Работы преподавателей Дальневосточной государственной академии искусств
Выставочный зал
Владивосток, ул. Алеутская, 12
Художественная жизнь Владивостока изобилует выставками, идущими одна за другой из года в год. Но даже старожил вряд ли припомнит такую — по составу участников — большую живописную экспозицию. Зрителям на ней представляют свои работы разные художники, но одно является общим для них — все они преподаватели художественного факультета Дальневосточной государственной академии искусств.
А ведь академия существует с 1962 года. Однако за полвека без малого замысел о коллективной выставке педагогов факультета не возникал. Владивосток, Дальний Восток по зональным и приморским вернисажам знали и ценили на протяжении десятилетий творчество В. Н. Бочанцева, В. А. Гончаренко, В. Н. Доронина, Н. П. Жоголева, С. А. Литвинова, Ю. В. Собченко, К. И. Шебеко. Все они были художниками первого ряда в приморском искусстве. Это они (вместе с другими) в 1960-х — 1980-х годах подняли краевое искусство до творческого уровня общероссийского, включили его в качестве неотъемлемой части в культурный обиход большой страны. Всесоюзные, республиканские выставки с их лёгкой руки с тех пор не обходились без обязательного приморского вклада.
Но говоря о вышеназванных живописцах, мы вынуждены употреблять, увы, прошедшее время — «они были». Совсем по Пушкину: «Иных уж нет, а те далече…». Сошло с круга одно поколение, пришло другое. Соответственно в мастерских художественного факультета ДВГАИ произошла смена караула. Их возглавили, в них преподают И. И. Бутусов, А. В. Глинщиков, А. А. Енин, Е. Е. Макеев, В. В. Медведев, И. Б. Обухов, Н. А. Попович. Они в прошлом — воспитанники выше названных мэтров, сегодня это творчески состоявшиеся художники, члены Союза художников России, участники немалого ряда выставок разного ранга: российских и зарубежных.
Когда-то они выставлялись по одиночке, каждый за себя. Но став членами единого коллектива, художниками и педагогами в одном лице, сегодня они олицетворяют собой совокупный творческий потенциал кафедры живописи и рисунка, магистральное направление развития факультета в будущем. Смысл этой совместной выставки можно определить как сверку часов зрелых художников и молодых ещё педагогов относительно своих предшественников и нового времени, в котором приходится им учить новых художников для Дальнего Востока.
Смена поколений это вроде бы естественное, как сама жизнь, явление. Но в нашей академии оно сопровождалось крушением советской эры, обвалом духовных устоев и творческих идеалов с ней связанных по всей России. В результате в художественной жизни страны мы наблюдаем сегодня не что вроде двоевластия. Очевидна поддержка официальных инстанций культуры модернизма. Но после полутора десятилетий свободы творчества на русской почве художники авангарда выдохлись, истощились от вседозволенности, занимаются вместо творчества «игрой в бисер». Место убеждений и идей (пусть и с отрицательным знаком) заняли расчёты рыночной коньюнктуры. Их искусство ныне сродни бизнесу.
Что же касается положения реализма в сегодняшнем искусстве, то оно не из лёгких. Посаженный на хлеб и воду, в смысле государственного обеспечения и поддержки, он в атмосфере внесоветской жизни, заметно видоизменился. Как писать, что писать — стало личным делом художника- реалиста, ставшего вдобавок художником-одиночкой. Сегодня жизнь диктует особый спрос на искусство. Галереи, а не Союзы художников, первенствуют по части удовлетворения потребностей в изобразительном творчестве. А самое главное, этот спрос стал тотально индивидуально частным. Государства и след простыл. А вместе с ним исчез общественный интерес к искусству, проявляемый через государственный заказ. Художественный рынок не способен стимулировать и востребовать на постоянной основе портрет, тематическую картину. И то и другое он фактически отменяет.
Современный частный рыночный спрос со стороны человекоединиц, а не общества и государства, привёл к перенастройке массы художников. Они становятся сплошь камерно-лирическими, малоформатными не только в размерах своих холстов, но и масштабах их содержательности. А между тем, во многих содержится скрытый потенциал быть не только пейзажистами, натюрмортистами, не только жить наедине с собой и природой. Своими работами (Глинщиков А. «Наблюдатель», Макеев Е. «Август», Попович Н. Портретный триптих) демонстрируют это особенно наглядно.
