Представлено многогранное творчество одной из художественных династий Приморского края. Идея сделать персональную выставку в год 70-летия Победы в память о художнике-фронтовике Т. Кушнареве переросла в абсолютно логичное стремление показать не только наследие талантливого живописца и графика Т. Кушнарева, но и его дочери, продолжившей профессию. Этой выставкой открывается 2016 год в залах Приморского отделения Союза художников России.
Ее большую часть составили произведения Т. Кушнарева, созданные в разные годы. Это возможность вспомнить, а для кого-то познакомиться с творчеством удивительно светлого, лиричного художника, работавшего во Владивостоке во второй половине ХХ века.
В приморское искусство участник Великой Отечественной войны Тимофей Кушнарев (1920-1998) пришел в 1952. Он поступил во Владивостокское художественное училище в 1947 году сразу же после ухода в запас. По окончании училища начал работать в Художественном фонде Приморского союза художников. Пришедший в профессию позже, чем его сверстники, Тимофей Кушнарев оказался художником по своей сущности. По внутреннему складу, по интуитивно ощущаемому внешнему миру вещей и обстоятельств, которые в его тонких и светлых акварелях, в точном рисунке графических листов представали в новом для зрителя качестве.
Это ощущение, не побоимся пафоса, было дано свыше. С самого начала ничто, в общем-то, не способствовало выбору творческой профессии. Чрезвычайно скудное детство в многодетной семье, война. Кушнарев прошел всю Отечественную в западной части страны, после Великой Победы дослуживал в Манчжурии и на Сахалине, демобилизовался в 1948 году, когда уже многие определились в мирной жизни. Ему, почти тридцатилетнему, надо было начинать заново. И он идет …в художественное училище, подчинив свою дальнейшую жизнь исключительно изобразительному искусству. В течение долгой творческой жизни художником созданы сотни работ, в том числе, посвященных Приморскому краю, Владивостоку.
Вот уже более пятнадцати лет художника нет с нами. Но начатая им линия продолжается: его дочь Людмила Убираева — участница многих выставок в Приморье и за рубежом, член международной ассоциации «Цветы мира», преподаватель Владивостокского художественного колледжа. В отличие от отца, она о выборе профессии не задумывалась. Это было само собой разумеющимся обстоятельством. С первых лет жизни она наблюдала за тем, как работает папа. Его мастерская была для нее местом особым. Здесь состоялись ее первые художественные опыты, здесь, взрослея, она ощущала то родство, которым связаны не просто отец и дочь, но люди одной профессии. Художники…
Куратор выставки искусствовед Ольга Зотова
Приморская организация союза художников России
Адрес: г. Владивосток, ул. Алеутская, 14а
Акварель… Одна из древнейших живописных техник, дающая возможность добиться широчайшего разнообразия изобразительных эффектов. Это материал подвижный, мобильный, позволяющий автору импровизировать, выражать настроение и чувства, воплотить любой, самый сложный, сюжет и в то же время пригодный для набросков, зарисовок археологических и географических экспедиций в так называемом путевом дневнике художника.
В выставке участвуют 24 автора из Артема, Владивостока, Находки, Уссурийска, Хабаровска: Сергей Черкасов, Ирина Миклушевская, Владимир Олейников, Валентин Чеботарёв, Виктор Убираев, Людмила Убираева, Виктория Косенко, Анатолий Заугольнов, Игорь Кузнецов, Александр Логинов, Евгений и Оксана Осиповы, Тимофей Кушнарёв, Ольга Игнатенко, Егор Зарочинцев, Анастасия Долгополова, Сергей Горбач, Павел Куянцев, Лидия Козьмина, Сергей Толмачёв, Евгений Базилевич Бронислав Тамулевич, Надежда Хрустова, Екатерина Архипова, Александр Шалагин. Представлено около 90 работ. Каждый участник отличается своей неповторимой манерой, в то же время качеством, объединяющим всех, можно назвать высокий профессионализм. Зритель увидит акварели в технике a la prima, получит представление о звучности цвета в акварели, о роли белой бумаги, не заполненной цветом, в общем строе работы, о корпусной живописной манере, дающей художественную завершенность работе. В ряде листов для большей выразительности использованы карандаш, гуашь, пастель, тушь и даже коллаж!
