Приморская государственная картинная галерея представляет персональную выставку известного приморского художника Алексея Плешивцева.
Выставочный зал:
г. Владивосток, ул. Алеутская, 12
Экспонируются около 50 произведений из фондов галереи и мастерской художника, написанные в разное время и в разной технике.
Алексей Иванович — член Союза художников России, заслуженный работник культуры РФ, член Шикотанской творческой группы, участник выставок всех рангов.
Главные темы творчества Плешивцева — искусство, историческое движение эстетической мысли, религия и духовное совершенство. Его работы, кроме современности, отражают мифологические и библейские мотивы, по-своему воссоздают целостную картину мира. Каждый сюжет — это исследование жизни в ее вневременном, философском звучании.
Основные работы находятся в Фонде Союза художников РФ (Москва), Приморской государственной картинной галерее (Владивосток), Читинском областном художественном музее, Бурятском республиканском художественном музее им. Ц.С. Сампилова (Улан-Удэ), Магаданском областном краеведческом музее, в частных собраниях России и за рубежом.
Дополнительную информацию можно найти на сайте www.primgallery.com или в собственной газете «Картинная галерея».
«Работы созданы в пространстве, наполненном Морем,
Солнцем, Песками, Звёздами, Небесами и Горизонтами». В. Хмелик
Виктор Хмелик родился в 1959 году во Владивостоке. В 1985 г. окончил Владивостокское художественное училище. Работает в жанре фотографии, инсталляции, графики, дизайна. Победитель в региональном семинаре «Реклама-96», призер фестиваля «Реклама-97» в номинации «Графический дизайн». Победитель «Реклама – 98» в номинации «Фирменный стиль. В 1988 – 92 гг. оформил ряд книг в Дальневосточном книжном издательстве и параллельно занимался керамикой. 2000 г.- Гран-При, Международный фотосалон в Новосибирске. 2002 г. — бронзовая медаль в номинации «Компьютерная фотография» Международный фотосалон в Новосибирске. Работы выставлялись в Новосибирске, Москве, Санкт-Петербурге, Шанхае, Венеции, Майами.
Галерея Арка представляет выставку графических работ известного художника, романтика и философа Виктора Хмелика, более известного зрителю выставками фотографии, а также стильными дизайнерскими работами и календарями. Поводом для выставки произведений 1990-х годов, которые уже давно находятся в частных коллекциях, послужила юбилейная дата автора: Виктору Хмелику исполнилось 50 лет. Графику Виктора Хмелика можно было видеть на молодежных выставках, которые проходили во Владивостоке в конце 80-х – начале 90-х годов. С тех пор, автор, если и обращался к этому направлению своего творчества, то нигде не представлял работы. Творческое и человеческое кредо Виктора Хмелика в его словах: «Человек, как бабочка – чтобы не происходило, его постоянно тянет к свету. Исходя из этого постулата, мне всегда хочется делать различные вещи, которые приносили бы ему радость бытия».
Адрес: ул.Светланская, д.5 Тел.: +7 (4232) 41-05-26, факс: +7 (4232) 32-06-63 www.arkagallery.ru и www.artnet.com/arka.html
Галерея открыта со вторника по субботу с 11:00 до 18:00
Природа готовит заране,
с талантом ты явлен иль без,
листок подорожника — к ране,
к разладу душевному — лес… Геннадий Лысенко
И всякий раз, когда смотришь на пленэрные работы, собранные на осенней традиционной выставке в галерее PORTMAY, возникает мысль: почему каждый состоявшийся этюд, пусть даже и написанный автором едва ли не на том же самом месте и тот же день календаря, что и в прошлом году, оставляет ощущение открытия, новизны и свежести окружающего мира? Откуда в пленэрной живописи возникает это чувство первозданности, сиюминутности происходящего, когда именно сейчас, прямо на твоих глазах набежавший ветер отправляет в полет стаю березовой листвы, розовые облака встают над кромкой дальнего леса, а отхлынувшая волна острова Попова обнажает всю в струении воды и бликов гряду прибрежных камней? Ответов, наверное, может быть немало, хотя, конечно, не найти исчерпывающего. Но ясно одно: когда пейзаж принимает художника в свое живое, полное птичьих голосов, света и ветра пространство, когда они смотрят в лицо друг друга, только тогда и возникает между ними таинственная связь, неслышимый, но зримый разговор. И вспомнить, повторить эту беседу затем в мастерской зачастую бывает невозможно.