А ведь именно способность написать человеколюбивую картину, полную жизненного содержания, русская художественная школа культивирует, как высший уровень мастерства.
Поэтому нынешнее поколение преподавателей ДВГАИ выступает в двойственной, весьма трудной роли: охранителей основ русской школы и её преобразователей в новой исторической обстановке вокруг искусства. Им никуда не деться от вопросов адаптации к XXI веку заветов и программ вузовской подготовки. Они уже могли заметить зазор между идеалами школы и реальной творческой практикой в союзах художников. И недаром все они своим творчеством представляют нам реализм отнюдь не школьного толка. Это реализм резко обновлённый, колористически и пластически экспрессивный, идущий от сугубо личностного восприятия мира. Но даже в крайних случаях самовыражения, они создают, как правило, в работах информативно внятный художественный образ. В них видна установка на диалог со зрителем. Над выставкой реет атмосфера сильно выраженной и разнообразной художественной образности. Её экспоненты очень разнятся. А ведь произошли эти живописцы из одного корня, они вышли из мастерских одного художественного вуза, из ДВГАИ. Вот наглядное доказательство тому, что жёсткие требования школы не подавляют, а закаливают его воспитанников. В результате выставка преподавателей академии — наглядный пример органического творчества. В нём содержится бесценный опыт великой традиции академической культуры и реализма, однако преображённый в контексте наших дней современно мыслящими художниками.
Особенно наглядно эту органичность демонстрируют работы Виталия Медведева. Нескрываемо очевидно, что им движет сильное чувство — любви к Родине, Приморью, к Дальнему Востоку. Именно эта любовь позволяет ему неустанно общаться с природой. Не просто рассказывать о ней, а петь живописную песнь песней о Приморье. Наш край у Медведева вечно осенён солнцем, пронизан гармонической красотой. Эти красоту и гармонию он проводит в образах Приморья, как доминанту, как извечную данность. В результате в работах Медведева таится возможность их двойственного восприятия. Присмотритесь, в одном аспекте всё в них выглядит как «здесь и сейчас». В другом и преобладающем — Приморье предстаёт заповедным обиталищем красоты Божьего мира. С ней сопряжены, в ней растворены душевные состояния оптимизма и радости бытия, доведённые до волнующей душу яркости. И как такая большая выразительность достигнута в рамках реалистической правды, без малейших романтических наворотов? Загадка таланта!
На этой же выставке в пейзажном жанре особой группой выделяются Александр Енин, Игорь Обухов, Наталья Попович. Они — разные индивидуальности. Но на фоне «классика» Медведева в них открывается общая им черта. Это декоративное видение цвета, его форсированное звучание, это стремление сделать цвет главным выразительным элементом картины. Во всём и всё в мире они видят одно цветовое содержание, как самое интересное. Для них написать пейзаж значит, прежде всего, создать из картины природы образ цветового зрелища, которое у Попович раскаляется до цветового пиршества.
При такой одержимости цветом, естественно, наблюдается дистанцирование от полноты изображения свойств природы. Более важным становится проведение в творчестве принципа: «Вот так я вижу природу!» Такая активность самовыражения сегодня принимается за показатель современности в искусстве, стала нормой. Как представляется, удача или неудача на этом пути зависит от соотношения в пейзаже умного замысла и естественной природности. Если умозрительность не разъедает, как кислота, натуру, а наоборот, натуральность исподволь напитывает полотно, тогда пейзаж перестаёт быть головным конструктивным построением. Он становится образом одухотворённой природы и выразителем творящего духа художника, откровением о внутренней природе вещей, открывшейся его интуиции. Тогда могут возникнуть уникальные чудеса, производные от «второй природы», существование которой возможно исключительно в сфере искусства на основе условной знаковости и метафорического языка в живописи.
Енин, Обухов, Попович замечательно владеют пропорционированием жизни и выдумки на холсте. Стилевая обострённость, энергия авторского видения не подавляют в работах дыхание жизни. Чутьё природы, корректировка натурой обезопасили их стильные полотна от повторяемости, внесли в них разнообразие, непреедаемость их для зрителя.