Не менее разнообразна жанровая картина: представлены портрет, лирический, городской и индустриальный пейзаж, натурные зарисовки, натюрморт, книжная иллюстрация, так называемая ботаническая иллюстрация, отличающаяся высочайшей точностью в передаче натуры. Участие в проекте художников из Хабаровска позволяет говорить еще об одной тенденции: в последнее время явно появилось стремление к объединению творческих усилий для устройства больших художественных событий. Для Приморского края выставка подобного плана – явление редкое. Художников, работающих преимущественно в акварели, единицы. Тем не менее, собранный материал позволяет говорить не только о наличии талантливых авторов старшего поколения, виртуозно владеющих материалом, но и тенденции возрастающего интереса к технике молодых художников.
Мир, открываемый художниками, удивителен и прекрасен, а участие членов молодых авторов в выставке дает надежду на то, что она будет отправной точкой для создания секции акварелистов в Приморском отделении ВТОО «Союз художников России» и проведения акварельных пленэров и следующих выставок.
Куратор выставки Ольга Зотова,
член Союза художников России,
кандидат искусствоведения,
доцент Школы гуманитарных наук ДВФУ
Музейно-выставочный комплекс ВГУЭС
Адрес: 690014, г. Владивосток, ул. Гоголя, 41, главный корпус, 1-й этаж
Выставка международной ассоциации женщин-художников «Цветы мира» в рамках акции «Мост на Запад», поддержанной фондом «Русский мир» и Дальневосточным федеральным университетом, состоялась в галерее «Моховая, 18» в Санкт-Петербурге с 6 по 20 октября. Подготовка к выставке длилась около полугода, так в выставке кроме российских художниц — Ольги Никитчик, Лидии Козьминой, Марии Холмогоровой, Людмилы Убираевой, Аллы Гринченко, Анны Щеголевой — приняли участие художницы из Ю. Кореи, Японии, Вьетнама, КНР. Период формирования выставки показал, что интерес к России у художников стран Азиатско-Тихоокеанского региона огромен, особенно к той части России, где проявляются глубокие корни русской культуры. Это побудило организаторов выставки сделать ее в Санкт-Петербурге, культурной столице России. На открытии выставки слова благодарности по этому поводу звучали из уст представителей каждой из стран. Также об этом сказал в приветственном слове консул по культуре Генерального консульства Японии в Санкт-Петербурге. Теплая атмосфера царила на вечернем ужине после открытия выставки, художники разных стран вместе пели русские песни «Катюша», «Подмосковные вечера», которые любимы в КНР и Японии.
Но не только выставка была проведена в ходе визита. Русские художники подготовили для своих коллег большую культурную программу, которая начала реализовываться после открытия. 6 октября было днем посещения Русского музея. Художники из Японии, Ю. Кореи, КНР стремились увидеть работы И. Репина, И. Айвазовского, И. Шишкина, специально уделив внимание этим залам. В залах корпуса А. Бенуа очень внимательно слушали об искусстве ХХ века, в частности таких мастерах как П. Филонов, К. Петров-Водкин. А. Дейнека. Привлек внимание период 1960-х, связанных с «суровым стилем» и творчеством таких мастеров как А. Левитин, В. Гаврилов. Один из дней стал музейным днем: художники с огромным интересом посетили выставочные залы Союза художников Санкт-Петербурга, где проходили выставки А. Левитина и П. Фролова. Подлинные работы Левитина 1960-х годов японские художники приняли с особым теплом, так как в Токийском национальном музее есть его работы в постоянной экспозиции.
Огромный интерес вызвали графические листы П. Фролова, художника из Перми, в частности, те, которые были выполнены к циклу «Русский алфавит». В целом художники оценили выставку и связанный с ней визит в Санкт-Петербург, как возможность узнать страну не с туристической стороны, но гораздо глубже, так как все эти дни их сопровождали русские художники.
Возвращаясь к выставке, хотелось бы сказать, что по многочисленным откликам она оказалась чрезвычайно привлекательной и интересной. Вот лишь несколько отзывов в адрес организаторов и художников из Книги отзывов галереи: «Спасибо Вам ! Помогаете видеть, узнавать, чувствовать. Много нового, интересного. Спасибо.», «Большое спасибо за выставку. Получили огромное впечатление. Разнообразие тем и техник исполнения соединяются со стремлением передать красоту природы и человека», «Большое спасибо, что показали свои работы в Санкт-Петербурге. Спасибо организаторам». Но не только обычным зрителям выставка показалась достойной внимания, но и для тех, кто причастен к Востоку в профессиональной деятельности.