Может быть, поэтому замечательные этюды, которые спустя какое-то время художник пытается перевести в большой формат, написать, что называется, картину с большой буквы, убрав торопливые небрежности и профессиональные, как ему видится, промахи, внезапно гаснут. И случается такое довольно часто. Из этих, казалось бы, наскоро, под горячую руку схваченных кистью сюжетов уходит трепет воздуха и света, мерцание дождя, волшебное голубое сияние сопок и шум прибрежной полосы. Пленэрная живопись — это любовь между художником и пейзажем в продолжение обоюдного взгляда, она не переносит разлуки.
Нынешняя выставка «Свет и воздух» включает работы двадцати художников, и хотя основной состав участников счастливо определился еще в предыдущие годы, но, как и всегда, появились новые, и среди них Владимир Олейников, подлинный мастер лиричной акварели, тонко чувствующий саму душу этой сложной и нежной техники. В каждом из его листов живет особое настроение, своя музыка пейзажа, будь это шквальный темно-синий ветер с моря, или поющая тишина необъятного небосвода над двумя деревенскими домиками, стоящими на косогоре.
Ольга Шапранова тоже впервые представлена в галерее пейзажем с лесной дорогой, написанным на острове Попова, — прозрачным, светлым, словно звенящим от стеклянного знойного воздуха, перемежаемого солнечными пятнами и душистыми тенями. А работы другого новичка пленэрной экспозиции — Михаила Фролова, выразительно использующего живописные традиции шикотанской школы, звучат совсем по иному: в них приморский берег предстает мощно, крупно, когда за силуэтом сопки или скалы вдруг открываются головокружительные океанские горизонты.
Надо сказать, что остров Попова все больше привязывает к себе художников, и спасибо ему за это, поскольку они привозят оттуда настоящие островные этюды, со своими мотивами, колоритом и даже героями. Евгений Макеев и Маша Холмогорова на нынешнем пленэре четко определились с этими самыми героями — это островные деревья, как правило, одинокие, прибрежные камни и близлежащие острова, и, наконец, необычайно живописные дождевые лужи, на которые Макеев положил глаз еще в прошлогодний пленэр. По сути, их островные работы представляют собой живописные вариации нескольких мотивов, когда самое пристальное внимание уделяется состоянию воздуха, оттенкам неба, воды, летней зелени и земли. Серо-лилово-сиреневая гамма работ Евгения, с вкраплениями желтого и оранжевого, и чуть более сдержанная палитра Маши, с холодными темно-зелеными и коричневыми тонами, — это тонко разработанный цветовой портрет островного моросящего лета. Искусство натурной живописи в чистом виде. Чудесная традиция, идущая еще от Клода Мане с его сюитами стогов и кувшинок в пруду.
Какое все-таки счастье для ценителей живописи, что у каждого художника свое устройство зрения, свои темперамент и художественная манера, потому что работа, например, Валерия Шапранова, написанная там же на Попове, дает нам совершенно иной облик острова. Его поселок, состоящий из прижавшихся друг к другу домиков, противостоящих ветрам, напоминает сверкающую гроздь кристаллов, нависшую над темно-зеленой бездной океана.
Такое же кристаллическое, будто увиденное с помощью аэросъемки, композиционное и живописное построение у гуашей Виктора Серова. Бухты, мысы, скалы Сидеми в его работах настолько фантастичны и полны величия, словно существуют они не в Приморье и не на побережье Японского моря, а в космосе. Столь же насыщены цветом и полны пространства картины Ирины Ненаживиной, напоминающие куски океана, выхваченные автором из реальности вместе с горизонтом.
Вениамин Гончаренко, один из первооткрывателей знаменитой своими художественными традициями Андреевки, которая возникает на многих и многих его этюдах, истинный виртуоз пленэра, представлен на выставке четырьмя работами, как всегда, роскошными по своим живописным достоинствам. Ему, как и другим мастерам русской, а затем и советской традиции, присуще стремление и умение даже небольшой этюд, дышащий непосредственным впечатлением от натуры, превратить в законченное, ограненное живописное произведение.
Столь же эмоциональное переживание цвета, которое выливается в экспрессивный мазок, свободное движение всей густой живописной поверхности, свойственно и картинам Ильи Бутусова. Три его холста, тоже посвященные побережью, морю, буквально лучатся светом, словно прорвавшимся сквозь хрустальную призму или кусок прозрачного льда. Художник явно не столько озабочен воспроизведением внешнего облика природы, сколько обнажает ее внутреннюю структуру, состоящую из гранул чистого света и цвета. Постоянная любовь автора к белому вообще превращает его полотно «Надежда» в сплошной поток сияющего белого цвета, одновременно материального, осязаемого и вместе с тем удивительно одухотворенного, несущего на своем гребне легкую, как упавшее перышко чайки, знаменитую парусную шхуну со столь романтичным и морским именем.
