Календарь с репродукциями Заслуженного художника России Сергея Черкасова
Сергей Черкасов родился в 1948 году в г. Артеме.
Член Союза художников России с 1987 года. Звание «Заслуженный художник России» получил в 1999 году. Работает в технике графики, акварели, живописи, много лет посвятил книжной графике.
Выставочная деятельность началась в 1988 году. В творческой биографии художника более 20 персональных выставок в России и за рубежом, участие в Международной ярмарке «Арт-Шанхай». Работы Сергея Черкасова хранятся в фондах Приморской государственной картинной галереи, Объединенного Музея им. Арсеньева, галереи «Арка», в корпоративных и частных коллекциях в России и за рубежом.
В последние месяцы уходящего года галерея «Арка» традиционно представляет календарь с репродукциями Заслуженного художника России Сергея Черкасова. Презентация новогоднего календаря, выставка новых работ и встреча с автором будет проходить в галерее три дня 24, 25, 26 ноября.
Создавая новые серии пейзажей города Владивостока, Cергей Черкасов продолжает главную тему своего творчества. Практически все календари художника только по форме могут быть названы календарями. По сути, это художественные произведения. В 1990 вышел его первый календарь с пейзажами Владивостока. С тех пор, каждое его календарное издание уникально. Многолетняя профессиональная деятельность Сергея Черкасова как книжного графика, художника с абсолютным графическим вкусом, делает листы календаря графически красивыми до изысканности.
В новом издании 13 репродукций натюрмортов, жанровых картин и пейзажей такого знакомого и незнакомого Владивостока. «Все имеет свою красоту, но не всякий ее видит…» Простое, незамысловатое изречение имеет самое прямое отношение к художнику, который как раз и заставляет эту красоту увидеть. В работах мастера знакомые улицы и морские пейзажи претерпевают образное смещение, в них присутствует множество скрытых смыслов. Художник предлагает каждому зрителю соотнести свое пространство, свой поток времени с теми, что живут в его картинах. Холодноватый, ровный, неяркий колорит полотен заставляет пейзажи представать перед нами в странных, зазеркальных образах. Меняются времена года, дуют ветра перемен, ломается городской ландшафт, исчезает вековая архитектура. В его работах только размышления о вечном, бесконечном и конечном. Поэтому городские пейзажи кажутся порой непривычными и неузнаваемыми. Художник сознательно не обращает внимания на современные здания, будто специально построенные на улицах Владивостока, чтобы закрыть море и небо, которые помогают человеку мечтать. Нет приземленности, суетности, подавленности. Мастер восторженно относится к тому, что видит: улицы, щербатые стены, ступени, корабли, и, глядя на его работы, сам немеешь от обожания старины и ощущения величия этого города на краю России.
Его достижения и успехи продолжают, обогащают дальневосточное искусство оригинальными творческими находками. Сергей Михайлович — единственный художник Владивостока, чьи полотна практически ежегодно ложатся в основу новогоднего календаря, оставляя нас целый год предаваться воспоминаниям об остановленных мгновениях ушедшего года.
Людмила Чеснокова
Адрес: ул.Светланская, д.5 Тел.: +7 (4232) 41-05-26, факс: +7 (4232) 32-06-63 www.arkagallery.ru и www.artnet.com/arka.html
Галерея открыта со вторника по субботу с 11:00 до 18:00
Видео-проект «В поисках аппендикса» представляет собой социологический тест: более 80 художников Санкт-Петербурга и Владивостока по памяти сделали рисунки контура границ России. Видео в наглядной форме сравнивает эти наброски и через них – различные представления художников из двух крайних точек РФ о размерах просторов своей родины.
В рисунка питерцев «аппендиксом» обычно становится п-о Муравьева-Амурского, карты владивостокчан «удаляют» Кольский п-о и Калининградскую область… о чем это говорит? Возможно, простая невнимательность, а, возможно, признак того, что мы живем в разных странах – «до Урала» и «после»…
Художники в данном проекте выбраны не случайно – это люди, ответственные за культуру, у которых, и это немаловажно для нашего исследования, есть профессиональные навыки изображать на бумаге свои представления о мире.
Видео-проект «В поисках аппендикса»
Арт-сообщество 33+1 – коллектив художников, работающий с контекстами бытования искусства в неком заданном пространстве (городском или галерейном). Цель нашего искусства: понять «дух» места, понять и учесть мнения всех людей, кто находится или будет находиться в пределах данного пространства (подготовленных и неподготовленных к восприятию искусства), потом, как итог этого исследования, найти некий символ места, и воплотить данный символ в художественный образ произведения искусства. Мы не исповедуем некий узнаваемый стиль, мы пропагандируем «контекстуальное» (а потому – экологическое) отношение к тому, что нас окружает.
