Работы написаны в Анучинском районе Приморья в 2001-2003 годах. Это мои первые художественные опыты с природой Приморья. Как художник я формировался на Урале, в другом географическом пространстве, поэтому было трудно заключить в образы новые ощущения, связанные с некоторым потрясением от новизны и необычности местной природы. Но эти работы уже часть моей биографии и все они находятся в частных собраниях, живя своей жизнью. Написаны в моей любимой смешанной технике и ещё имею надежду, что благодарному зрителю будут понятны мои ощущения.
Джон Кудрявцев
Вторая часть персональной выставки Тимофея Кушнарёва «Акварели» демонстрирует искусство сочное, имеющее право называться живописным. И не случайно: разносторонний и очень интересный график Тимофей Кушнарёв начинал работать как живописец.
Его первые полотна были масштабными тематическими картинами. Одно из детских впечатлений дочери художника – натянутый на подрамник холст в комнате (тогда у Кушнарёва ещё не было своей мастерской). Вечером, когда дневной труд был закончен, недописанный холст не убирался. В этой же комнате был телевизор, который смотрели по вечерам. Картина служила досадной помехой для ребёнка, желающего приобщиться к семейному просмотру телепередач.
Часть живописных работ была посвящена излюбленной теме – морскому пейзажу, так мастерски потом отражённому и в акварели. В 1961 году Тимофей Митрофанович стал участником выставки художников-маринистов РСФСР и после неё 3-й Всесоюзной выставки художников-маринистов.
Увлечение акварелью пришло в 1970-х. В 1970-м году с успехом проходит юбилейная персональная выставка художника, а в 1974 году он участвует в крупных выставках акварели: 1974-й – выставка акварели «Индустрия Караганды и Темиртау», 1976 – 4-я Всесоюзная выставка акварели, 1978 – выставка акварели и рисунка в Ленинграде.
В представленную серию вошли акварели разных лет.
Куратор выставки Ольга Зотова,
Доцент кафедры Издательского дела и полиграфии ДВФУ,
кандидат искусствоведения,
член Союза художников России
Персональная выставка Тимофея Кушнарёва — возможность вспомнить, а для кого-то познакомиться с творчеством удивительно светлого, лиричного художника, работавшего во Владивостоке во второй половине ХХ века.
В приморское искусство участник Великой Отечественной войны, живописец и график, Тимофей Кушнарёв пришёл в 1952. Он поступил во Владивостокское художественное училище в 1947 году сразу же после ухода в запас. По окончании училища начал работать в Художественном фонде Приморского союза художников. Пришедший в профессию позже, чем его сверстники, Тимофей Кушнарёв оказался художником по своей сущности. По внутреннему складу, по интуитивно ощущаемому внешнему миру вещей и обстоятельств, которые в его тонких и светлых акварелях, в точном рисунке графических листов представали в новом для зрителя качестве.
Это ощущение, не побоимся пафоса, было дано свыше. С самого начала ничто, в общем-то, не способствовало выбору творческой профессии. Чрезвычайно скудное детство в многодетной семье, война. Кушнарёв прошёл всю Отечественную в западной части страны, после Великой Победы дослуживал в Манчжурии и на Сахалине, демобилизовался в 1948 году, когда уже многие определились в мирной жизни. Ему, почти тридцатилетнему, надо было начинать заново, и он …идёт в художественное училище, подчинив свою дальнейшую жизнь исключительно изобразительному искусству.
Первая мастерская в Доме художника была общей. Индивидуальная появилась много позже в 1970-е, когда он уже был участником всех зональных выставок «Дальний Восток». На его столе всегда краски, этюд — только что вернулся из творческой поездки… К слову, поездки были для художника, не получившего в силу сложившихся обстоятельств (возраст, необходимость содержать семью) высшего образования, возможностью творческого поиска, расширения горизонтов, эксперимента с новой натурой. Кушнарёв ездил сам, с группой акварелистов, был в заездах на Челюскинской даче. География — Байкал, Прибалтика, конечно, Приморье. Критически относящийся к себе, он всегда восхищался тем, как много работают художники Москвы, Ленинграда. Он очень любил русское реалистическое искусство, следовал традициям русской школы. Общение в процессе творческих поездок с художниками других регионов помогало Тимофею Кушнарёву точнее увидеть и оценить то, что делает сам. И от этого рождалось стремление пробовать новое.