С каким-то вдохновенным, радостным чувством открывает возможности белого и Виктор Убираев, зачастую используя просто загрунтованный холст. Его пейзажи, написанные в зимней Анисимовке и в летнем Сидеми, полны приморского воздуха, который то морозно светится февральской изморозью над деревенскими улочками и сопками, то влажно переливается в дымке прибрежного тумана. Среди его холстов в этой экспозиции есть и такие, где автор вдруг меняет свою манеру письма — текучую, импрессионистическую, и начинает буквально выкладывать мазками играющие цветной мозаикой пленэрные натюрморты, такие, например, как «Подсолнухи» или «Караси». Сидеми — постоянное место этюдов и для Сергея Барсукова, чьи пейзажи отмечены верностью деталям натуры, хорошо передают саму атмосферу этого пропитанного творческим настроением побережья.
Но пока речь у нас шла о художниках, творчески связанных с южным Приморьем, а вот Евгений Пихтовников любит забираться с этюдником на север, в район поселков Терней и Кавалерово. И удивительно, как меняется природный ландшафт в его работах, колорит и сама психологическая атмосфера пейзажей. Художник блестяще владеет традиционной техникой письма, его горизонтальные полотна с разливами таежных рек и бескрайними болотами, притягивают сумрачной красотой природы, существующей наедине с собой. Маленькие, почти крохотные этюды Александра Бондаря тоже написаны чаще всего в глухих таежных уголках. Всего несколько стремительных движений кистью, едва ли не по счету брошенных мазков, — и на картоне возникает зимовье, одинокая елка, берег ручья — образ заповедного Приморья.
А Геннадий Кунгуров и Аня Щеголева и вообще устремились нынче на пленэр за пределы Дальнего Востока. Геннадий привез несколько десятков этюдов из поездки на Байкал, где успел побывать даже на легендарном острове Ольхон, а вот Аня работала в средней полосе России — в Калужской области. Помимо того, что этюды этих двух авторов относятся к числу самых удачных в их творческом багаже, они удивительно точно передают пейзажные приметы и особенности этих российских территорий.
Бирюзовая гладь Байкала, заснеженные вершины хребта Хамар-Дабан, песчаные дюны Ольхона, поляны белых маков и оранжевых жарков — все это этюды Кунгурова, созданные уверенно, пластично, с чистым звучанием цвета. А такие работы Щеголевой как «Мостик», «Лучи», «Радуга», словно ностальгическое, трогающее сердце каждого русского человека воспоминание об оставленной когда-то предками центральной России, с ее лугами, перелесками на горизонте и спокойным, наполняющим душу раздольем.
И еще раз невольно порадуешься художественному разнообразию пленэрной экспозиции, потому что кроме уже названных авторов, зрителя ждет встреча с традиционными по духу и живописному исполнению картинами Виталия Медведева, сочными, фактурными этюдами Сергея Горбачева, экспрессивными работами Андрея Обманца и, конечно же, веселой, жизнерадостной живописью Владимира Погребняка.
Глубоко индивидуальное творчество приморских художников вместе с тем проникнуто единым чувством, которое выразил поэт Геннадий Лысенко, чьи строки вынесены в эпиграф. И, продолжая эти стихи, хочется ими и завершить наш разговор о выставке, о пейзаже,
«в котором растенье любое
имеет законченность черт;
все это зовется любовью,
хотя и не требует жертв».
Александр Лобычев
Арт-директор галереи «PORTMAY»
Галерея «PORTMAY». Адрес: Владивосток, ул. Алеутская, 23А.
Телефон: +7 (4232) 302-493, 302-494.
URL: www.portmay.ru
Галерея работает без выходных с 10 до 19. Вход бесплатный.
Приветствую участников, кураторов, а так же организаторов и спонсоров этого биеннале! В 1998г. Артэтаж принимал первых художников Владивостокского биеннале с выставкой «Современная японская гравюра». Во всех последующих биеннале во Владивостоке, с иностранной стороны, вновь доминировали японцы. Банзай! Здесь, остаётся важным работа: Ассоциации «Япония-Владивосток» (председатель Н.Накомото, секретарь Н.Таширо); генерального консульства Японии во Владивостоке; сопутствие краевой и городской администрации. «Владивосток достоин самого лучшего!» — лозунг нашего мэра. И. Пушкарева. Губернатор С. Дарькин говорит: «Нам здесь жить!». И это принимают все, кто с этим городом соприкасается и смотрит в будущее.