Чувствуется — нашим художникам интересен окружающий мир и, наверное, потому, что это родной дальневосточный мир. Есть в материале природы и человеческой жизни Дальнего Востока «изобильное богатство свежих мотивов», не заштампованных до банальности в исторически молодом искусстве региона. В нём ещё не образовалось вязкого болота традиционализма. Твори, выдумывай, пробуй!
На этом пути современных художников от «природной картины» к параллельной и независимой от неё особой «второй природе» в искусстве мы наблюдаем и другие варианты творческого поведения. Иной художник, обладая всеми приёмами реалистической передачи натуры, абсолютно теряет к ней интерес в творчестве. Он перестаёт жить с природой вместе и заодно, общаться с ней «лицом к лицу». В чём же причина подобной мутации?
Дело в том, что в последние полтора десятка лет российское искусство получило массовую прививку метафизичности. Многие живописцы отвернулись от земного мира, данного человеку для восприятия его пятью чувствами. Искусство для них перестало быть продолжением и отражением мира вокруг нас. Эти художники всем образом своего творчества утверждают как аксиому следующее: «Моё представление о мире и есть для меня подлинная реальность». Причём они опираются не столько на разумную логику, а сколько на всплески подсознания, взрывы импровизации, откровения интуиции. Совсем по Пастернаку: «И чем случайней, тем вернее…»
«Метафизика» переводится: по ту сторону природы. Так Аристотель назвал мир духовных реальностей человека. Мир невидимый, зыбкий, прихотливый, никак не подчинённый закономерностям, общим для всех людей. Подчас сам человек не контролирует этот, его собственный, мир. Блуждает в его пространстве ощупью, как в потёмках.
Стремление творить поверх рациональности, опираясь на сверхчувственное мистическое «шестое чувство» свойственно Илье Бутусову, Александру Глинщикову, Евгению Макееву. Каждый по-своему работает суггестивным цветом, то есть внушающим цветом. Цветом, взятым не из натуры, а сотворённым художником специально для оформления вьявь метафизических видений его фантазии. Какого цвета может быть грусть, одиночество, задумчивая созерцательность? Каков цвет времени, радости или размышления? На такой странный вопрос может быть один ответ. У каждого художника разный, исключительно субъективный взгляд.
Кроме цвета эта прихотливая субъективность заявляет о себе в характере композиций, пространственно предметных связей внутри картин названных живописцев. Во всём наблюдается «сдвиг» относительно привычной логики мира сего, да и навыков массового зрителя. Им ощущается во всём непредсказуемость.
Последняя может быть разного рода. Во-первых, выступать как показатель творческой наэлектризованности; отвращения ко всему знакомому, стёртому до обыденности; острого внутреннего желания высказаться экспериментаторски свежо, через поиск — во что бы то ни стало. Только такой тип творчества такому художнику интересен. Но, во-вторых, бесконтрольная непредсказуемость может внести в картину головоломную загадочность, а значит, нечитаемость, а то и невоспринимаемость труда живописца со стороны зрителя. Работа становится непроницаемым секретным шифром без разгадки.
Поистине, этот творческий путь между авторским максимализмом и законным желанием зрителя (раз он дошёл до выставки) что-то получить от общения с живописью есть опасный путь между Сциллой и Харибдой.
Тем интереснее наблюдать, как по нему идут наши живописцы. Каждый из трёх «метафизиков» этой выставки является в своих работах под знаком некоей самой общей доминирующей выразительности. Е. Макеев — это охлаждённый ум, интеллектуалист; И. Бутусов — это беспрестанные выбросы заразительной эмоциональной энергетики во вне; А. Глинщиков запоминается душевной сосредоточенностью глубокого интроверта, вечно пребывающего «наедине с собой».
У них на всех есть одно весомое и решающее достоинство. При всей дистанцированности от прямых контактов с природой в эвклидовом трёхмерном пространстве натура опознаётся в их холстах (у каждого в разной мере). А когда зритель улавливает хотя бы веяние природы, усматривает хотя бы знаковый код натуры, то, даже при изобилии сложной гипертрофированной образности, он остаётся верным художнику активным и заинтересованным зрителем-сопереживателем. Именно поэтому их работы выглядят не как проходные опыты, а как интересные достижения. Они не ищут, а мастерски находят. Они продвинуты к новым творческим рубежам, они находятся внутри контекста современных ожиданий нового в искусстве со стороны зрителя в XXI веке.