В одном из интервью местной прессе в 1970-х Тимофей Кушнарёв говорил: «Себя нужно искать. Искать в любом материале. Работал маслом, акварелью, этим не ограничился. Перешёл к офорту, эстампу, гравюре». Сотни графических листов, выполненных в разных техниках, — свидетельство этих поисков. В своей книге «Художники Приморья» Виталий Кандыба пишет: «В 1960-е графика оформилась как вполне самостоятельная область искусства Приморья. Качественно новый этап начался с появления и развития всех видов эстампа». И называет одного из состоявшихся мастеров линогравюры и офорта Т. Кушнарёва.
Он не был громким, многословным. Пристально рассматривая в лупу офорты Рембрандта, рисунки К. Кольвиц, изучал мельчайшие детали работ. Его профессиональная грамотность вызывала уважение. По–военному дисциплинированный, в душе он оставался большим поэтом, тонким лириком, высказывание которого звучало в акварелях. Даже индустриальные пейзажи (серия «Шахты Караганды») окрашены этим лирическим звучанием.
Отдельной темой в творчестве был город. Владивосток, ставший для родившегося в Амурской области художника родным, предстаёт в его работах многоликим и удивительно красивым. Яхты, Спортивная гавань, парк Минного городка, улицы, пирсы и доки, корабли и причалы, гроза над заливом, влажное утро и одинокий мальчишка, мечтающий на набережной о будущей профессии — в работах Тимофея Кушнарёва есть всё, что позволяет создать настоящую художественную поэму о городе.
Художника нет с нами. Но начатая им линия продолжается: его дочь Людмила Убираева — участница многих выставок в Приморье и за рубежом, член международной ассоциации «Цветы мира». В отличие от отца, она о выборе профессии не задумывалась. Это было само собой разумеющимся обстоятельством. С первых лет жизни она наблюдала за тем, как работает Тимофей Кушнарёв. Вот уже более 30 лет и сама преподаёт во Владивостокском художественном училище, воспитывая новых художников. Вместе с ней подготовлена представленная выставка. Она состоит из двух частей: в первую вошли линогравюры, рисунки и акварели, посвящённые Владивостоку. Во вторую часть — акварели с пейзажами Приморского края.
Куратор выставки Ольга Зотова,
Доцент кафедры Издательского дела и полиграфии ДВФУ,
кандидат искусствоведения,
член Союза художников России
Вот уже скоро год как Игорь Соколов, также известный как Синус, в пути! Он как и всегда совершает одиночное путешествие на мотоцикле. Попытки выведать куда же он всё-таки едет наталкивались на ответ — до упора и вот уже год как «упор» не наступает. Раз в несколько недель он присылает нам фотографии, и мы следим за ним по карте. Последнее его послание было откуда-то из Грузии, которую, мы надеемся, он благополучно миновал. Поэтому скорее всего он здоров и по-прежнему упитан =).
В 2007 году Игорь совершил путешествие по маршруту: Владивосток — Китай — Россия — Монголия — Непал — Индия — Пакистан — Афганистан — Узбекистан — Туркменистан — Иран — Азербайджан — Дагестан — Чечня — Санкт-Петербург — Владивосток. Фотографии из части этой поездки представлены ниже.
Координаторы проекта «Арт Владивосток»
Персональный сайт Игоря Соколова: sinus.vl.ru
Путешествие в страну драконов и фей, или иначе во Вьетнам, сегодня не является чем-то экзотическим. Увлекательно и доступно (по цене и маршруту из Владивостока: прямые рейсы доставят вас и в Ханой, и в Нячанг). Форумы пестрят отзывами о качестве обслуживания на курортах, вьетнамской кухне, ценах и прочих вещах. И всё же каждый получает своё собственное впечатление о стране, имеющей удивительную историю, неповторимую природу, самобытные, бережно хранимые традиции. Взять камеру в руки и не выпускать её ни на минуту — естественное желание человека, стремящегося материализовать свои впечатления. Фоторепортаж — небольшая их часть.
Впечатление 1
Для начала два слова о поэтическом названии, содержащего метафору. Дракон и Фея — не просто так. Дракон — символ императорской власти, защитник страны, а в истории — основатель рода вьетов, то есть прародитель вьетнамцев. От слова «дракон» образованы многие названия. К примеру, знаменитый залив Халонг переводится — «там, где дракон спустился в море». Столица Вьетнама Ханой, отметившая в 2010 году 1000 лет, в древности называлась Тханг Лонгом, что в переводе означает «город взлетающего дракона». Многие вьетнамские топонимы содержат слово Лонг — Дракон.