Адрес: ул.Светланская, д.5 Тел.: +7 (4232) 41-05-26, факс: +7 (4232) 32-06-63 www.arkagallery.ru и www.artnet.com/arka.html
Галерея открыта со вторника по субботу с 11:00 до 18:00
Саламандрам назначено пребывание в огне,
сильфам — в воздухе, нимфам в текучей воде,
гномам — в подземных норах, однако для
существа, чьей субстанцией является
Блаженство, — дом везде. Х. Л. Борхес «Книга вымышленных существ»
Лидия Козьмина
Лидия Козьмина — это Марко Поло современного русского дальневосточного искусства. Книгой путешествий знаменитого венецианского купца, служившего во второй половине 13 века при дворе хана Хубилая, первого монгольского правителя Поднебесной, столетиями зачитывалась европейцы. Они стремились открыть для себя реальный Восток, но чаще попадали в мир невиданных племен и царств, мифов и легенд, фантастических растений и животных. Цивилизация разоблачила книгу Марко, отказав ему в правде очевидца и высмеяв автора как наивного странника и вдохновенного выдумщика, но и до сих пор не в силах уничтожить ее магическую поэзию. Вымыслы и фантазии путешественника, невольно сочинившего свой собственный Восток, за прошедшие века превратились в бессмертную книгу чудес, подобно сказкам «Тысячи и одной ночи».
Искусство Лидии Козьминой, кстати, не только побывавшей в Корее, Японии, Австралии, но и основательно пожившей в отдельных уголках Китая, по своей художественной сути тоже представляет собой живописную и графическую книгу ее волшебных путешествий, образы которой созданы из сплава реальности и мифа. Конкретные культурно-исторические факты и детали, а также мифическая поэзия разных времен и народов сплетаются в ее произведениях в один сюжет с рожденными воображением персонажами, диковинными существами и ландшафтами.
Надо сказать, Лидия не одинока в своих странствиях среди сказок и мифов, поток которых питает и современную жизнь, сохраняя в ней присутствие чуда и волшебства. И саратовская поэтесса Светлана Кекова, впустившая в свои стихи всех существ неба, земли, а особенно воды — реальных и мифических, явно побывала в тех же стихиях, что и художница из Владивостока:
Русалка движет под водой серебряным хвостом,
и ходит мельник с бородой, как бес перед постом.
И знаю я, и знает он всех рыб наперечет:
вот это — рыба-скорпион и рыба-звездочет,
вот еж морской в короне игл, а вот — рогатый бык,
а вот на дне, зарывшись в ил, лежит морской язык…
Творческие маршруты Лидии пролегают в культурных слоях разных эпох и народов. А начинались эти путешествия лет двадцать назад в библейских временах, в тридевятом царстве русской сказки, в таинственной глубине средневековых легенд, чтобы сегодня добраться и до восточных сокровищ. Говоря иными словами, художница уже в начале девяностых годов стала создавать в своих работах пространство и время мифа. При этом она опиралась не только на мировую мифологию, но и на конкретные художественные направления и стили, которые наиболее ярко проявились в эпоху декаданса и модерна, то есть в конце девятнадцатого — начале двадцатого веков. Английские прерафаэлиты, французские и немецкие символисты, графики санкт-петербургского «Мира искусства» и живописцы московской группы «Голубая роза», — этот роскошный веер модерна, веющий духом рафинированного эстетизма, пропитанного мифологией, фантазией и экзотикой, на рубеже новых веков раскрылся в руках Лидии Козьминой, словно он принадлежал ей по праву наследственности.
Отсюда ее внимание к древнему фольклору и народному лубку, к библейским сюжетам, запечатленным в иконописи и средневековых книжных миниатюрах, интерес к темам карнавала и сценкам площадного балаганчика, любовь к национальным образам мифотворческого сознания — от русской Лягушки-царевны и сказочного Серого волка до китайского Дракона и индийского Белого слона, предсказавшего рождение Будды. В пространстве мифического времени, созданном автором, нет ничего невозможного — здесь оживает культурная память человечества. Собственно об этом же и строки Кековой:
Пробудись же, красавица, встань,
посмотри, как на шелковом свитке
птица Феникс и птица Луань,
тихо плача, промокли до нитки.
Как влюбленный с синицей в руке
ждет во сне журавля до рассвета,
как колеблется в мелкой реке
мир в одежде зеленого цвета.