С надеждой на стабильность в проведении, во всеохватывающее и качественное действие современных художественных проектов Владивостокского биеннале визуальных искусств.
Александр Городний
директор музея Артэтаж-ДВГТУ
г. Владивосток
В конце 1990-х годов, когда легендарная Венецианская биеннале ярко и эпатажно отметила своё столетие организацией 44-го смотра международных авангардных художественных тенденций, в российском городе Владивостоке, под аналогичным артистическим флагом стартовал первый фестиваль искусств. Даже непосвящённому с самого начала стало понятно, что заявка сделана самая смелая и в равной степени ответственная.
Сегодня, в дни работы вот уже шестой по счёту Владивостокской биеннале, можно констатировать, что приморская столица не только приобрела определённый опыт в организации столь масштабного мероприятия, но и приблизилась к тому, чтобы сделать свой дальневосточный арт-форум значимым событием и привлекательным явлением для большого круга российских и зарубежных участников, а вместе с тем — и зрителей.
Резонный вопрос: что же стимулирует дальнейшее развитие биеннале во Владивостоке? Ответ достаточно прост. — Прежде всего, обострённый интерес дальневосточного сообщества к современной культуре, в том числе — к культуре визуальной. Не секрет, что дальневосточная публика, не говоря уже о более узком круге профессионалов, демонстрирует особую восприимчивость ко всему новому и актуальному в искусстве. И изобразительное искусство — единственная область современной культуры, которая до появления первых выставок и акций Владивостокской биеннале не имела на Дальнем Востоке масштабного и репрезентативного форума. Поэтому развитие традиции проведения Владивостокской биеннале как раз и призвано восполнить эту нишу. И так же как знаменитые биеннале в Стамбуле, Берлине или Шанхае играют роль индикаторов современного искусства в своих регионах, биеннале во Владивостоке может стать их аналогом на российском Дальнем Востоке.
Владивостокская биеннале визуальных искусств — это важное, с точки зрения имиджа города и Приморского края, событие, которое вполне реально способно оказывать влияние не только на продвижение актуального искусства и укрепление культурных связей с ближайшими соседями — странами Тихоокеанского региона, но и в целом — на развитие всех отраслей художественной жизни, бизнеса и экономики. Поэтому уже сегодня можно сказать, что с идеей поддержки и дальнейшего развития Владивостокской биеннале связаны большие международные ожидания.
Людмила Козлова
Дальневосточный художественный музей
г. Хабаровск
Участники выставки
Российские художники:
1. Морозов Федор (Владивосток)
2. Федоров Виктор (Владивосток)
3. Омельченко Геннадий (Находка)
4. Макеев Евгений (Владивосток)
5. Погребняк Владимир (Владивосток)
6. Ненаживин Валерий (Владивосток)
7. Ненаживина Ольга (Владивосток)
8. Кудрявцев Джон (Владивосток)
9. Старовойтов Владимир (Владивосток)
10. Кузьминых Константин (Магадан)
11. Лепетухин Александр (Хабаровск)
12. Арапов Геннадий (Хабаровск)
13. Тен Андрей (Хабаровск)
14. Павин Михаил (Владивосток)
Корейские художники:
1. Эстел Ли (Estelle Lee)
2. Лим Ок Гым (Lim Ok Geum)
3. Канн Юн Сунн (Kang Young Soon)
Куратор выставки: А. Городний
Открытие выставки 25 сентября в 14:00
Артэтаж — музей современного искусства, ДВГТУ
График работы: понедельник-пятница с 10 до 18, суббота-воскресенье с 11 до 17
Адрес: 690950, г. Владивосток, ул. Аксаковская, 12
Телефон: 8 (4232) 60-89-02
Кинофестиваль «Pacific Meridian» и Музей им. Арсеньева имеет честь представить выставку видео произведений, посвященную феномену единения и сопричастности в контексте современной политической и социальной ситуации.
Музейно-выставочный центр ПГОМ им. Арсеньева
г. Владивосток, ул. Петра Великого, 6
Падение Берлинской стены, студенческие выступления на площади Тяньаньмэнь, победа движения «Солидарность» на выборах в Польше, масштабные забастовки шахтеров в СССР — 1989 год, скорее всего, был одним из самых значимых в новейшей истории, а на мировом политическом ландшафте начались радикальные трансформации.