Что же Фея? Она верная спутница Дракона, мать вьетов. Легенда гласит: тысячи лет назад сильнейший сын Дракона Лак Лонг Куан убил морское чудовище, обосновался на побережье и женился на Фее Ау Ко. От них появились на свет сто детей. Прожив много лет в согласии, Дракон и Фея всё же решили, что каждый должен быть в своей стихии. Дракон — у моря. А Фея — в горах. Пятьдесят сыновей последовали за отцом к морю, другие остались с матерью в горах. Самый старший сын был провозглашён Королем удивительной страны, названной Вьетнамом.
Дети расселились по ней, сумев объединить и обиходить и влажный, солёный морской берег, и высящиеся в прозрачной дали горы…
Возвращаясь к впечатлениям, скажу, что эта легенда — суть отношения вьетнамцев к своей стране в каждой мелочи: в стремлении к гармонии с природой даже в урбанизированном городе, в жизнерадостном приятия жизни во всех её проявлениях, в любви к своим близким. Бамбуковый шезлонг на пляже или зонт из пальмовых листьев, рисунок из гальки и ракушек, выложенный на бетонированной дорожке, ведущей к морю, беседка в форме раковины, множество цветов — всё говорит о внутреннем единстве с истоками.
Впечатление 2
Жизнь улиц. Думаю, рассказом о байках, запрудивших дороги городов, вряд ли удивишь побывавших в Азии. Но знаменитый Тет (вьетнамский новый год), когда всё население больших и малых городов стремится на улицу, продемонстрировал сверхъестественные способности: на одном из байков, влившихся в общий поток на повороте, восседала вся семья — пять человек, включая двух детишек, выехали на людей посмотреть и себя показать.
К слову, количество двухколёсных машин стало поводом для раздумий об экономике. Средняя зарплата подавляющего большинства — не более 200 американских долларов в месяц. Байк стоит около 1000 долларов. Возможность заработка для подавляющего большинства вьетнамцев в городах — ведение своего бизнеса: ресторанчик, магазин (точнее, микроскопическая продуктовая или вещевая лавка), парикмахерская, что угодно, что дает трудовую копейку (извините, донг). Видимо, экономика малых дел оказывается успешной.
Это обстоятельство порождает ещё один феномен, на сей раз архитектурный. Большой участок земли недоступен по цене большинству вьетнамцев. Но свой дом — это панацея от всего, поскольку в первом этаже как раз и находится искомая лавка-парикмахерская-ресторан. Покупают прямоугольник, выходящий фасадом на улицу, этажи идут вверх, нависая над первым, который обычно меньше по площади, чем верхние. Зрелище удивительное и подчас забавное. Дом такой архитектуры называют «дом-труба». В старых кварталах Ханоя можно встретить небольшую гостиницу подобного типа, имеющую 14 (!) этажей. А ещё жизнь улиц — это непринуждённое времяпровождение в этих самых лавках и магазинах.
Впечатление 3
Далат. Вряд ли есть смысл описывать город, рассказывать его историю. Французская дача, построенная в колониальные времена, сегодня даёт, пожалуй, самое яркое представление о синтезе культур. Находящийся на высоте около 1500 метров в чистом воздухе гор, окружённый виноградниками и кофейными плантациями, оранжереями, в которых растут тысячи цветов, он носит соответствующее название — Город тысячи цветов. Есть и другие — Город любви, Город Весны, Город цветущих персиков…
И снова о гармонии с природой: знаменитые водопады Далата, Парк цветов и, конечно, парк пагоды Thien Vuong Co Sat — всё подчеркивает умение жить рядом с природой, жить в ней.
Отельным штрихом оказался Сумасшедший дом. Вьетнамцы относятся осторожно к этой достопримечательности. Но любители авангарда стремятся рассмотреть каждую деталь необычного сооружения, включая искусственную паутину рукотворного сада около дома. Творение Данг Нга, дочки партийного лидера социалистического Вьетнама, получившей образование в Московском архитектурном институте, навевает мысли об архитектуре Гауди, получившее вдруг некий сюрреалистический оттенок. Комнаты, в которых есть спальное ложе, сервированный для чая столик, замысловатые шторы, вызывают смешанные ощущения у тех, кто задает себе вопрос «Кто может жить в этих комнатах?». Ответ одинаков.