В частности, по просьбе профессора восточного факультета Санкт-Петербургского университета А. М. Фарзалиева в рамках выставки состоялась встреча преподавателей факультета и художников Японии и КНР. На встрече отмечалось, что возможность увидеть современное искусство стран Дальнего Востока в Санкт-Петербурге представляется редко, а выставка ассоциации «Цветы мира» такую возможность дает. Кроме того, личное присутствие художников дает ценную возможность непосредственного общения и комментирования своих работ самими художниками. Так, одна из работ японской художницы Акико Кондо, выполненная в технике текстильного коллажа, посвященная теме землетрясения в 2011 году, привлекла большое количество зрителей необычной эстетикой и породила желание узнать у автора, как создавался обобщенный образ трагических событий, связанных с землетрясением и аварией на атомной станции в Фукусиме.
В процессе общения преподаватели факультета живо интересовались историей создания международной ассоциации женщин-художников, включающей разные страны, и тем, насколько тесным является общение художников в перерывах между выставками. Ведь именно этот процесс – непосредственного общения — помогает создать новую выставку.
Если говорить о результатах, имеющих не только художественное, но о общегуманитарное значение, то главным, пожалуй, является то, насколько ценным для художников Южной Кореи, КНР, Японии, Вьетнама оказалась личная встреча с русской культурой и визит в Санкт-Петербург . Так, японская художница Наоко Морита работает над книгой о другой японской художнице Рин Ямасита. Она была первой японской художницей-иконописицей, чья художественная одаренность проявилась довольно рано и была связана с Санкт-Петербургом. Рин Ямасита приняла православие в Токио, а в 1881 году прибыла в Петербург и поселилась в Новодевичьем монастыре, чтобы изучать основы иконописи. В ее личном дневнике часто встречается фраза «Хочу рисовать!», что позволяет судить о мере увлеченности художницы, преодолевшей трудности непривычной для нее монастырской жизни.
Наоко Морита не случайно обратилась к теме творчества Рин Ямасита, так она сама также исповедует православную веру. Визит в Санкт-Петербург позволили ей посетить монастырь, где жила в свое время Рин Ямасита, и отыскать тех, кто поможет японской художнице продолжить работу над книгой.
Вторая участница выставки Акико Кондо также непосредственно увлечена русской культурой, так как тема, которой она занимается (помимо художественного творчества), связана с Ф. М. Достоевским. Акико Кондо посетила Александро-Невскую лавру, чтобы почтить память русского писателя у его могилы на Тихвинском кладбище.
Особый интерес китайских художников вызвала редкая по масштабам выставка российских императорских костюмов в Эрмитаже из коллекций музея. Впечатление от поездки оказалось столь сильным, что китайские художники решили непременно поделиться им со своими коллегами в Китае сразу после возвращения. Россию они назвали страной с теплым сердцем, а русский язык (переводчики, сопровождавшие китайских и японских художников общались на русском языке) связующим мир звеном.
Выставку положительно оценили и с российской стороны: галерею посетили Олег Леонидович Муковский, директор Санкт-Петербургского филиала фонда «Русский мир», Сергей Игоревич Богданов, проректор Санкт-Петербургского государственного университета, доктор филологических наук, профессор, председатель наблюдательного совета Российского общества преподавателей русского языка и литературы, заместитель председателя правления Фонда и Татьяна Владимировна Ласка, директор «Института искусств» Санкт-Петербургского государственного университета и заместитель генерального директора по научной работе Новгородского объединенного музея-заповедника. По их мнению «Мост на Запад» (так назывался проект, поддержанный фоном «Русский мир», в рамках которого проводится выставка) состоялся. Итогом выставки стало приглашение русских художников с выставками в Киото на ежегодный арт-фестиваль и Пекин в 2015 году.
Куратором выставки явилась кандидат искусствоведения, доцент кафедры журналистики и издательского бизнеса Школы гуманитарных наук ДВФУ Зотова Ольга.