Оценивая все последствия, надо отметить, что именно процесс объединения Германии запустил механизм демонтажа социалистического лагеря, и мировая история вышла на новый этап. Берлинская стена, ставшая символом грандиозного идеологического противостояния, оказалась самым красноречивым олицетворением коллективного волеизъявления. Рассуждать о причинах, которые привели к разрушению этого барьера, сейчас уже нет смысла. Как, впрочем, нет смысла говорить о причинах появления самой стены. Однако этот физический барьер уникален своим парадоксальным смысловым наполнением.
Стена романтизировала все противоречия капитализма. Из-за мрачных бетонных ограждений консюмеристский транс представлялся воплощением разного рода лозунгов о свободе и равенстве. В то же время социалистический лагерь, несмотря на все те иррациональные и антигуманные явления, которые имели место, все еще грезил воплотиться проектом утопического будущего, где все социальные противоречия оставались бы лишь смутной документацией былых эпох.
С одной стороны, стена была неким полигоном идеологической борьбы, где политическое и социальное в состоянии перманентного боя отстаивали свое право на будущее. И именно там, на этой разделительной линии, будущее и конструировалось, обретая политические очертания нынешней реальности. С другой стороны, сам факт преодоления этого барьера служит яркой иллюстрацией наивысшей степени единения. Солидарности в ее самом крайнем проявлении. Когда экзистенциальный ужас перед властью притупляется, и коллективная воля сметает все на своем пути.
Опыт прошедших двадцати лет не подразумевает возможности сформировать проект тотального единства в настоящем. Очевидно, что сегодня когнитивное поле единения — некая мысль, объединяющая людей — расслоилось на независимые территории, связи между которыми имеют эпизодический характер. Экзистенциальный режим солидарности сместился в область частных фетишей, личной выгоды, борьбы всевозможных меньшинств за свои права. Даже в границах единых социальных групп существует множество сообществ, суверенных миров, чьи контакты друг с другом сведены к примитивному обмену материальными продуктами.
Единственное, что еще может объединять, очерчивается рамками информационных поводов, животных инстинктов и реакций на воздействие внешних, зачастую природных факторов. Однако такие моменты единения кратковременны и мгновенно удаляются из памяти. Они могут подарить лишь иллюзию сопричастности. Сегодня лишь область чудесного, строго трансцендентного реальности может претендовать на статус особого положения — утопического пространства, где синхронное движение коллективных тел может предъявить себя реальности. Учитывая то, что примат логики и рациональности оставил «чудесному явлению» лишь скромное место аттракциона, развлекающего толпу, безусловным чудом может быть лишь то, что противостоит самой жизни. Это может прозвучать ужасно, но только смерть обладает потенциалом тотального объединения. Уничтожая все противоречия, границы и различия, она конструирует мир, лишенный разобщенности.
Андрей Василенко,
куратор экспозиции
Выставка «Территории единения» представит произведения известных художников, в биографии которых участие в крупномасштабных интернациональных проектах и персональные выставки в ведущих музеях и галереях мира.
10 сентября 2009 года Приморская государственная картинная галерея представляет персональную выставку известного приморского художника Анатолия Ивановича Кротова. В экспозиции — сорок пять полотен из мастерской мастера.
Выставочный зал
Владивосток, ул. Алеутская, 12
Анатолий Кротов — член Союза художников России, преподаватель специальных дисциплин на отделении дизайна Владивостокского художественного училища со стажем 25 лет (1982-2007). Занимается монументальным искусством, оформлением интерьеров, графикой (в том числе книжной), живописью.
На выставке экспонируются небольшие по размеру живописные произведения, написанные в различной манере. В основном, это жанр натюрморта: камни, бутылки, цветы, многократно повторяющиеся в различной интерпретации. Декоративные и абстрактные композиции отличаются движением творческой мысли, декоративной выразительностью и мастерством исполнения.
Дополнительную информацию можно найти на сайте www.primgallery.com или в собственной газете «Картинная галерея».
Галерея «Арка» представляет выставку, приуроченную к VII Международному Кинофестивалю стран АТР «Pacific Meridian».
Bullet Russe
В 1909 году, ровно 100 лет назад в Париже прошли первые гастроли балетной антрепризы Сергея Дягилева, получившей название «Русские Сезоны». Взыскательная европейская публика увидела несколько великолепных постановок, в которых принимали участие ведущие российские танцоры.
Вместе с единомышленниками — художниками Александром Бенуа и Леоном Бакстом, композитором Николаем Черепниным, князем Аргутинским-Долгоруковым, балетным критиком Валерианом Светловым и другими — Дягилев создал новый тип русского балета. Основной ставкой был синтез нескольких художественных практик — гармоничное соединение музыки, танца и визуального искусства.