Как замечательно, что все перечисленные художники этой выставки ещё и преподаватели ДВГАИ. Уверенно можно сказать: они обеспечат плодотворное будущее русской художественной школе на Дальнем Востоке.
Все, что происходит с нами в данный момент времени — значимо. НЕ забываем.
Всё, что с нами происходит в данный момент — Происходит: По настоящему/По взрослому. Прислушайся + Поверь + Прими + Наслаждайся + Улыбайся. Завтра будет ещё лучше. Если будет. Лучше пусть будет =)
P.S. Информацию о Вите, а так же другие ее работы вы можете посмотреть в галерее «Арт Владивосток» в разделе «фотография«.
В рамках проекта «Фотомарафон» персональная выставка фотографии Надежды Антышевой
Надежда родилась в 1977 г. в Молдове. Закончила факультет журналистики ДВГУ, ВПЛ № 38 (по классу фотография). Работает журналистом и фотографом в СМИ.
Участие в художественных проектах: Неоднократный участник коллективных выставок приморских фотографов и художников. Соавтор проекта «Пушкина галерея», образованного в рамках фестиваля «Лабиринты острова Русский» 2007-2008г.
Полароид не ушел от нас навсегда. Это — заблуждение. Разве может умереть такое чудо?
Бесспорно другое: полароид стал редким явлением в нашей жизни. Но он вернется. Он уже возвращается…
29 июля в галерее АРКА откроется выставка Надежды Антышевой «Под небом золотым есть город голубой». Серия работ создана автором под огромным впечатлением от рождения чуда моментальной фотографии. Причем, художник не ограничился просто созерцанием волшебства, а попытался проникнуть в его истоки…
Что из этого вышло? Секреты своего мастерства создатель оставит за кадром, а вниманию зрителя явятся несоизмеримо большие по сравнению с полароидной карточкой многослойные и полупризрачные картины, напоминающие полотна древних мастеров — так много на них запечатлелось физических проявлений времени.
Миф о городе вне времени и пространства. Городе, улицы которого уютно, как сытая кошка, свернулись на морском берегу. Городе, в котором девушки сказочно-прекрасны, а мужчины колоритны и сильны духом. Городе, где деревья и дома давно сплелись своими корнями, и оттого они умирают вместе, один за другим, потревоженные чьей-то извращенной мыслью. Городе, в котором все наоборот: небо до горизонта золотое, а берег, и дома, и люди, и кошки, и апельсины — все утонуло в голубом волшебном тумане…
Этот город обозначен точкой на карте. А Вы бывали в этом городе?
Адрес: ул.Светланская, д.5 Тел.: +7 (4232) 41-05-26, факс: +7 (4232) 32-06-63 www.arkagallery.ru и www.artnet.com/arka.html
Галерея открыта со вторника по субботу с 11:00 до 18:00
Золотой меандр или постмодернистский кроссворд путешествий
Владимир Ганин
Одна из выставок молодых русских художников, проходившая в Нью-Йорке в девяностых годах прошлого века, где были представлены и работы Владимира Ганина, называлась в духе того времени — «Дети перестройки». Определение скорее политическое, нежели художественное, но во многом и верное для авторов, которые выходили к зрителю как раз в пору потрясавших страну социальных преобразований, когда рухнули все идеологические преграды, и поток отечественного искусства хлынул за рубеж. Художников из России, особенно тех, кто стремился выйти из рамок официального советского канона, чтобы ступить на экспериментальное поле современного искусства, стали принимать во всем мире с распростертыми объятиями. Их охотно приглашали с выставками за границу, а зарубежные галеристы и коллекционеры прочесывали мастерские от Петербурга до Владивостока в поисках свежих имен. И длился этот бурный интерес лет десять — с конца восьмидесятых до конца девяностых. «Новая волна», «Ветер перемен», «Неизвестная Россия», «Новый русский авангард» — это все реальные зарубежные выставки, в которых участвовал Владимир Ганин, действительно подтверждая своими картинами пафос этих многообещающих названий. Профессиональное чувство линии и цвета, раскованное ассоциативное мышление, способность с помощью приемов живописного монтажа соединять в пространстве одного полотна разные временные пласты, и легкая, если не сказать виртуозная манера письма сразу же привлекли внимание специалистов и зрителей.