На своей персональной выставке Козьмина предстает постмодернистом в самом точном и глубоком понимании этого термина, как автор, объединивший и преобразивший достижения модерна в силу личных художественных устремлений. Модерн стал в этом случае всего лишь отправной точкой, опорой, поскольку ее мировоззрение и творчество находятся в постоянном развитии, метаморфозы для нее — это основной способ творческого существования. Лидия натура эстетически чуткая и восприимчивая, она способна найти свое в любой культуре, в любой сфере искусства, будь это японская гравюра укиё-э, буддийское наследие Тибета или даже рисунки аборигенов Австралии. Ее произведения, как правило, являют собой сложную изобразительную метафору, где реальная мировая история и мифология, а также советская и сегодняшняя российская действительность связаны весьма причудливым образом. Более того — сам автор участвует в этих необычных сюжетах, а точнее сказать, представлениях в качестве одного из героев. Так Лидия создает собственную мифологию.
В картине «Двойной портрет художников» она, со свойственной ее манере иронией, предстает в образе маленькой художницы, скромно сидящей перед холстом. На ней вишневое платье с диковинным узором, а на голове пышный, театральный букет. А вокруг — парад самых неожиданных персонажей: строгий джентльмен в жабо, цилиндре и черных очках, по облику интеллигентный Карабас Барабас, видимо, главный художник, ворона в ногах, ангелы по бокам и советские школьники, безумно колотящие в барабан и литавры. Сценка абсолютно абсурдистская, едва ли не в духе Хармса, но столько в ней захватывающей выдумки и тайны, столько неожиданных деталей, столько она пробуждает литературных и художественных ассоциаций, что трудно оторвать взгляд от этого экстравагантного балаганчика.
Собственно, тема балаганчика, а то и театра марионеток, столь излюбленная русскими поэтами-символистами и художниками «Мира искусства», не раз возникает в работах Лидии: комедианты, акробаты, какие-то соблазнительные циркачки пробираются, кривляются и кувыркаются на шестах и нитках, растянутых между пальцами невидимого режиссера. Произведения эти фантастичны по замыслу, изобретательны по сюжету и композиции, а фигуры, действия и характеры персонажей прорисованы и прописаны до резкой индивидуальности, словно роли для актеров. Карнавальные пьески Лидии обретают настолько выразительное воплощение, что вербуют в участники и зрителя, на которого вдруг накатывает приступ мудрой печали: кого наблюдаем, господа, уж не самих ли себя в суетном балаганчике жизни…
Необходимо подчеркнуть, что волшебство, гротеск, ирония и та странная, волнующая поэзия, которыми насыщены произведения Лидии Козьминой, становятся художественной реальностью только благодаря ее профессиональному отточенному мастерству, основанному на академической школе, и своеобразной творческой манере, истоки которой во многом тоже кроются в эпохе модерна. Орнамент в чистом виде и орнаментальность в сочетании с декоративностью встречаются почти в каждой ее работе. Культ рисунка, существовавший в искусстве модерна, оказался изначально присущ и таланту Лидии. Ее графические листы, выполненные, как правило, в смешанной технике с использованием акварели, туши, пера, а также и живописные полотна строятся на четком контурном рисунке. Но рисунок этот всегда стремится к узору, изысканным деталям, вроде орнамента на колоннах в работе «Мосты», или тщательно украшенных ножек сказочного ежика с дверкой в правом боку, которую так и хочется открыть. Ну а если ее открыть, то вполне можно увидеть и такой пейзаж:
Ночь да будет слепящей, пусть звезды немного косят,
над провинцией спящей летучие мыши висят.
Рыбам в длинной реке удержаться легко на плаву,
если лис пробежит и хвостом не заденет траву.
Там, в траве порыжелой, угрюмые бродят жуки
и ежи пожилые колючие мнут пиджаки.
И вращается время большим цирковым колесом.
Воздух Богом несом, и поэтому он невесом.
И поэтому всюду сорок распластались кресты,
и, послушные чуду, небесные воды чисты.
(С. Кекова)
Умение автора заполнить пространство листа или холста одновременно и декоративным, и сюжетным рисунком превращает ее работы не просто в произведения с ювелирной отделкой, но и в чудесные истории. Они разворачиваются перед глазами, словно старинные свитки, или рисованные от руки древние географические карты с изображением сказочных кораблей с мореходами, небывалых островов, фантастических животных, рыб и птиц.