В разное время с «Русскими сезонами» сотрудничали всемирно известные композиторы, музыканты и художники.
«Русские сезоны» просуществовали два десятилетия и определили развитие мирового балета, а солисты антрепризы Дягилева впоследствии возглавили труппы крупнейших мировых театров.
Выставка из коллекции Александра Васильева, представит зрителям уникальные фотоматериалы, репрезентирующие знаковые этапы развития балетного искусства. От документации репертуара «Русских сезонов», в которых блистали Ирина Баронова, Анна Павлова, Тамара Туманова до кадров из фильмов, где главные роли сыграли такие звезды как Михаил Барышников, Александр Годунов и Рудольф Нуриев.
Courtesy by Alexandr Vassiliev collection
Адрес: ул.Светланская, д.5 Тел.: +7 (4232) 41-05-26, факс: +7 (4232) 32-06-63 www.arkagallery.ru и www.artnet.com/arka.html
Галерея открыта со вторника по субботу с 11:00 до 18:00
Галерея Арка представляет выставку памяти Старовойтова Виктора Никоновича (1927-2007 г.г.), художника, преподавателя Владивостокского художественного училища.
Старовойтов В.Н.
Старовойтов Виктор Никонович родился в 1927 г. в селе Васильевка Хабаровского края. В 1961 г. окончил Владивостокское художественное училище. С 1962 по 1967 гг. учился в Дальневосточном педагогическом институте искусств (г.Владивосток). Работал в системе кинофикации. С 1972 г. работал преподавателем спецдисциплин в ВХУ. Участник городских, краевых, зональных выставок. Главное направление его творчества – военно-историческая тема. Персональные выставки состоялись в 1966, 1979, 1997, 1998 годах в г. Владивостоке. Награжден почетным знаком Министерства культуры РФ «За достижения в культуре».
На выставке представлены портреты, городские пейзажи, натюрморты в авторских рамах, подготовленные к экспозиции Надеждой и Виктором Старовойтовыми, дочерью и сыном художника. Он был не только прекрасным живописцем, графиком, талантливым портретистом, но и удивительным человеком: энергичным, добрым и мудрым учителем.
Много лет Виктор Никонович преподавал во Владивостокском Художественном Училище, передавая знания, умение видеть красоту в обычных вещах и умение радоваться каждому дню.
Адрес: ул.Светланская, д.5 Тел.: +7 (4232) 41-05-26, факс: +7 (4232) 32-06-63 www.arkagallery.ru и www.artnet.com/arka.html
Галерея открыта со вторника по субботу с 11:00 до 18:00
Может, завтра в предзакатном свете,
разглядев, почувствую и я,
что душа заполнена всем этим,
словно форма точного литья.> Геннадий Лысенко
Валентина Арзамазова
Холсты и гуаши Валентины Арзамазовой, что бы они собой не являли, — улочку приморской деревни, погруженную в золотую дрему бабьей осени, или заваленную фиолетовыми сугробами января, оправленную скалами летнюю бухточку, или подтаявшие берега таежного ручья, дом с зеленой крышей, или голубые от инея копны сена, — напоминают сбор живописного урожая, набравшего силу, цвет и красоту. На работах автора словно лежит благодать августовских народных православных праздников — Медового, Яблочного и Орехового Спасов, когда природа наполняет воздух спелым светом, а плоды влажным пламенем сока. В это время особенно хочется поставить на стол горсть полевых цветов, подержать в руке багровое скрипучее яблоко, приподнять упавший от тяжести ягод куст малины, погладить горячий бок копны или шершавую спину прибрежного камня. Подобное чувство сопричастности вызывает и живопись художницы: мир словно просится в руки — он доверяет тебе, а ты ему. С глубокой правдой и нежностью об этом сказал приморский поэт Геннадий Лысенко:
… Есть мир и я, и это неделимо.
Есть мир и я. Есть яблоки с вином
и женщины опущенные веки,
и осень притаилась за окном,
как лучшее в хорошем человеке.
Действительно, в начале нового века персональные выставки Валентины Арзамазовой следуют одна за другой, представляя художника, вошедшего в зрелую пору своего дарования. А путь к столь весомым творческим результатам был, надо сказать, долгим. Она пришла к творчеству просто из жизни, которая никак не была связана с искусством, и впервые серьезно занялась техникой рисования и живописи в 1988 году на дизайнерских курсах Виктора Шлихта, талантливого и чуткого наставника многих художников Приморья. Повезло, можно сказать, Валентине Ивановне и в дальнейшем, когда она обрела единомышленников в Народной художественной студии при ДК железнодорожников во Владивостоке, славной своими традициями. Здесь ее учителями стали сначала Сергей Симаков, а затем Виктор Серов, которые хорошо видели и понимали природный дар своей подопечной, помогая ей овладеть профессиональными навыками художественного ремесла.