В девяностых годах автор учился в Дальневосточном институте искусств и, будучи еще студентом, выставлялся не только в городах Дальнего Востока, Москве, Петербурге, но и в Макао, Гонконге, Нью-Йорке. Более того, первые коллективные и персональные выставки у него произошли именно за границей. И это обстоятельство, как оказалось впоследствии, определило творческую судьбу — с 2000 года художник живет в Китае, преподает в Хунаньском университете рисунок и живопись, много путешествует не только по отдаленным районам Китая, но и по всей Юго-Восточной Азии, добирается вместе со своими выставками до Европы и Америки. Собственно говоря, эти путешествия сквозь страны и культуры, сквозь исторические эпохи и стали содержанием творчества Владимира Ганина, определили особенности его творческой манеры.
Но здесь важно и другое — художник быстро и естественно воспринял и впитал общий космополитический настрой искусства рубежа веков, с его смешением художественных направлений, стилей, тягой к массовой культуре, экзотике вообще и восточной в особенной степени. Пожалуй, в этом смысле он действительно стал русским художником новой генерации. Его творчество своими эстетическими принципами и самим содержанием — темами и сюжетами, связано с мировой культурой, с жизнью современного Запада и стран Востока, где древность удивительным образом переплетается с последними проявлениями цивилизации, а потому и адресовано мировому зрителю и галереям в самых разных точках света.
И вместе с тем Владимир Ганин — художник ярко выраженного индивидуального стиля, со своей палитрой тем, композиционных приемов и цветовой гаммой. Его живопись сегодняшнего дня — это выразительно сконструированный и по смысловому содержанию, и по колориту коллаж с элементами поп-арта, но без всякого применения посторонних предметов, тканей и прочего внешнего материала, наклеенного или размещенного иным способом на холсте, а исключительно написанный маслом, акрилом или в смешанной технике. Но своеобразие, эстетическую привлекательность и современность его картинам придает активное использование приемов граффити. Дело еще в том, что помимо граффити как такового, то есть уличного искусства, в восьмидесятых годах прошлого века возникло направление «граффитизма». Некоторые американские райтеры, так они себя называли, с улиц, площадей, из туннелей подземки перешли в художественные студии и превратили граффити в разновидность станкового искусства. Они стали писать свои сюжеты на холстах и других основах, а галереи уже сделали это направление популярным. Наиболее известен среди художников этого движения талантливый Жан-Мишель Баския, в свое время пригретый королем поп-арта Энди Уорхолом. Граффитизм взял на вооружение буйную фантазию, спонтанность, урбанизм и примитивизм уличного искусства, его тесную связь с массовой культурой, пристрастие к шрифтам и надписям разного толка — и таким образом появилась новая форма современной живописи.
Конечно же, Ганин, как художник, умело владеющий профессиональными навыками академической школы, изящно, со вкусом применяет только отдельные приемы граффити, эстетизируя их и наполняя совершенно иным содержанием, — историко-культурным и лирическим по преимуществу. Он свободно размещает в пространстве картины знаки памятников культуры: от архаики и древностей Востока, — наскальных рисунков, ритуальных масок, барельефов из храмов Ангкора, столицы древних кхмеров, через античную мифологию и сюжеты эпохи Возрождения до реалий сегодняшнего дня — дорожных указателей на многих холстах, или самолетов и автомобилей в работе «Сон». И все это скопление символов и артефактов цивилизации как раз в духе граффити покрыто цифрами, кусочками различных текстов, включая библейские, именами, аббревиатурами, обрывками этикеток, причем на разных языках — от иероглифов и латиницы до родной кириллицы.
На выставке «Путешествия в стиле граффити», представленной в галерее PORTMAY, экспозиция поначалу видится единым сверкающим восточным ковром, этаким постмодернистским гобеленом, где в хаотичный узор сплелись география мира, времена и народы. Картины одновременно и притягивают, и озадачивают, пока в работе «Нью-Йорк. Тайная жизнь улицы» вдруг не обнаруживаются три слова на разных языках, полустертые, словно написаны они давным-давно на древней стене: мир, история, человек. Они многое проясняют, пожалуй, это и есть главные понятия, определяющие философию автора, его художественную сверхзадачу.