Персональная экспозиция Лидии «История светлых времен», развернутая в галерее PORTMAY, включает три жанровых раздела, каждый из которых способен обернуться самостоятельной выставкой, — это живопись, графические листы и миниатюрные работы. Живописные полотна отличаются цельностью композиции и сюжетом, который хочется смотреть как захватывающую пьесу, плотным красивым письмом, подчас напоминающим перегородчатую эмаль, поскольку и здесь сказываются декоративные привязанности автора. А графические листы и миниатюры, как всегда, полны образами и персонажами самой изощренной фантазии. Но при этом настолько индивидуальными и убедительными в изобразительном плане, что, увидев однажды библейскую Сусанну в окружении сластолюбивых старцев, драконов разных пород и национальностей, саламандру, живущую в огне, сказочную акулу, глотающую целые корабли, взвод крысят-барабанщиков, восточного Хранителя древностей или фантасмагорических бабочек Будды, их уже не забудешь, детям можно будет рассказывать. Поистине мифическая вселенная Лидии стремится к бесконечности, как и поэтическое пространство ее литературной попутчицы:
Шиповника нежная рана видна сквозь нетающий снег,
двадцатого, в месяц нисана Господь остановит ковчег,
и ты, очарованный странник, изгнанник и вечный изгой
увидишь звезды многогранник
сквозь ставни с тяжелой резьбой.
Ты Библос увидишь и Фивы, и крикнешь, как Ной, в пустоту,
что листья двудомной крапивы у голубя сохнут во рту,
что Ноя послушное семя приветствует ангелов рать,
а нам — сквозь пространство и время
друг друга по имени звать.
И еще одна важная примета выставки: мифотворческая летопись автора от библейских преданий постепенно приближается к современности. И в этом плане чрезвычайно интересны картины, связанные со старым Харбином, еще хранящем атмосферу русской архитектуры и жизни, которой автор наполняет пространство этих работ, написанных с тонкой разработкой деталей, колорита и живописной поверхности. А такие холсты как «Южная сторона» и «Окна старого Харбина», мерцающие серебром, полные легких теней и светлых призраков, присутствие которых ощущаешь почти метафизически, открывают, как мне представляется, новую главу в творчестве Лидии. Хотя дуновение потустороннего ветерка ощущалось и в прежних работах, например, в знаковом полотне «Пастушка павлинов», или в портретах Ирины Пыжовой девяностых годов. Схожее чувство возникает и перед картиной «Тайна леса», на которой японские девочки, исполняя национальный ритуал, заняты созерцанием деревьев. Это тот редкий случай, когда эмоциональное и духовное содержание вещи гораздо больше собственно темы и сюжета. В самом ритмическом построении полотна, когда строй сидящих фигур перекликается со стволами и купами деревьев, в матовом колорите, где неуловимо взаимодействуют черные, темно-зеленые и серо-жемчужные тона, звучит музыка, доступная не слуху, но сердцу: «Что обрадует зренье? Узор ли извилистых линий — / птиц свободных паренье над сумрачной водной пустыней, — / или лиственный лес, наделенный способностью мыслить? / Не пугайся чудес, ибо их невозможно исчислить».
Александр Лобычев
Арт-директор галереи «PORTMAY»
Галерея «PORTMAY». Адрес: Владивосток, ул. Алеутская, 23А.
Телефон: +7 (4232) 302-493, 302-494.
URL: www.portmay.ru
Галерея работает без выходных с 10 до 19. Вход бесплатный.
Приморский краевой общественный благотворительный фонд «Мама» представляет
С 3 по 14 ноября в галерее современного искусства «Арка» пройдет фотовыставка «За нами — будущее». Это итог конкурса на лучшую любительскую фотографию с одноименным названием, организованном Приморским краевым общественным благотворительным фондом «Мама» в рамках IV Форума Матерей Приморского края «Счастье мамы — благополучие её детей».
На конкурс с 25 октября по 25 ноября принимались фотографии детей до 18 лет, которые сделали их счастливые и молодые родители. Основные цели проводимого мероприятия — развитие творческого потенциала молодежи, акцентирование её внимания на укрепление лучших семейных ценностей и традиций, любви и верности, создание предпосылок для возрождения духовности, приобщение молодых семей к идеалам морали и нравственности.
До 30 октября члены компетентного жюри отберут лучшие фотографии, наиболее полно отвечающие таким серьезным требованиям, как соответствие работы теме конкурса, уровень художественного исполнения, новизна и неординарность подхода, оригинальность замысла и творческое решение, яркость и выразительность сюжета, композиционное решение, текстовое сопровождение.
Выбор жюри будет непростым — ведь все работы делались с любовью и нежностью, и каждые родители мечтают увидеть фотографии своих чад на стенах выставочного зала престижной галереи. Но конкурс есть конкурс, и только авторам самых достойных любительских фото будут вручены памятные подарки и почетные грамоты на торжественном мероприятии, которое состоится 27 ноября в концертном зале «FESСO-hall».