В Сумасшедшем доме, получившем своё название за экстравагантную архитектуру, никто и никогда не жил. Это аттракцион для любителей необычного: женщина-архитектор дала волю фантазии. Она превратила комнаты в пещеры, бетонные столбы — в деревья. Гигантский жираф «проглотил» чайную комнату, а с потолка свесились сталактиты… Хотя традиции соблюдены: алтарь предков находится на видном месте в зале-гостиной для туристов.
Впечатление 4
О Большом Будде и рыбаках. Статуя Большого Будды находится на территории буддийской пагоды Лонг Шон в Нячанге. Восседающий на большом цветке лотоса Будда невозмутим, он вписан в рисунок облаков январского неба или выделяется чётким силуэтом в синеве лета. Замечательный вид на залив рыбацкими лодками открывается во всей широте. Когда-то пагода называлась «Дан Лонг Ту» , в переводе «Медленно Летящий Дракон». Пагода была построена в 1886 году монахом Нго Чи. Вокруг постамента статуи — изображения буддийских монахов, совершивших обряд самосожжения в знак протеста режиму Нго Динь Зьема. Это самая известная пагода в провинции Кхань Хоа, столицей которой является город Нячанг.
Кажется странным протест тех, кто исповедовал религию, в основе которой — вера в кармический порядок вещей. В этой ситуации логичным следованием этому порядку кажется поведение женщины, ждущей рыбака. Вьетнам наполнен образами — будь то сувенир, инкрустированный ракушкой, или дорогая картина, вышитая шёлком на обладающей мировой известностью фабрике шёлковых картин, — женщин в национальном остроконечном головном уборе. Они ждут своих мужей, ушедших в море, дающее им заработок. Море оказывается иногда не ласковым, и не возвращает мужей. Драматическое ожидание превращается в национальную историю — воплощённую в декоративно-прикладном искусстве, фотографии, национальной кухне и прочих вещах. Рыбацкую деревню можно увидеть изнутри, приехав на пляжи Нячанга. Пальмовая крыша уходит в самую волну, под ней – незамысловатый ресторанчик с длинными рядами пластиковых стульев, плещущийся в садке рыбный ассортимент, неизменный гамак, в котором в жаркий час отдыхает персонал.
Впечатление 5
Халонг. В путеводителе вы прочтёте: учёными доказано, что Халонг — одна из колыбелей человечества в этой местности. Несколько тысяч лет назад здесь жили люди. Сегодня это Мекка для туристов. От набережной ежедневно отправляется несколько сотен судов всех размеров и мастей. И каждый открывает для себя удивительный залив, в котором невозможна большая скорость, потому что две тысячи островов делают маршрут слишком сложным и очень красивым для любого мореплавателя. Здесь ловят рыбу в морской деревне, размещенной прямо на поверхности моря. Незамысловатые жилища и даже детский сад — здесь же, на понтонной поверхности. Здесь выращивают красивейший жемчуг, здесь принимают туристов всей планеты… На скалистой поверхности одного из островов табличка — «Наследие ЮНЕСКО». Впрочем, описать Халонг словами невозможно. Любой путеводитель — это лишь стрелка, указующая путь.
P.S. О жёлтых хризантемах и мандариновых деревьях, которыми наполняется Вьетнам в канун восточного нового года, о самом длинном мозаичном панно, украсившем Ханой в честь 1000-летия и вошедшем в книгу рекордов Гиннеса, над которым работали художники столицы, о крокодилах и слонах не сказано. Лучше один раз увидеть…
Ольга Зотова
Выставку, которая представила бы одно из направлений городского пейзажа, исключительно цельного, глубокого по смыслу, последовательно воплощаемого — пейзажа, представляющего храмы России, владивостокский художник Владлен Камовский задумал давно.
По разным причинам она откладывалась. И вот, благодаря поддержке фонда «Русский мир», стала возможной небольшая по объему, но очень выверенная, точная по звучанию во времени экспозиция. В неё включены 20 работ — церквей и соборов Ленинграда (годы создания работ 1978 и 1987, поэтому в подписи к работам использовано название, которое в те годы носил город), Москвы, Нижнего Новгорода, Трускавца, Владивостока. Датировка (самые ранние работы относятся к 1970-м годам) позволяет судить об искренности в увлечённости темой. В период господства соцреализма, не допускающего свободомыслия и частных интересов, во время богоборчества художник с истовым упорством пишет храмы в каждом из мест, где доводиться быть.