А циферблат современных часов, показывающих разное время, который то и дело появляется в его работах, обозначая некий композиционный и смысловой центр, словно собирает всю историю человечества в единый круг пространства-времени. Таким же символом служит золотой, алый, голубой меандр, древнегреческий геометрический узор, напоминающий завитую раковину улитки, своего рода модель вселенной, спираль времени, которое никуда не течет, не исчезает, а вечно сохраняет самое себя.
Стремясь сложить из фрагментов разных эпох и цивилизаций мозаику современного мира, художник ищет ей духовное основание — так постепенно из года в год появляются работы из серии «Библейские истории». Над античными героями, восточными танцующими богами и персонажами китайской истории склоняется лик Спасителя, парят ангелы, а на улицы мегаполисов опускаются архангелы, чтобы затеряться в толпе. Сказать, что христианская тема придает работам художника некую особую философскую глубину и художественную ценность, было бы преувеличением — это всего лишь знаки в ряду прочих знаков. Но библейские мотивы смотрятся вполне органично в общей культурной панораме автора.
Впрочем, едва ли бы мы добрались до столь высоких материй и весьма отвлеченных обобщений, если бы не живописные достоинства произведений Владимира Ганина. Именно изысканная, тонко организованная цветовая композиция его работ, и, при всей артистичной небрежности линии и мазка, тщательно разработанная фактура поверхности холстов притягивают внимание и оставляют ощущение эстетической радости. У автора цвет является основным связующим веществом всего полотна. И потому даже не конкретные фигуры, предметы и символы составляют художественное содержание картины, а куски, пятна и наплывы цвета, которые создают движение холодноватого небесного воздуха в работах из серии «Библейские истории», светятся золотом и песчаной охрой на полотнах, посвященных античному прошлому Греции, или сгущаются темно-вишневым сумраком в испанских мотивах, заставляя вспомнить колорит Веласкеса и других испанских мастеров.
И только после того, как ты уже увлечен, притянут этим эмоциональным напряжением цвета, начинается путешествие в постмодернистском кроссворде автора. От клеточки со знаменитым носорогом с гравюры Альбрехта Дюрера до клеточки с кентавром, натягивающим лук, от джунглей Камбоджи, где веками смотрят на мир каменные лики индуистских богов Ангкора, до полных своей тайной жизнью вечерних улиц Нью-Йорка…
Александр Лобычев
Арт-директор галереи «PORTMAY»
Галерея «PORTMAY». Адрес: Владивосток, ул. Алеутская, 23А.
Телефон: +7 (4232) 302-493, 302-494.
URL: www.portmay.ru
Галерея работает без выходных с 10 до 19. Вход бесплатный.
В апреле 2009 года в галерее «Jinburyeong Museum», которая находится на севере Южной Корее на границе с Северной Кореей, проходила международная выставка «Россия. Япония. Корея», в которой принимал участие 41 художник из трех стран. С Корееской стороны организатор и идейный вдохновитель — арт-критик Shin Handsup, с российской стороны — Заслуженный художник России Ольга Никитчик. Активное участие в организации мероприятия принял корейский художник Rial Kim — старый и верный друг всех русских художников.
А мы имеем удовольствие посмотреть все самое интересное в фоторепортаже.
Фотографии предоставлены Лидией Козьминой и Олегом Подскочиным.
Ректорат Дальневосточной государственной академии искусств выражает искреннюю благодарность участникам, их преподавателям и руководителям учебных заведений, принявших участие в I Международной выставке-конкурсе творческих работ студентов и молодых художников Дальнего Востока, России и стран АТЭС «Арт Владивосток».
Выставка-конкурс была проведена при поддержке Министерства культуры РФ (ФЦП «Культура России 2006-2011»), Управления культуры Приморского края.