Адрес: ул.Светланская, д.5 Тел.: +7 (4232) 41-05-26, факс: +7 (4232) 32-06-63 www.arkagallery.ru и www.artnet.com/arka.html
Галерея открыта со вторника по субботу с 11:00 до 18:00
Казалось бы, устаревшая пленочная фотография в наши дни вновь становится актуальной. Смысл данной выставки — попытаться отразить эту тенденцию. Представленных здесь фотографов объединяет стремление реанимировать аналоговую фотографию, отразить своё внутреннее видение момента (неважно о постановочной сцене ли речь или о репортажной съемке) на зернистой поверхности эмульсии плёнки — зафиксировать свет и остановить время. В прямом смысле этого слова.
Никаких цифр. Зерно**.
* Как синоним плёночной фотографии, в противопоставлении цифровой.
** Составляющее эмульсии, определяющее светочувствительность, контраст и оптическое разрешение фотоплёнки.
Куратор выставки,
Криворучко Максим
Артэтаж — музей современного искусства, ДВГТУ
График работы: понедельник-пятница с 10 до 18, суббота-воскресенье с 11 до 17
Адрес: 690950, г. Владивосток, ул. Аксаковская, 12
Телефон: 8 (4232) 60-89-02
В рамках проекта «Фотомарафон» персональная выставка фотографии Антона Бубновского
Антон Бубновский родился в 1973 году в городе Санкт-Петербург. В 1997 году окончил Дальневосточный государственный технический университет, где по сей день работает доцентом на кафедре радио, телевидения и связи. Кандидат физико-математических наук. Всю свою сознательную жизнь интересовался фотографией. Этот интерес однажды привел к тому, что он целый год изучал фотографию на факультете журналистики в Университете штата Канзас (США) и работал фотожурналистом в двух американских газетах. С 2000 года преподает фотографию в университетах города Владивостока.
Автор декларирует, что все его работы – это серия экспериментов в области восприятия изображения, цель которых – нахождение формулы хорошей фотографии. По мнению Антона Бубновского, хорошая фотография – это фотография, которая вступает в коммуникацию со зрителем и заставляет его смотреть. Причем меньше всего его интересует запечатленный объект. Интересен лишь результат – зритель посмотрел на фотографию, и в его голове в процессе восприятия возник сигнал, своеобразная команда: «смотреть». Ссылаясь на современные представления о физиологии зрения, Антон утверждает, что в процессе восприятия человеком изображения в области головного мозга возникает электрический сигнал. И чем правильней построено изображение, тем сильнее этот самый сигнал. Более того, он утверждает, что сигнал этот – это сигнал КРАСОТЫ. Именно чувствуя его, человек, глядя на изображение, восклицает: «КРАСОТА!»
Антон потратил много времени, изучая тот импульс, который заставлял его нажать на спуск. И хотя он научился реагировать на этот сигнал, это непонятное и необъяснимое чувство до сих пор плохо поддается анализу. Автор лишь отдает себе отчет в том, что желание снимать часто возникает в первую секунду восприятия. Но уже буквально через несколько мгновений то, что привлекло тебя в первый момент, утрачивает свою красоту. Для Антона Бубновского, как для фотографа, это практически катастрофа: не успел нажать на спуск в первую секунду – больше не захочешь. В чем же причина? При взгляде на изображение в первые секунды сознание тратит много усилий на построение пространства, его анализ и удержание в голове – происходит серьезный физиологический процесс, который и рождает этот сигнал. Антон Бубновский выставляет на суд зрителя работы, рожденные в первую (или даже часто единственную) секунду восприятия, потому сделаны они были во время непрерывного движения. Он утверждает, что все они вызывают тот самый сигнал КРАСОТЫ.
Очевидно, что сигнал по форме может быть различным, как и сама КРАСОТА. Сколько хороших фотографий – столько же и форм сигналов. Но если же провести параллели с музыкой или поэзией, то можно сделать вывод: для того, чтобы произвести впечатление, в сигнале должна быть гармония. Гармония может быть создана различными способами. Предмет и его символичность сильно отвлекают зрителя и часто мешают услышать эти звуки. Понимая это, автор иногда пытается избегать узнаваемости предметов. Гармония, если она есть в снимке, заставляет смотреть на фотографию долго и рождает ощущения, которые, по мнению автора, лучше всего можно описать поэтическими строками. Поэтому Антон Бубновский будет признателен зрителю, если он попытается выразить впечатления стихами.
Адрес: ул.Светланская, д.5 Тел.: +7 (4232) 41-05-26, факс: +7 (4232) 32-06-63 www.arkagallery.ru и www.artnet.com/arka.html
Галерея открыта со вторника по субботу с 11:00 до 18:00
Приморская государственная картинная галерея представляет персональную выставку Виталия Лаханского
Выставочный зал:
г. Владивосток, ул. Алеутская, 12
15 октября 2009 г. в 16.00 Приморская государственная картинная галерея представляет персональную выставку известного приморского художника, члена Союза художников России, председателя Находкинской организации Союза художников России Виталия Лаханского. На выставке экспонируются более 30 произведений из мастерской художника, созданных за последние два года в различных жанрах и техниках.