Участницы выставки Гринченко Алла Маратовна, Заслуженный работник культуры РФ, Козьмина Лидия Александровна, Никитчик Ольга Кимовна, Заслуженный художник РФ (президент международной ассоциации «Цветы мира»), Убираева Людмила Тимофеевна, Заслуженный работник культуры РФ, Холмогорова Мария Викторовна, член-корреспондент РАХ, Щёголева Анна Сергеевна (Санкт-Петербург).
Международная ассоциация женщин-художников «Цветы мира» была создана по инициативе Ольги Никитчик в 1997 году во Владивостоке. Ассоциация объединила профессиональных художниц России, Республики Корея, Японии, Австралии, КНР. За время деятельности были проведены масштабные коллективные выставки в Приморской государственной картинной галерее, галерее Баларат (Мельбурн), музее Сетагая (Токио) и др. Через 3 года ассоциация отметит двадцатилетний юбилей. Сегодня, когда мир открыт для российских художников, можно заново оценить значение этой инициативы: выставки, проводимые по очереди в странах-участницах, позволили увидеть дальневосточным художницам творчество и условия работы других стран, показать российское искусство. Кроме того, совместное общение художниц разных стран давало удивительную возможность знакомства с уникальной традицией каждой.
В 2013 году к творческой группе присоединились художницы из Вьетнама, а значит, одна из следующих выставок будет проведена во Вьетнаме. Главную идею ассоциации выразила президент О. Никитчик: «Мы не цветы рисуем, мы сами и есть цветы. Каждая женщина, особенно художник, — это цветок. Нам интересно создать прекрасный букет из разных художников, разных школ, разных течений…». Многогранное, воспитанное в русле традиций разных стран, искусство ассоциации «Цветы мира» вызывает неизменный интерес у зрителей.
В октябре этого года очередная выставка, в которой примут участие художницы всех стран, состоится в Санкт-Петербурге в галерее «Моховая, 18» при поддержке Дальневосточного филиала фонда «Русский мир». Она включена в число выставок акции филиала «Картина русского мира» ( в рамках Года культуры в России) , которая заявлена фондом в числе приоритетных. Вновь российские художницы выступают организаторами и будут принимать зарубежных гостей в Санкт-Петербурге, общее число участников в этом году – 24. Но перед тем, как отправиться в творческую командировку, российская группа приглашает в Музейно-выставочный комплекс ВГУЭС.
Музейно-выставочный комплекс ВГУЭС
Адрес: 690014, г. Владивосток, ул. Гоголя, 41, главный корпус, 1-й этаж
Мастер-класс по технике пастели Заслуженного работника культуры РФ Людмилы Убираевой во Всероссийском детском центре «Океан» для детей международной смены состоится 4 сентября 2012 года. Мастер-класс пройдёт одновременно с персональной выставкой работ «Свет и цвет».
Персональная выставка и мастер-класс Людмилы Убираевой дают возможность увидеть и разные по жанру и технике работы художницы, и её виртуозное владение техникой пастели. Она едва ли не единственный в Приморье мастер, который давно и плодотворно работает в этой удивительно нежной, лиричной, светоносной технике, одинаково легко выполняя и портрет, и натюрморт, и жанровую композицию.
Дочь художника-шестидесятника Тимофея Кушнарёва, чьё творчество формировалось в русле реалистической традиции русского искусства, Людмила остается верной этой традиции не один десяток лет. Её работы наполнены мягким светом и звонким цветом, созвучными состоянию души художницы.
Выставка и мастер-класс по технике пастели проходят в рамках акции Дальневосточного филиала фонда «Русский мир» «Картина русского мира».
Куратор выставки — Ольга Зотова, кандидат искусствоведения,
Доцент кафедры массовых коммуникаций
Школы гуманитарных наук ДВФУ
УБИРАЕВА Людмила Тимофеевна
Заслуженный работник культуры РФ
В 1976 г. окончила Дальневосточную академию искусств
Участник международной ассоциации женщин-художников «Цветы мира».
Участник российских и зарубежных художественных выставок с 1973 г.