В качестве членов жюри были приглашены: Чибисов Николай Петрович (председатель жюри) — заслуженный художник России, председатель Секции иконописи Творческого Союза Художников России (г. Москва). Участник многих художественных выставок в России (в т.ч. в Академии художеств, Третьяковской галерее, музеях Кремля) и за рубежом. Джанг Габ Джу (Jung, Gab-Ju) — председатель Всекорейской ассоциации художников Кореи, профессор Университета Донг-А (г. Пусан, Республика Корея). Участник художественных выставок в Сеуле, Пусане, Франкфурте, Вене. Гончаренко Вениамин Алексеевич — профессор, Заслуженный деятель искусств России. Участник международных выставок в России, Китае, Японии. И.С. Ажимова — директор Приморской государственной картинной галереи. Н.А. Попович — декан художественного факультета ДВГАИ, член Союза художников РФ, доцент. Преподаватели кафедры живописи и рисунка ДВГАИ, члены Союза художников России: И. И. Бутусов, А. В. Глинщиков, В. В. Медведев, И.Б. Обухов.
Первый тур конкурса проходил на местах, в учебных заведениях. Отобранные работы были присланы для участия во втором туре, который проходил в Дальневосточной государственной академии искусств. В этом туре приняли участие около 130 человек из Владивостока и Приморского края, Южно-Сахалинска, Комсомольска-на Амуре, Хабаровска, Благовещенска, Москвы, Санкт-Петербурга, Якутска, Омска. Петропавловска-Камчатского, Ниигаты (Япония), Чань-Чуня и Харбина (КНР). Из трехсот работ, присланных на второй тур, было отобрано 73 работы для участия в выставке-конкурсе (III тур). Эти работы вошли в каталог.
Победителям конкурса были присуждены звания Лауреатов I, II и III премий, звания Дипломантов, Бронзовые медали ТСХ России. Остальные участники III тура получили грамоты за участие в выставке-конкурсе. Преподаватели награждены Дипломами за подготовку участников выставки-конкурса.
Первая Международная выставка-конкурс предоставила возможность молодым художникам начать свою выставочную деятельность с масштабного мероприятия, обеспечила возможность почувствовать себя в едином культурном пространстве с художниками из разных регионов России и из-за рубежа. Надеемся, что эта выставка-конкурс станет традиционной, будет проводиться один раз в два года, и будет способствовать сохранению и развитию отечественной системы художественного образования, стимулированию творческого развития учащихся, выявлению и поддержке молодых дарований, укреплению и развитию традиций русской живописной школы, сохранению художественной среды, необходимой для существования и дальнейшего развития профессиональных художников-живописцев.
И.о. ректора ДВГАИ
А.М.Чугунов
Список награждения участников выставки-конкурса вы можете посмотреть на второй странице публикации.
Персональная выставка фотографии Бранка Такахаши (Япония)
Кимоно, гета, велосипед… или (не) постижимость целостности картины
Бранка Такахаши
Бранка Такахаши (1970) по происхождению сербка, по образованию — японовед. Занимается литературными переводами (преимущественно с русского языка на сербский и обратно), увлекается беллетристикой (в 2008 году во Владивостоке вышел сборник коротких рассказов «Первые 37»), постигает мастерство фотохудожника (персональные выставки в Приморье: 2007 год — Музей современного искусства «Артэтаж», Владивосток, 2008 год — галерея «Арка», Владивосток, 2009 год — ВЦ «Галерея», Артём).
… «Какая целостность?! — она вообще, в принципе, непостижима!» — скажет наш брат, мыслящий бамбук. Ну, да-а-а… Не разгадан секрет «Чёрного квадрата», веками не перестаёт волновать загадочная улыбка Моны Лизы. А как быть с русской душой, не менее загадочной?! Как ни крути — только домыслы, теории и множественные вероятные трактовки. Что уж тут говорить о Японии, в которой ВСЁ по-другому?! Едят не то, ездят не так, когда пишут — не пишут, а рисуют, когда разговаривают, не смотрят прямо в лицо собеседнику; улыбаются, но в гости к себе не приглашают. Стало быть, негостеприимные, да? Или может быть дело в чём-то другом? Что вы говорите? А-а, стесняются своих маленьких квартир?!
Многие ездили в Японию, большинство вернулось с хорошими впечатлениями, тогда как некоторые сурово критиковали, но заметьте: эта страна ещё никого не оставила равнодушным. До глубинного понимания Японии и японцев нам, может, ещё далеко, но для начала предлагаем хотя бы прогуляться по улицам Токио, и обещаем, что чужими (как ни странно!) вы себя не почувствуете.