Главной темой творчества мастера остается море, морское побережье и его обитатели. Художник сумел создать оригинальный художественный образ, отражающий «душу города» у моря. Город в его работах предстает как современный динамичный организм, видимый то с высоты сопки, то с высоты птичьего полета. Его работы отличаются высоким профессионализмом, оригинальностью композиций. Стремясь к нестандартным художественным решениям, художник сознательно усиливает декоративные возможности яркого чистого цвета.
В этом году художник путешествовал по России, что позволило создать серию работ, воспевающих красоту среднерусской полосы России – живописные уголки Суздаля, Подмосковья.
Виталий Павлович – участник многочисленных всероссийских и международных выставочных проектов. Его работы находятся в музеях, частных собраниях России и за рубежом.
Дополнительную информацию можно найти на сайте www.primgallery.com или в собственной газете «Картинная галерея».
Приморская государственная картинная галерея представляет персональную выставку известного приморского художника Алексея Плешивцева.
Выставочный зал:
г. Владивосток, ул. Алеутская, 12
Экспонируются около 50 произведений из фондов галереи и мастерской художника, написанные в разное время и в разной технике.
Алексей Иванович — член Союза художников России, заслуженный работник культуры РФ, член Шикотанской творческой группы, участник выставок всех рангов.
Главные темы творчества Плешивцева — искусство, историческое движение эстетической мысли, религия и духовное совершенство. Его работы, кроме современности, отражают мифологические и библейские мотивы, по-своему воссоздают целостную картину мира. Каждый сюжет — это исследование жизни в ее вневременном, философском звучании.
Основные работы находятся в Фонде Союза художников РФ (Москва), Приморской государственной картинной галерее (Владивосток), Читинском областном художественном музее, Бурятском республиканском художественном музее им. Ц.С. Сампилова (Улан-Удэ), Магаданском областном краеведческом музее, в частных собраниях России и за рубежом.
Дополнительную информацию можно найти на сайте www.primgallery.com или в собственной газете «Картинная галерея».
«Работы созданы в пространстве, наполненном Морем,
Солнцем, Песками, Звёздами, Небесами и Горизонтами». В. Хмелик
Виктор Хмелик родился в 1959 году во Владивостоке. В 1985 г. окончил Владивостокское художественное училище. Работает в жанре фотографии, инсталляции, графики, дизайна. Победитель в региональном семинаре «Реклама-96», призер фестиваля «Реклама-97» в номинации «Графический дизайн». Победитель «Реклама – 98» в номинации «Фирменный стиль. В 1988 – 92 гг. оформил ряд книг в Дальневосточном книжном издательстве и параллельно занимался керамикой. 2000 г.- Гран-При, Международный фотосалон в Новосибирске. 2002 г. — бронзовая медаль в номинации «Компьютерная фотография» Международный фотосалон в Новосибирске. Работы выставлялись в Новосибирске, Москве, Санкт-Петербурге, Шанхае, Венеции, Майами.
Галерея Арка представляет выставку графических работ известного художника, романтика и философа Виктора Хмелика, более известного зрителю выставками фотографии, а также стильными дизайнерскими работами и календарями. Поводом для выставки произведений 1990-х годов, которые уже давно находятся в частных коллекциях, послужила юбилейная дата автора: Виктору Хмелику исполнилось 50 лет. Графику Виктора Хмелика можно было видеть на молодежных выставках, которые проходили во Владивостоке в конце 80-х – начале 90-х годов. С тех пор, автор, если и обращался к этому направлению своего творчества, то нигде не представлял работы. Творческое и человеческое кредо Виктора Хмелика в его словах: «Человек, как бабочка – чтобы не происходило, его постоянно тянет к свету. Исходя из этого постулата, мне всегда хочется делать различные вещи, которые приносили бы ему радость бытия».