Причина тому — не нонконформистские протестные настроения, которые могли бы увести живописца совсем в иные дали, а внутреннее чувство основ, ощущение истинности, чувство красоты. На вопрос, почему вдруг сформировался такой стойкий интерес к храмовой теме, Владлен Александрович в одной из бесед признался: «Спешил успеть написать… Боялся, а вдруг разрушат такую красоту, и больше увидеть не доведётся…».
Смольный монастырь, Александро-Невская лавра, церковь Екатерининского дворца в Царском селе, Собор у Балтийского вокзала, Исаакий, церковь на Мойке в Ленинграде, церкви Нижнего Новгорода, собор Василия Блаженного в Москве, часовня Святой Татьяны, храм Серафима Саровского, храм Казанской Божией матери, собор Успения Божией матери, Покровский храм во Владивостоке… Работы фиксируют не только памятник зодчества, но и состояние природы, времени года, времени дня. Решаются определенные художественные задачи — положить снег у стены храма, передать вечернее освещение… Однако импрессионистский подход художника позволяет создать не живописное, а в некотором смысле летописное полотно.
Если говорить о Владивостоке, то Владлен Камовский буквально следует за историей воссоздания разрушенных в советское время храмов и строительства новых. Пишет их не один раз, выстраивая разные перспективы и воссоздавая живописными средствами обыденную городскую среду, дающую материал для жанра городского пейзажа, в которой храм является обязательной составляющей, поскольку без него немыслим (со времени принятия христианства Русью) ни один городской ландшафт.
К слову, городской пейзаж как жанр был выбран в качестве основной темы творчества В. Камовским на рубеже 1960-70-х годов. Художник, где бы он ни оказался, реагировал на настроение и состояние городской среды, делал предметом интереса улицы и укромные уголки города. Со временем, когда стало понятно, что большие стройки делают безликими города, интерес живописца к характерным, неповторимым объектам архитектурной среды, превратился в настоящую страсть: в любую погоду он готов работать на натуре. Его кисть создает камерные по размеру этюды и панорамные работы, достойные выставки одной картины (что и происходило в свое время в музее современного искусства «Артэтаж»).
Храмы, как объекты городской среды, оказались в творчестве Камовского очень логичными, написанными без надрыва и желания соответствовать конъюнктурным устремлениям постперестроечного времени. Храмовая тема оказалась плоть от плоти исконных русских корней, которые, что с ними ни делай, дают зелёную поросль в любые времена. В этом отношении интересно то, что в мастерских художников, сформированных и выросших в советскую эпоху, обязательно найдётся с десяток-другой этюдов или законченных работ с православными храмами. Что уж говорить о времени, в котором живём и в поисках смыслов обращаемся к библейским сюжетам. Владлен Камовский будто иллюстрирует сказанное: одна из его работ, в которой храм дан не крупным планом, а как бы исподволь вписанным в пространство объектом, называется «Дорога к храму». В ней нет повседневной суеты, многолюдия, но есть безусловное движение, отражающее внутреннее стремление обрести свой Храм.
Куратор выставки
Доцент кафедры издательского дела и полиграфии ДВФУ,
кандидат искусствоведения
О.И. Зотова
«Пленэр 2010» — это пятая выставка-конкурс работ студентов-художников Дальневосточной государственной академии искусств. В этом году она организована совместно с Приморским отделением Союза художников России.
Более пятидесяти работ студентов художественного факультета академии искусств посвящены творческой поездке по городам Италии. Необыкновенно сочные и красочные виды Флоренции, Рима и Венеции были представлены жителями и гостям города Владивостока. Часть данных работ уже получили лауреатские премии на выставках-конкурсах современного искусства, проводимых в Италии, Москве, Ханты-Мансийске.
А.М. Чугунов,
ректор ДВГАИ
Дальневосточная Государственная Академия Искусств
Адрес: 690950, Владивосток, ул. Петра Великого, 3а
Телефон/факс: +7 (4232) 264-922
URL: www.dv-art.ru
«Пленэр 2010» — это пятая выставка-конкурс работ студентов-художников Дальневосточной государственной академии искусств. В этом году она организована совместно с Приморским отделением Союза художников России.
Содержание выставки-конкурса определяют лучшие работы живописи и графики, созданные молодыми художниками во время пленэра и на стройках саммита АТЭС.