Бранка Такахаши,
Владивосток, июль 2009
Артэтаж — музей современного искусства, ДВГТУ
График работы: понедельник-пятница с 10 до 18, суббота-воскресенье с 11 до 17
Адрес: 690950, г.Владивосток, ул.Аксаковская, 12
Телефон: 8 (4232) 60-89-02
20 июля 2009 г. в 15.00 Приморская государственная картинная галерея организует пресс-конференцию с известным специалистом по ювелирному искусству Валентином Скурловым, Кавалером Ордена Карла Фаберже, экспертом Министерства культуры Российской Федерации и консультантом Русского отдела Аукционного дома «Кристи», членом редколлегий специализированных журналов «Антикварное обозрение» и «Русский ювелир».
В наш город авторитетного эксперта и историка, автора ряда солидных альбомов и книг, посвященных истории знаменитой фирмы Карла Фаберже и русского ювелирного искусства привели его научные интересы. По сведениям Выставочный зал
Партизанский проспект, 12, «…из Владивостока генерал Дитерихс вывез из банка в 1922 году около сотни предметов Фаберже, которые там хранились с 1917 года. Еще какая-то часть предметов Фаберже из Владивостока была обнаружена русским эмигрантом в Шанхае в 1926 году, о чем эмигрант сообщил Е.К. Фаберже в Париже». Валентин Васильевич уверен, что его поиски сведений об этих фактах, здесь, в нашем городе, могут увенчаться успехом.
Для всех интересующихся историей ювелирного искусства — музейщиков, экспертов, антикваров, представителей прессы 20 и 21 июля в 15 часов в выставочном зале Приморской государственной картинной галереи (Партизанский пр-т, 12) В.В. Скурловым будет прочитаны лекции «История фирмы Фаберже» и «Антикварный рынок». Валентин Скурлов готов ответить на вопросы присутствующих также по теме «Современный русский антиквариат и экспертиза».
Дополнительную информацию можно найти на сайте www.primgallery.com или в собственной газете «Картинная галерея».
Приморская государственная картинная галерея представляет выставку живописных и графических работ «Великолепие натюрморта. Века. Страны. Стили» из собственной коллекции галереи. Подобный показ, представляющий в одной экспозиции произведения, написанные мастерами Западной Европы и России в XVII – XX веках, наши зрители увидят впервые.
Натюрморт — наиболее любимый публикой жанр, понятный и привлекательный своей доступностью, красотой, близостью к жизни и быту человека, хотя в большинстве случаев предметы, изображенные на классических натюрмортах, наделены дополнительным — символическим смыслом.
В экспозицию вошли свыше 50 работ, которые позволят проследить развитие жанра в различных национальных школах — голландской (Неизвестный художник ХVII), французской (Жан-Батист Моннуайе, Жан Жувено), российской (А.В. Грищенко, А.В. Куприн, В.В. Лебедев, В.В. Рождественский и др.)
Истоки приморской школы живописи тесно связанны с отечественной традицией изобразительного искусства. Однако в лучших натюрмортах известных приморских художников (К.И. Шебеко, И.А. Ионченкова, В.М. Медведского, В.П. Лаханского и др.) неизбежно появляются непривычные вещи, своеобразные ракурсы, оригинальные цветовые и светотеневые эффекты, продиктованные особенностями природной среды края.
Сотрудники картинной галереи постарались сделать выставку интересной и для семейного просмотра — дети и родители смогут сами попробовать себя в роли создателей картин в жанре натюрморт!
Дополнительную информацию можно найти на сайте www.primgallery.com или в собственной газете «Картинная галерея».
В этом блоке графики представлены пять авторских техник, придуманных мной из чувства противоречия и от большой любви к графике как таковой. Мысль о том, что графика более древний инструмент изобразительного искусства, чем другие пластические языки мне кажется бесспорной, по крайней мере, для меня. Исходя из этой личной формулы, я пытаюсь хотя бы так остаться самим собой, имея ввиду, что художник это всегда отдельный мир.
Внимание к художнику и уж тем более отклик на его труд, по сути, важнейшая сторона его творчества, потому как зритель, несомненно, его соавтор. Спасибо!