Адрес: ул.Светланская, д.5 Тел.: +7 (4232) 41-05-26, факс: +7 (4232) 32-06-63 www.arkagallery.ru и www.artnet.com/arka.html
Галерея открыта со вторника по субботу с 11:00 до 18:00
Природа готовит заране,
с талантом ты явлен иль без,
листок подорожника — к ране,
к разладу душевному — лес… Геннадий Лысенко
И всякий раз, когда смотришь на пленэрные работы, собранные на осенней традиционной выставке в галерее PORTMAY, возникает мысль: почему каждый состоявшийся этюд, пусть даже и написанный автором едва ли не на том же самом месте и тот же день календаря, что и в прошлом году, оставляет ощущение открытия, новизны и свежести окружающего мира? Откуда в пленэрной живописи возникает это чувство первозданности, сиюминутности происходящего, когда именно сейчас, прямо на твоих глазах набежавший ветер отправляет в полет стаю березовой листвы, розовые облака встают над кромкой дальнего леса, а отхлынувшая волна острова Попова обнажает всю в струении воды и бликов гряду прибрежных камней? Ответов, наверное, может быть немало, хотя, конечно, не найти исчерпывающего. Но ясно одно: когда пейзаж принимает художника в свое живое, полное птичьих голосов, света и ветра пространство, когда они смотрят в лицо друг друга, только тогда и возникает между ними таинственная связь, неслышимый, но зримый разговор. И вспомнить, повторить эту беседу затем в мастерской зачастую бывает невозможно.
Может быть, поэтому замечательные этюды, которые спустя какое-то время художник пытается перевести в большой формат, написать, что называется, картину с большой буквы, убрав торопливые небрежности и профессиональные, как ему видится, промахи, внезапно гаснут. И случается такое довольно часто. Из этих, казалось бы, наскоро, под горячую руку схваченных кистью сюжетов уходит трепет воздуха и света, мерцание дождя, волшебное голубое сияние сопок и шум прибрежной полосы. Пленэрная живопись — это любовь между художником и пейзажем в продолжение обоюдного взгляда, она не переносит разлуки.
Нынешняя выставка «Свет и воздух» включает работы двадцати художников, и хотя основной состав участников счастливо определился еще в предыдущие годы, но, как и всегда, появились новые, и среди них Владимир Олейников, подлинный мастер лиричной акварели, тонко чувствующий саму душу этой сложной и нежной техники. В каждом из его листов живет особое настроение, своя музыка пейзажа, будь это шквальный темно-синий ветер с моря, или поющая тишина необъятного небосвода над двумя деревенскими домиками, стоящими на косогоре.
Ольга Шапранова тоже впервые представлена в галерее пейзажем с лесной дорогой, написанным на острове Попова, — прозрачным, светлым, словно звенящим от стеклянного знойного воздуха, перемежаемого солнечными пятнами и душистыми тенями. А работы другого новичка пленэрной экспозиции — Михаила Фролова, выразительно использующего живописные традиции шикотанской школы, звучат совсем по иному: в них приморский берег предстает мощно, крупно, когда за силуэтом сопки или скалы вдруг открываются головокружительные океанские горизонты.
Надо сказать, что остров Попова все больше привязывает к себе художников, и спасибо ему за это, поскольку они привозят оттуда настоящие островные этюды, со своими мотивами, колоритом и даже героями. Евгений Макеев и Маша Холмогорова на нынешнем пленэре четко определились с этими самыми героями — это островные деревья, как правило, одинокие, прибрежные камни и близлежащие острова, и, наконец, необычайно живописные дождевые лужи, на которые Макеев положил глаз еще в прошлогодний пленэр. По сути, их островные работы представляют собой живописные вариации нескольких мотивов, когда самое пристальное внимание уделяется состоянию воздуха, оттенкам неба, воды, летней зелени и земли. Серо-лилово-сиреневая гамма работ Евгения, с вкраплениями желтого и оранжевого, и чуть более сдержанная палитра Маши, с холодными темно-зелеными и коричневыми тонами, — это тонко разработанный цветовой портрет островного моросящего лета. Искусство натурной живописи в чистом виде. Чудесная традиция, идущая еще от Клода Мане с его сюитами стогов и кувшинок в пруду.
Какое все-таки счастье для ценителей живописи, что у каждого художника свое устройство зрения, свои темперамент и художественная манера, потому что работа, например, Валерия Шапранова, написанная там же на Попове, дает нам совершенно иной облик острова. Его поселок, состоящий из прижавшихся друг к другу домиков, противостоящих ветрам, напоминает сверкающую гроздь кристаллов, нависшую над темно-зеленой бездной океана.
Такое же кристаллическое, будто увиденное с помощью аэросъемки, композиционное и живописное построение у гуашей Виктора Серова. Бухты, мысы, скалы Сидеми в его работах настолько фантастичны и полны величия, словно существуют они не в Приморье и не на побережье Японского моря, а в космосе. Столь же насыщены цветом и полны пространства картины Ирины Ненаживиной, напоминающие куски океана, выхваченные автором из реальности вместе с горизонтом.
Вениамин Гончаренко, один из первооткрывателей знаменитой своими художественными традициями Андреевки, которая возникает на многих и многих его этюдах, истинный виртуоз пленэра, представлен на выставке четырьмя работами, как всегда, роскошными по своим живописным достоинствам. Ему, как и другим мастерам русской, а затем и советской традиции, присуще стремление и умение даже небольшой этюд, дышащий непосредственным впечатлением от натуры, превратить в законченное, ограненное живописное произведение.