Автор персональных выставок во Владивостоке и г. Анкоридже (США)
Более 30 лет преподает во Владивостокском художественном училище
Дальневосточный филиал фонда «Русский мир»
Адрес: 690091, г. Владивосток, ул. Алеутская, дом 65б
Телефон: +7 (423) 250-7508
URL: www.russkiymir.ru
Прозрение
Драгоценное искусство миниатюры развивалось вместе с книгой, будь это древнеегипетские папирусные свитки, античные кодексы на пергаменте, или византийские и европейские средневековые манускрипты, где помимо иллюстраций в художественную миниатюру превращались инициалы, заглавные буквицы, заставки, орнаменты, сплетенные из рыб, птиц, растений, а то и человеческих тел. Что же касается цивилизаций Азии и Востока, то нет, пожалуй, местности или страны, где бы не расцветало искусство миниатюры — в Персии, Армении, Грузии, Средней Азии, Индии, Китае, Японии… В средние века существовали десятки школ и стилей миниатюрной живописи по всему свету. Книга, в каком бы она виде не рождалась, с помощью миниатюры становилась не только хранилищем мысли и литературы, но и сокровищем искусства. Так слово становилось явленным миром, воплощённым духом, а книга обращалась в храм, способный перемещаться во времени и пространстве — из эпохи в эпоху, с одного материка на другой.
Драгоценным в миниатюре было всё — начиная от текстов Библии и других священных писаний, произведений прославленных поэтов, ученых, путешественников, иллюстрированных миниатюрами мастеров, до самой краски, что добывалась из драгоценных камней и минералов. Например, в персидской миниатюрной живописи художники использовали золото, серебро, ляпис-лазурит, киноварь, малахит… Сегодня трудно представить, какое ошеломляющее впечатление производила украшенная миниатюрами книга на тех, кто брал её в руки, какой восторг и трепет она вызывала — изысканное каллиграфическое письмо, сверкающие, чистые цвета, изящные линии, рисующие животных, растения и героев, священные или волшебные сюжеты иллюстраций, оживляющие слова пророков и поэтов.
Постепенно имена художников, авторов миниатюр, прежде безвестные, стали оставаться в истории, а затем и сама миниатюра вышла за пределы книги и приобрела значение самостоятельного искусства. Особое место заняла портретная миниатюра, завоевавшая уже в эпоху Возрождения почётное место среди жанров изобразительного искусства. Миниатюрный портрет по понятным причинам был настолько востребован и популярен, в том числе и в России, что в конце 18 века в Академии художеств в Санкт-Петербурге был даже открыт специальный класс миниатюрной живописи. И русские художники, такие как Г.И. Скородумов, В.Л. Боровиковский, Н.И. Аргунов и другие, оставили образцы тонкой и одухотворенной портретной миниатюры. Но в конце девятнадцатого века миниатюрный портрет с появлением дагерротипа и фотографии утратил свою привлекательность, хотя и не сказать, что исчез окончательно, скорее, переместился на периферию изобразительного искусства, стал уделом мастеров-одиночек, работающих из любви к миниатюре или по заказу редких клиентов.
И хотя миниатюра в девятнадцатом и двадцатом веках обрела в России новое рождение в лаковой народной живописи, надо признать, что как самостоятельный вид станкового искусства, то есть искусства чистого, без всякого прикладного назначения, она уже более ста лет переживает период забвения, если не сказать упадка. А то, что порой предлагается и понимается под видом миниатюры, чаще всего представляет собой всего лишь эскизы, этюды маленького формата. И вот тут-то и встаёт вопрос об отличительных чертах миниатюры, на который не так-то легко ответить. Но, видимо, следует признать, что миниатюра — это картина в её традиционном восприятии, то есть законченное, состоявшееся и в содержательном, и в формальном смысле произведение небольших размеров. Как правило, миниатюра требует внятного сюжета, тонко организованной композиции, точного рисунка и живописного мастерства. То есть того же, что и всегда, но в более концентрированном, что ли, виде. А вот в жанровом отношении она может быть и сюжетным произведением, и портретом, и натюрмортом, и интерьером, и пейзажем… И, наконец, самое, пожалуй, трудно достижимое, сокровенное и притягательное в миниатюре — это её эстетическая самостоятельность, цельность и способность при минимальных размерах вместить многое. Когда у художника всё сходится и работа получается, миниатюра становится той самой каплей росы, в которой может отразиться весь мир. Именно так выражали сущность дзен-буддийского искусства и философии восточные мудрецы и поэты.