Но уже в первых, еще сохранившихся на сегодняшний день работах явственно видны отличительные приметы ее очень личной живописной манеры, только развившейся и укрепившейся с годами. Это сильный экспрессивный мазок, который уверенно лепит не только форму кувшина, дома, дерева, облака, но даже воды и ветра, это пластичный текучий цвет, обретающий полноту звучания уже в самом движении кисти по холсту или бумаге, и отсюда — праздничная декоративность и поразительная вещественность, осязаемость ее пейзажей и натюрмортов. Как раз тот случай, кода рука так и тянется, чтобы прикоснуться к живописной поверхности картины. Пожалуй, можно даже сравнить ее работы с изделиями гончара, только вместо глины художница использует масло и гуашь.
Стремление Арзамазовой не подражать окружающему миру, а воссоздавать его на холсте будто впервые, используя структуру и направление мазка, форму и рельеф изображаемых предметов, ее тяга к насыщенному плотному цвету, подчас в контрастном соседстве, когда зеленый и красный вспыхивают, соприкасаясь друг с другом, выдают ее плодотворную любовь к искусству великих французов эпохи модернизма, среди которых Ван Гог и Гоген для автора, пожалуй, в особом почете. А вообще ее творческому темпераменту близка традиция русских художников начала прошлого века из группы «Бубновый валет» — Петра Кончаловского, Ильи Машкова, Роберта Фалька и других авторов, которые буйно смешали на своей палитре открытия Сезанна, фовизма, кубизма, московские трактирные вывески, расписные игрушки, народный лубок и создали многоцветную и радостную русскую живопись серебряного века. В искусстве такого рода жизнь природы, бытие каждого отдельного растения, предмета, явления предстают во всей своей самостоятельности и самоценности. Как это происходит и в работах Арзамазовой: вот синее дерево, вот крепкая октябрьская тыква, вот открытая дверь деревенского домика, вот лепестки трилистника, то есть клевера, растения привычного, памятного всем еще с детства, но таинственного, символизирующего единение тела, души и духа, наделенного в народных поверьях магической силой, — они реальней художника и зрителя, они герои картины, они в центре мира.
Выставка «Трилистник сентября» в галерее PORTMAY на сегодняшний день для автора самая представительная и обширная. В ней нет торопливости, натиска, рассчитанных эффектов, а есть неуклонное и естественное движение к расцвету, так расправляется день ото дня свернутый в трубочку весенний древесный лист. Уже в самой ранней работе на выставке «Красные облака» 1994 года, словно в почке, заложена вся взрывная мощь ее колорита — приморская осень полыхает на холсте, озаряя оранжевым, красным и желтым все видимое пространство. И что удивительно — такое неистовое буйство открытого цвета вызывает не напряжение, не тревогу, а упоение этим осенним огнем, что перекидывается и на другие картины автора.
Причем это раскаленное сияние цвета не меркнет даже в зимних холстах Арзамазовой, написанных совсем в ином колорите, — холодном, полном темно-лиловых и фиолетовых тонов. Так, например, лаконичный пейзаж с одинокой избушкой и деревом, что называется «В конце ноября», излучает сумрачное настроение заснеженного вечера, но и он сверкает, подобно ледяному узору на деревенском окне. Таким же ночным, рождественским морозным светом притягивают ее натюрморты «Зимний вечер» и «Натюрморт с подсвечником», причем свет в них настолько ощутим, что, кажется, его можно собрать с холста и слепить, как снежок, в большую рождественскую звезду. В этих работах мерцают тайна, волшебство.
И об этом свойстве произведений Валентины Арзамазовой нужно сказать особо, хотя и трудно это сделать, поскольку приходится касаться понятий, лежащих вне конкретной изобразительной сферы. В ее творчестве, как мне видится, в гармоническое взаимодействие вошли два художественных начала — профессиональное владение приемами композиции и живописной техники и ясный, по-детски открытый взгляд на мир, когда математически и философски неразрешимая тайна бесконечной вселенной равна тайне робкого весеннего одуванчика, что упрямо пробился сквозь снег в картине художницы «Подснежник». Говоря иными словами, в ее произведениях наряду с живописным мастерством обитает дух и эстетическое обаяние сказки, примитива, народного, или, как принято говорить среди специалистов, наивного искусства.