Столь же эмоциональное переживание цвета, которое выливается в экспрессивный мазок, свободное движение всей густой живописной поверхности, свойственно и картинам Ильи Бутусова. Три его холста, тоже посвященные побережью, морю, буквально лучатся светом, словно прорвавшимся сквозь хрустальную призму или кусок прозрачного льда. Художник явно не столько озабочен воспроизведением внешнего облика природы, сколько обнажает ее внутреннюю структуру, состоящую из гранул чистого света и цвета. Постоянная любовь автора к белому вообще превращает его полотно «Надежда» в сплошной поток сияющего белого цвета, одновременно материального, осязаемого и вместе с тем удивительно одухотворенного, несущего на своем гребне легкую, как упавшее перышко чайки, знаменитую парусную шхуну со столь романтичным и морским именем.
С каким-то вдохновенным, радостным чувством открывает возможности белого и Виктор Убираев, зачастую используя просто загрунтованный холст. Его пейзажи, написанные в зимней Анисимовке и в летнем Сидеми, полны приморского воздуха, который то морозно светится февральской изморозью над деревенскими улочками и сопками, то влажно переливается в дымке прибрежного тумана. Среди его холстов в этой экспозиции есть и такие, где автор вдруг меняет свою манеру письма — текучую, импрессионистическую, и начинает буквально выкладывать мазками играющие цветной мозаикой пленэрные натюрморты, такие, например, как «Подсолнухи» или «Караси». Сидеми — постоянное место этюдов и для Сергея Барсукова, чьи пейзажи отмечены верностью деталям натуры, хорошо передают саму атмосферу этого пропитанного творческим настроением побережья.
Но пока речь у нас шла о художниках, творчески связанных с южным Приморьем, а вот Евгений Пихтовников любит забираться с этюдником на север, в район поселков Терней и Кавалерово. И удивительно, как меняется природный ландшафт в его работах, колорит и сама психологическая атмосфера пейзажей. Художник блестяще владеет традиционной техникой письма, его горизонтальные полотна с разливами таежных рек и бескрайними болотами, притягивают сумрачной красотой природы, существующей наедине с собой. Маленькие, почти крохотные этюды Александра Бондаря тоже написаны чаще всего в глухих таежных уголках. Всего несколько стремительных движений кистью, едва ли не по счету брошенных мазков, — и на картоне возникает зимовье, одинокая елка, берег ручья — образ заповедного Приморья.
А Геннадий Кунгуров и Аня Щеголева и вообще устремились нынче на пленэр за пределы Дальнего Востока. Геннадий привез несколько десятков этюдов из поездки на Байкал, где успел побывать даже на легендарном острове Ольхон, а вот Аня работала в средней полосе России — в Калужской области. Помимо того, что этюды этих двух авторов относятся к числу самых удачных в их творческом багаже, они удивительно точно передают пейзажные приметы и особенности этих российских территорий.
Бирюзовая гладь Байкала, заснеженные вершины хребта Хамар-Дабан, песчаные дюны Ольхона, поляны белых маков и оранжевых жарков — все это этюды Кунгурова, созданные уверенно, пластично, с чистым звучанием цвета. А такие работы Щеголевой как «Мостик», «Лучи», «Радуга», словно ностальгическое, трогающее сердце каждого русского человека воспоминание об оставленной когда-то предками центральной России, с ее лугами, перелесками на горизонте и спокойным, наполняющим душу раздольем.
И еще раз невольно порадуешься художественному разнообразию пленэрной экспозиции, потому что кроме уже названных авторов, зрителя ждет встреча с традиционными по духу и живописному исполнению картинами Виталия Медведева, сочными, фактурными этюдами Сергея Горбачева, экспрессивными работами Андрея Обманца и, конечно же, веселой, жизнерадостной живописью Владимира Погребняка.
Глубоко индивидуальное творчество приморских художников вместе с тем проникнуто единым чувством, которое выразил поэт Геннадий Лысенко, чьи строки вынесены в эпиграф. И, продолжая эти стихи, хочется ими и завершить наш разговор о выставке, о пейзаже,
«в котором растенье любое
имеет законченность черт;
все это зовется любовью,
хотя и не требует жертв».
Александр Лобычев
Арт-директор галереи «PORTMAY»
Галерея «PORTMAY». Адрес: Владивосток, ул. Алеутская, 23А.
Телефон: +7 (4232) 302-493, 302-494.
URL: www.portmay.ru
Галерея работает без выходных с 10 до 19. Вход бесплатный.