Все эти характеристики миниатюры самым неожиданным образом и подтверждаются и разрушаются, точнее, расширяются на удивительной выставке «Очень маленькие картины», что представлена в галерее PORTMAY. Дело в том, что эта экспозиция миниатюр вовсе не собрание образцов некоего канона, а творческий поиск, мастерская авторов, вынесенная к зрителю. Именно сам процесс эксперимента, когда каждый художник пытается лично для себя определить, как же он понимает искусство миниатюры, увлекает необыкновенно, заставляет вновь и вновь всматриваться в эти маленькие работы.
Хотя нужно вспомнить, что этой экспозиции уже предшествовали некоторые опыты. Например, выставка миниатюр Лидии Козьминой, что состоялась в арт-галерее «Арка» в 2000 году, пожалуй, была первой ласточкой в современном искусстве Приморья в этом направлении. Затем зрители смогли увидеть маленькие этюды знаменитого Кирилла Шебеко, которые по завершенности пейзажного мотива, живописной филигранности исполнения и эмоциональной насыщенности оставляли ощущение полноценных картин, то есть были по своей художественной сути великолепными миниатюрными работами. А на выставке графики Виктора Фёдорова в галерее PORTMAY зрители могли видеть женские фигуры и торсы из малоформатной акварельной серии «Знаки», настолько выразительные и убедительные в своей архаичной пластике, что напоминали чудом дошедшие до нашего времени древнеегипетские или античные рисунки. Можно вспомнить и другие примеры, потому что искусство миниатюры время от времени прорастало в творчестве художников, хотя и не находило с их стороны пристального внимания. Так что своя история у приморской миниатюры, пусть пока и небогатая, всё-таки существует.
Волшебные стаи миниатюрных картин разлетаются из мастерской Лидии Козьминой вот уже, наверное, лет пятнадцать. Её миниатюры одновременно и традиционны, поскольку автор использует сюжеты, персонажей, символы и художественные приемы миниатюрной живописи самых разных эпох и стилей — от византийских и европейских книжных миниатюр до русских лубочных картинок, и вместе с тем они совершенно индивидуальны, мгновенно узнаваемы, настолько выразительна её живописная манера, своеобразны и поэтичны сюжеты работ. Вот и на этой выставке триптихи с марионетками и балаганным русским шутом Петрушкой соседствуют с каменными мифическими львами китайского города Ханьжоу и фантастической скульптурой из немецкого дворцового комплекса Сан-Суси. Лидия чувствует тайну миниатюры кончиками пальцев, знает её особенности и секреты, как красавица свой любимый перстень. У неё каждая деталь композиции уместна и красиво подана, каждый мазок на счету и любуется сам собой.
Вообще, нужно сказать, что миниатюра, обладая столь богатой и глубокой историей, разнообразием мировых школ, и в творчестве современных приморских художников неизбежно тяготеет к традиционной тематике. И в первую очередь это касается библейских мотивов и античной мифологии. Так миниатюры Олега Подскочина, написанные в привычной для него классической коричнево-золотой гамме, таинственной и мерцающей, посвящены античным образам — это несколько работ «Оракул и три его музы» и «Прощание Гектора с Андромахой». А его миниатюра «Шут и его королева» — и по композиции, и по сюжету, и по эмоциональной атмосфере напоминает книжную иллюстрацию к какой-нибудь классической драме, может быть, Шекспира. Литературность, книжность в лучшем смысле этих определений, вещь в миниатюре не только традиционная, но и замечательная сама по себе — она наполняет произведение содержанием, превращает миниатюру в изобразительную новеллу.
И это хорошо заметно в библейских сюжетах Александра Арсененко — «Неопалимая купина» и «Бегство в Египет», где знаменитые в мировом искусстве ветхозаветные эпизоды решаются автором в драматической повествовательной манере, которая усиливается за счёт колорита. В миниатюре о неопалимой купине терновый куст, из которого Бог заговорил с Моисеем, пылает подобно ослепительной белой звезде, разрывающей чёрно-красный сумрак, и поражает того на месте, заставляя пережить откровение, ужас, восторг.