На протяжении всего лета молодые художники выезжают в самые красивые уголки Приморского края и пишут пейзажи, натюрморты, портреты, стараясь передать всю неповторимость дальневосточной природы. Уникальность этой выставки предопределена возможностью, которую предоставили стройки саммита АТЭС в городе Владивостоке и на острове Русском. Молодые художники наблюдали за тем, как меняется привычный облик городского пейзажа. Портреты строителей, красно-оранжевые конструкции будущего моста, грандиозное начало строительства — это то, что в будущем войдёт в историю эпохальных изменений Владивостока.
А.М. Чугунов,
ректор ДВГАИ
Дальневосточная Государственная Академия Искусств
Адрес: 690950, Владивосток, ул. Петра Великого, 3а
Телефон/факс: +7 (4232) 264-922
URL: www.dv-art.ru
10 декабря в залах Приморского Союза художников открылась коллективная выставка графики, в которой около 40 Владивостокских художников представили более 100 работ. Благодаря поддержке галереи www.artvladivostok.ru выставка, изменив офф-лайн формат, продолжает собирать зрителей (теперь уже не в залах Дома художника на ул. Алеутской, 14 а, а у экранов ПК), соответственно, вызывает отклики и мнения и даёт повод поговорить о некоторых тенденциях.
В тексте, сопровождающем первую часть графических листов на странице галереи, уже говорилось кратко о техниках, которыми владеют Владивостокские художники (рисунок карандашом, тушью, сангиной; акварель, пастель, гуашь; печатная графика — литография, линогравюра, офорт, ксилография; работы в смешанной технике и технике граттажа), и истории развития этой области искусства в Приморском крае.
Попытаемся рассмотреть подробнее некоторые тенденции. Для начала хочется сказать о том, что подобная коллективная, довольно многочисленная для творческой организации, насчитывающей около 120 членов, выставка графики — явление редкое. При том, что персональные выставки графических работ в галереях Владивостока, Артема, Находки (только 2010-й год подарил зрителям графику Д. Кудрявцева, В. Ненаживина, художников группы «Владивосток», А. Заугольнова, В. Олейникова, Е. и О. Осиповых, Е. Кравцовой), как и участие в российских и зарубежных графических биеннале и фестивалях приморских художников, время от времени, происходят. И казалось бы, волноваться по поводу жизнеспособности этой области искусства во Владивостоке не следует. Однако, в общих коллективных выставках раздел графики, многочисленный и разнообразный в советские годы, катастрофически мал.
С одной стороны, изначально графика считалась делом прикладным, подготовительным, уступающим место живописи, в том числе и на выставках и художественных показах. Ещё великий Да Винчи в своё время среди всех искусств, да что там, среди всех человеческих дел, поставил живопись на первое место, назвав живописца «Властелином всякого рода людей и всех вещей». И сегодня кураторы выставок и галеристы к графике относятся, мягко говоря, спокойно.
С другой стороны графические искусство по разнообразию техник (и в оригинальной, и в печатной графике) даёт практически неограниченные возможности художнику для выражения творческого замысла. Ёмкость образа в лаконичных, сделанных единым движением рисунках подчас оказывается большей, нежели живописно созданная пространственная иллюзия мира. Не случайно, не смотря на неласковое отношение нынешней публики к графическому искусству, у него есть беззаветно преданные служители, художники, не отказывающиеся от строгих линий и листа бумаги.
Приморское графическое искусство сформировалось в 1960-е. Хотя, если быть точным, то знаменитое объединение футуристов «Зеленая кошка» (сформировалось в г. Хабаровск в 1920-е), художники которой Ж. Плассе, П. Любарский, В. Пальмов работали и во Владивостоке, ввели молодое приморское искусство в общий контекст отечественного авангарда. Тетрадь офортов «Зеленой кошки» — редкий по изысканности и стилистическому звучанию графический материал.
1960-е же становятся точкой отсчета разнообразия техник: эстамп, линогравюра, офорт, акварель, ксилография появляются на краевых и зональных выставках. Темы этого периода — приморский пейзаж, рыбацкая тема, виды города, история страны. Они отчётливо звучат в нынешней выставке, давая примеры классической школы и мастерства К. Шебеко, Т. Кушнарёва, И. Кузнецова, В. Чеботарёва, В. Олейникова.
