.Светланская, д.5 Тел.: +7 (4232) 41-05-26, факс: +7 (4232) 32-06-63 www.arkagallery.ru и www.artnet.com/arka.html
Галерея открыта со вторника по субботу с 11:00 до 18:00
Тушкин Рюрик Васильевич
(4.12.1924 г.Самара — 15.01.2006 г.Владивосток) 1942-1945 — участник Великой Отечественной войны 1945-1960 — служба в ВМФ СССР. 1960-2003 — отделение функц. диагностики ВМКГоспиталя, г.Владивосток 1962-1966 — занятия в Народном университете культуры (отделение живописи, мастерская Г.М.Цаплина) г.Владивосток.
1988 — Член творческой группы художников «Владивосток»
1993 — Член Союза художников РФ
1994 — Член-корреспондент Петровской академии наук и искусств.
С 1950-х г. — участник городских, краевых, региональных и международных выставок.
Живопись Рюрика Тушкина, это множество разноликих портретов, написанных на протяжении всей его творческой жизни. Герои его портретов совершенно разные. Ими могут быть лица вымышленные и обладатели любых профессий — ветераны труда и культуры быта: рыбак, художник, гадалка, клоун, солдат, музыкант, колхозник, продавец и др. Или люди, всему миру известные: А.Пушкин, Н.Гоголь, П.Гоген, Н. Пиросмани, К.Малевич, М.Шагал, П.Пикассо, Л.Армстронг, И.Сталин, Л.Брежнев, В.Высоцкий, А.Сахаров, Ванга. Либо близкие друзья и художники: В.Шлихт, В.Федоров, В.Ненаживин, Е.Корж, В.Камовский, С.Симаков… Есть и пишущий эти строки А.Городний. Бывает, что портреты, обычно неведомых лиц (здесь, уже наверно, авторская этика), раздваиваются или даже расстраиваются, т.е. становятся трёхмерными, кубофуристическими либо сюрреалистичными.
Рюрик Тушкин проводит их через опреде ленные стили ХХ века. Матисc, Гоген, Шагал, Пикассо, Малевич, Неизвестный — его главные учителя. Портреты можно разделить на серии — «двойной», «разноликий», «метафоричный» и др. В целом, всё о реальной человеческой жизни, о её смысле и в символах… Творчество художника оставило богатый материал для искусствоведов.
И все же важным в разноликости всех портретов у Тушкина остается не схожесть с определённой личностью — они явно узнаваемы и мастерски исполнены, а философский, социальный, символичный подтекст места и среды обитания этих героев во времени, в страстях ими проживаемых. Художник живет в этой среде, дополняя её мудростью своего миропонимания. И всегда экспериментирует — этим как бы мир и лечит. Рюрик Васильевич ежедневно и много работал в мастерской, писал картину быстро, но иногда откладывал на год и более. Новые идеи старался проверять на себе буквально. Отсюда (а не от самолюбования, как у некоторых) и появилось такое множество автопортретов. На этой выставке их более пятидесяти. «Препарирование собственного „Я“ в назидание людям» — очень верно отметила искусствовед Наталья Левданская об автопортрете Р.В.Тушкина на его выставке к 80-летию.
Эту выставку посвящаем 85-летию со дня рождения художника, который всегда с нами.
Александр Городний,
директор Музея Артэтаж
Артэтаж — музей современного искусства, ДВГТУ
График работы: понедельник-пятница с 10 до 18, суббота-воскресенье с 11 до 17
Адрес: 690950, г. Владивосток, ул. Аксаковская, 12
Телефон: 8 (4232) 60-89-02