Совсем иначе — в подчеркнуто современном понимании, с озорным юмором — решает античный сюжет о похищении Европы Маша Холмогорова. Её миниатюра, тонко прописанная острой кисточкой, воссоздает не условный мифологический пейзаж, а скорее, берег острова Попова, откуда бык и собирается умчать рыжеволосую красавицу, что сидит на его спине и в ожидании похищения кокетливо подводит глаза. А другая работа — «Шествие», похоже, как раз и представляет ту самую деревенскую жизнь, от которой так рвётся сбежать островная девчонка, но в которую хочется долго и с любовью вглядываться. Вот вслед за телегой, на которой уместилась и копна сена, и целая семья, вереницей движется домашняя живность — справная корова, козы, свиньи, гуси, куры… И так хочется, чтобы вся эта русская островная жизнь длилась и длилась, но, увы, миниатюра есть миниатюра. Да, собственно, что же такое остров как не миниатюра нашей земли, созданная Творцом.
Вообще, пристрастие Маши к современности, реальности как таковой, в сочетании с её умением передавать предметный, вещный мир с точностью и художественной убедительностью, уже сами по себе подвигают автора на создание миниатюрных живописных работ. И два детских портрета — Володи и Саши, стали замечательным воплощением достоинств её стиля. Эти нежные портреты целиком сосредоточены на личности детей, ничего лишнего, отвлекающего, только образ маленького человека, психологическая точность характера и обаяние детства.
Но не так-то просто приморским художникам избавиться от власти островов, они давно и прочно вошли в живопись многих. Миниатюры Анны Щёголевой в основном тоже созданы на эту захватившую её тему. Они изобретательны по сюжету и композиции, и, не смотря на небольшой формат, свободны в живописи, они наполнены яркими персонажами и характерными приметами островного быта. Вот возле пенька за бутылкой устроились мужик с тузиком — выпить, поговорить; вот баба Варя затеяла во дворе постирушку, опять же, вдвоем с бобиком; вот очарованная островом и собственными мечтами девушка пишет, устроившись в раковине, стихи, а специально для неё добрые ангелы опустили с неба на верёвочке луну… В миниатюрах Анны — удивительный сплав самой обыденной реальности и поэзии, причем все это озарено доброй улыбкой. Полный смысла и жизни мир, самодостаточный в каждом проявлении, что, собственно, и требуется для искусства миниатюры.
И в этом плане примечательны произведения Сергея Форостовского, художника с приморскими корнями, который ныне живет в Красноярске, что не мешает ему работать и выставляться в самых разных уголках России и за рубежом. Его натюрморты и пейзажи, будь это почти портретные по своей индивидуальности и живописной тщательности натюрморты с помидорами, или лиричные пейзажи с лодками, отмечены живым чувством натуры, способностью приблизить к зрителю кусочек действительности и превратить его в отдельное произведение. Конечно, автору в этом зримо помогают профессиональное владение композицией и цветовым пятном, что чрезвычайно важно, ведь в миниатюре счет идет на миллиметры.
Из произведений всех участников выставки, пожалуй, самым сильным лирическим настроением отличаются миниатюры Людмилы Убираевой. Это маленькие оконца в мир, где всё-таки царит свет, всё-таки неизбежно случается весна, ставится на подоконник расцветающая веточка дикой яблони и женщины выходят на улицу, чтобы радовать себя, природу и, конечно, художников. Работы Людмилы в жанровом смысле вполне можно назвать пленэрными — это скользящий отпечаток мгновенного впечатления, вибрирующего света и легких теней. Казалось бы, столь легкую, светоносную живопись невозможно удержать в жестких рамках миниатюры, но тем не менее она в этих рамках живет, дышит и напоминает нам, что в жизни есть и солнечная сторона улицы.
А вот работы Евгения Макеева, как и всегда, ускользают от сколько-нибудь определенного жанрового определения — это, скорее, изобразительные метафоры, знаки, пусть даже и вполне конкретные по содержанию, будь это откровенно не канонические Адам и Ева, рыбы или иллюстрации к изречениям Конфуция. И в этом художественное своеобразие его миниатюр, когда изящество рисунка, почти небрежного в своей уверенности, элегантность в раскладке цвета, сочетаются с лёгким, как бы игровым сюжетом. И когда всё это соединяется и воплощается на квадратике холста или бумаги, перед нами предстает маленькое графическое стихотворение, что-то вроде японского хайку. И в нём есть всё — состоявшаяся композиция, событие, поэзия, личная философия, а главное, присутствует сам автор — ироничный, наблюдательный, умный. В общем, такой, каким он предстает в своем «Автопортрете». Здесь Макеев с подлинным артистизмом, хотя и не без профессионального щёгольства, а при этом ещё и с оттенком самоиронии, показал возможности современного художника, которому близка и вполне по силам традиция академического искусства.