О Заслуженном работнике культуры РФ В. Чеботарёве следует сказать отдельные слова. Его искусство называют крупным художественным явлением в истории изобразительного искусства Приморья и всей России. На выставке представлены камерные по размеру пейзажные акварели, по которым судить о богатом и многогранном наследии мастера невозможно. Но именно с Чеботарёвым связана вся приморская графика (в том числе книжная иллюстрация). Выпускник графического факультета Ленинградского института живописи скульптуры и архитектуры им. И. Е. Репина приехал во Владивосток в 1960-м году и сразу же начал преподавать в Владивостокском художественном училище и участвовать в выставках самых серьёзных уровней — в Москве и за рубежом как единственный в то время график от Приморского края. С его именем связан подъём графики на высокий профессиональный уровень, без В. Чеботарева в училище не было бы графической мастерской: всем техникам, в которых художник работал сам, он учил студентов, делясь своими опытом и знаниями. В течение довольно короткого периода, от 1960-х до начала 1980-х, буквально за десятилетие формируются разнообразные направления графического искусства: оригинальная графика (акварель, пастель, рисунок любым материалом), виды печатной графики, книжная иллюстрация, плакат, сатирическая графика (шаржи, карикатура).
В 1990-х проявляется тяготение художников к поиску формы, цветовых сочетаний, дающих серии работ, близких к абстракции. Происходит отказ от печатной графики в пользу оригинальных работ. Техники, в которых работают Е. Макеев, В. Шапранов, И. Зинатулин, Л. Зинатулина, Е. Никитина, близки к живописи: гуашь, смешанная техника с использованием акрила. Тяготение к масштабным сериям отражает экспериментальный подход. К слову, в этих экспериментах утверждаются как графические техники те, что традиционно считаются живописными: гуашь, масло, смешанная техника начинают использоваться все более активно. И скепсис сформированных в классических традициях мастеров не разделяют даже устроители биеннале графики, принимающие работы маслом на бумаге к участию в конкурсе. Кроме того, в художественных акциях начинают принимать участие молодые художники, чьё видение формируется под влиянием современной визуальной культуры и новых технологических возможностей времени.
Налицо явное противоречие: графики становится меньше, но именно этот вид искусства даёт побудительный мотив организаторам престижной сегодня Международной биеннале графики (Санкт-Петербург), которая проводится с 2002 года Фондом «Современная графика» при поддержке Комитета по культуре Правительства Санкт-Петербурга и при участии Международного фонда поддержки культуры «Мастер-Класс». Её задача -показать полную картину происходящего в современной графике, показать тенденции развития различных школ и направлений. Биеннале в Санкт-Петербурге, вдохновителем и главным организатором которой является наш земляк художник с мировым именем Олег Яхнин, вызывает огромный интерес со стороны общественности и профессиональных деятелей.
Не меньшую активность проявили и дальневосточники, выступив в 2007 году инициаторами биеннале графики «Серебряная волна» (г. Комсомольске-на-Амуре). И снова огромный интерес со стороны участников, зрителей, музейщиков. К слову, разделы конкурсов — оригинальная графика, традиционная печатная графика и новые печатные технологии — дали возможность художникам продемонстрировать самые смелые эксперименты.
В этой ситуации выставка «Графика Владивостока» — кураторский отклик на ситуацию, позволяющий исследовать предмет в историческом развитии (хронологический диапазон выставки довольно широк: представленные работы датированы от 1970-х до 2010-го) и удержаться от грустных выводов, поскольку в выставке участвовали интересными работами совсем молодые художники (К. Лукьянчук, иллюстрации к книге «Алиса в стране чудес», В. Косенко, акварель). Кроме того (хочется надеяться) выставка будет началом целой серии графических проектов, которые обещает поддержать нынешнее руководство Приморской организации СХР.
Куратор выставки — О. И. Зотова, кандидат искусствоведения,
доцент кафедры издательского дела и полиграфии
Института массовых коммуникаций ДВФУ
Слово «натюрморт» буквально означает «мёртвая природа». Но глядя на работы Натальи Попович, видишь бурлящую, полную красок, динамичную жизнь. В её работах видны уникальный профессионализм и тонкое чувство искусства. Форма и содержание слились в единое прекрасное целое. С одной стороны, сама техника письма, большой формат, лепка формы, трёхмерность пространства и особенный колорит. С другой стороны, это ощущение полноты жизни, силы таланта и свежести взгляда автора.
Ангелина Селиверстова