Кстати говоря, именно художники «Бубнового валета» и создали в свое время русский примитив как художественное явление. Качество в современном искусстве, нашпигованном мертвой концептуальностью и приемами технологий, драгоценное, поскольку его не достигнуть ни профессиональным умением, ни дорогими материалами и оборудованием, ни усилиями ума, здесь вступают в силу душа и поэтическая интуиция автора. А уж любая подделка под истинное искусство примитива сразу же обнаружит в себе фальшь — так нельзя намеренно сделать детский рисунок или сочинить гениальные детские вопросы, на которые у взрослых, как правило, нет ответов — ум мешает.
Помимо живописных полотен, на этой выставке впервые в творческой биографии автора целый зал посвящен графике, гуашам, в основном совсем свежим, написанным в этом году. И в них присущее Арзамазовой своеобразие ее манеры обернулось новой стороной, поскольку, в общем-то кроющая, плотная гуашь на этих листах вдруг приобрела изысканность и прозрачность, заструилась тончайшими оттенками белого, охристого, бирюзового и зеленого, сохраняя при этом бархатную фактуру поверхности, где каждое пятно свободно — живет и дышит.
Ее гуашевые пейзажи — это половодье цвета, сверкающего и пахнущего деревенской окраиной, лиловой метелью, луговым разнотравьем, палой листвой и рыбацкими сетями, которыми обносят прибрежные огороды. Глядя на ее весенние работы, еще раз с наслаждением вспомнишь строки уже упомянутого поэта:
… Апрель со снегом краски растирает,
разводит на березовом соку.
А листы из серии «Морской берег» — голубые и медленные, как исчезающие в дымке острова, при всей пленэрной конкретности места и точности деталей вызывают в памяти образы чего-то утраченного и полузабытого, детских каникул в раю, что ли.
Александр Лобычев
Арт-директор галереи «PORTMAY»
Галерея «PORTMAY». Адрес: Владивосток, ул. Алеутская, 23А.
Телефон: +7 (4232) 302-493, 302-494.
URL: www.portmay.ru
Галерея работает без выходных с 10 до 19. Вход бесплатный.
В рамках проекта «Фотомарафон» персональная выставка фотографии Константина Аликина
До последнего времени фотография завоевывала свое место на территории искусства. Казалось бы, совсем недавно, в 60-х годах прошлого века, она воспринималась только как фотография, была интересна своей плоскостью, и несла свою важную социальную миссию — технику увековечения и возможности переживания событий вновь и вновь. Картинки прошлого, расположенные хронологически, являются разумным порядком социальной памяти, который пробуждает к жизни и передает дальше память о событиях, заслуживающих сохранения. Появление новых технологий и доступность сделали цифровую фотографию достаточно утилитарной вещью. Компьютер дает возможность не только откорректировать сделанный снимок, но и придать ему совершенно необычный вид. Классические жанры — портрет, пейзаж, натюрморт — предстают в непривычном облике, видоизменяются, теряют непосредственную связь с предметом, превращаясь в качественно новое изображение. Предел здесь — лишь предел воображения и скурпулезности в работе автора.
Галерея Арка продолжает проект «Фотомарафон» выставкой Константина Аликина, приглашая к диалогу всех, для кого фотография является профессией, любимым делом и просто хобби. Необходимые условия участия в проекте: дебютный показ автора и наличие концепции, объединяющей экспонаты. Выставка фоторабот Константина Аликина отвечает обоим требованиям. Константин Аликин прежде не пытался сделать свои снимки объектом внимания широкой публики, считая их интересными только для себя и своих близких. На самом деле, хороший вкус, острый глаз и искрений интерес автора к окружающему миру, умение увидеть, вычленить и запечатлеть нечто особенное в местах, которые посещаются ежегодно туристами, привели к тому, что количество перешло в качество. В экспонатах выставки данные детали городской планировки могут принадлежать как очень известным и узнаваемым местам, так и обычным объектам, обойденным интересом истории — это совершенно неважно! Важно то, что задело струны души автора, а теперь заставляет сопереживать зрителя: иногда грустить, иногда улыбаться, а иногда и удивляться: как же это ему удалось?
Адрес: ул.Светланская, д.5 Тел.: +7 (4232) 41-05-26, факс: +7 (4232) 32-06-63 www.arkagallery.ru и www.artnet.com/arka.html
Галерея открыта со вторника по субботу с 11:00 до 18:00