Когда заходит речь о миниатюре, то трудно предположить, что можно в этой связи вспомнить чистую абстракцию. Такова уж инертность традиции, да и вообще эстетического мышления. Но эта выставка, как я уже говорил, необычная, поэтому и появление абстракции стало возможным, благодаря работам Валерия Шапранова. Он представил впечатляющий по пластической насыщенности и цветовому напряжению коллаж из абстракций и несколько отдельных работ. Именно малый формат произведений ощутимо передаёт всю взрывную силу абстрактной живописи, всю непредсказуемую энергию линии, пятна и цвета, взятых в чистом виде.
И, наконец, ещё один эксперимент в жанре миниатюры — это фотографии Михаила Павина, который не устает, созидая новые формы и образы, ломать стереотипы фотографического искусства. Островные и индустриальные пейзажи, просто деревья, сжатые до нескольких сантиметров изображения, вдруг, если пристально в них вглядеться, предстают каким-то инопланетным ландшафтом. И возникает, справедливое, в общем-то, сомнение: так ли уж хорошо мы видим, знаем и понимаем открытый нашему взору мир, или, обладая даже стопроцентным зрением, мы бредём по жизни, словно слепцы из картины Брейгеля? Может быть, искусство миниатюры как раз и существовало веками для того, чтобы мы могли однажды действительно прозреть и новыми, чудесными глазами посмотреть вокруг.
Александр Лобычев
Арт-директор галереи «PORTMAY»
Галерея «PORTMAY»
Адрес: 690091, г. Владивосток, ул. Алеутская, 23А
Телефон: +7 (4232) 302-493, 302-494
URL: www.portmay.ru
График работы: без выходных с 10 до 19, вход бесплатный
В выставке графики в залах Приморского союза художников в декабре 2010 года участвовало более 30 художников. Представлено около 100 графических листов, выполненных в разных техниках. Рисунок карандашом, тушью, сангиной, акварель, пастель, гуашь; печатная графика — литография, линогравюра, офорт, ксилография; работы в смешанной технике и технике граттажа — разнообразие представленного материала вызывает уважение и к цеху художников, и к самому виду изобразительного искусства, дающего столь широкие возможности выражения творческого замысла.
Магическое пространство, в котором особым образом складываются отношения изображаемого предмета и плоскости, мастер графики В.А. Фаворский назвал «воздухом белого листа». В этом воздухе рождается искусство, в основе которого лежит линия, сочетания чёрного и белого, способность к штудированию натуры, передаче с помощью беглого наброска сути изображаемого. Оно изначально давало художникам практически неограниченную свободу творчества.
Как самостоятельная область искусства приморская графика сформировалась в 1960-е. Эстамп, линогравюра, офорт, акварель, ксилография появляются на краевых и зональных выставках. Темы этого периода — приморский пейзаж, рыбацкая тема, виды города, история страны. Они отчётливо звучат в нынешней выставке, давая примеры классической школы и мастерства К. Шебеко, Т. Кушнарёва, И. Кузнецова, В Чеботарёва, В. Олейникова.
В 1990-х проявляется тяготение художников к поиску формы, цветовых сочетаний, дающих серии работ, близких к абстракции. Техники, в которых работают Е. Макеев, В. Шапранов, И. Зинатулин, Л. Зинатулина, Е. Никитина, близки к живописи: гуашь, смешанная техника с использованием акрила. Тяготение к масштабным сериям отражает экспериментальный подход.
В последние годы появляется графика, в которой отражается специфика современной визуальной культуры и технологические возможности времени.
Хронологический диапазон выставки довольно широк: представленные работы датированы от 1970-х до 2010-го. Это позволяет увидеть некий срез искусства, сравниваемого исследователями с поэзией.
Куратор выставки — О. И. Зотова, кандидат искусствоведения,
доцент кафедры издательского дела и полиграфии
Института массовых коммуникаций ДВФУ
