Выставочный зал:
г. Владивосток, ул. Алеутская, 12
Как ужасен был бы мир, если бы не рождались
постоянно дети, несущие с собой невинность
и возможность всякого совершенства. Д. Рескин
25 мая в 15:00 Приморская государственная картинная галерея представляет социально-художественный проект, созданный при непосредственном участии коллектива Детской городской клинической больницы №3 и маленьких пациентов больницы — детей–сирот в возрасте до 3 лет. Детский рисунок, инсталляция, фотография, декоративно-прикладное искусство смогут увидеть зрители в необычном проекте, приуроченном ко Дню защиты детей.
В отделении сестринского ухода больницы на сегодняшний день находятся 65 детей от месяца до трех лет, оставшихся без попечения родителей, попавших в трудную жизненную ситуацию. За этими сухими юридическими терминами стоят детские судьбы, изменить которые и есть цель этого проекта. Специалисты больницы работают в тесном контакте с местными государственными органами опеки – только они в России несут ответственность за размещение детей в принимающие семьи.
Проект предполагает не только рассказать о детях и результатах работы Детской городской клинической больницы №3 г. Владивостока, но и обратить внимание благотворительных организаций, спонсоров, общественности на нужды и проблемы детей-сирот, оказать адаптационную поддержку потенциальным родителям и опекунам в их желании принять ребенка в семью.
Организаторы:
Управление здравоохранения администрации г. Владивостока
Детская городская клиническая больница №3 г. Владивостока
Приморская государственная картинная галерея
Приморское представительство Российского фонда культуры
Приморское краевое отделение Общероссийского общественного благотворительного фонда «Российский детский фонд»
Общественный фонд развития социально значимых проектов и инициатив «Со-Действие»
Приморская государственная картинная галерея
Адрес: 690091, г. Владивосток, ул. Алеутская, 12
Телефон: +7 (4232) 411-144, 411-195
URL: www.primgallery.com
График работы: понедельник — четверг с 9:00 до 18:00, пятница с 9:00 до 17:00
Адрес: 690106, г. Владивосток, Партизанский проспект, 12
Телефон: +7 (4232) 427-748
График работы: понедельник — четверг, суббота — воскресенье с 9:00 до 18:00, пятница с 9:00 до 17:00
Выставочный зал:
г. Владивосток, Партизанский проспект, 12
Сальвадор Дали. 100 цветных гравюр к «Божественной комедии» Данте Алигьери
Впервые во Владивостоке представлен уникальный проект — выставка цветных ксилографий, выполненных Сальвадором Дали к «Божественной комедии» Данте. Местонахождение акварелей Дали к «Божественной комедии» на сегодняшний день неизвестно. Так что гравюры — единственное, что осталось от грандиозного проекта, подготовленного компанией «Арт — Регион».
Восточный кабинет. Камерная выставка из фондов галереи
В экспозиции вошли картины известного живописца, члена СХ России Цзян Шилуня. Художник родился на северо-востоке Китая, в 1948 году был направлен в Советский Союз в качестве преподавателя китайского языка и литературы. В настоящее время живёт и работает в Санкт-Петербурге. Работы мастера находятся во многих государственных музеях и частных коллекциях. На выставке представлено 18 произведений: пейзажи в традиционной китайской технике «го-хуа», предметы декоративно-прикладного искусства, скульптуры. Интересны работы неизвестного мастера – уменьшенные копии скульптур терракотовой армии гробницы императора Шихуанди периода династии Цинь (221-206 гг. до н.э.). Каждая фигура уникальна: воины отличаются друг от друга внешностью, позой, выражением лица и характеризуются тонкостью деталей.
Малый зал. Шедевры испанского искусства XVI-XIX вв. в собрании Приморской государственной картинной галереи. Факсимиле.
Экспозиция выставки «Живопись Испании XVI-XIX веков» из собрания Приморской государственной картинной галереи включает факсимильные репродукции картин знаменитых испанских мастеров: Эль Греко, Диего Родригеса де Сильва Веласкеса и Франсиско Гойи. Коллекция репродукций выполнена по специальному заказу. Изготовленные типографским способом копии максимально приближены к подлинникам, очень точно передают не только цвет, фактуру, но и характер авторского мазка. Работы подарены Надей Леже в знак любви и привязанности к своей родине, в память о муже – известном художнике Фернане Леже. Выставка подготовлена в рамках Года Испании в России.
Приморская государственная картинная галерея
Адрес: 690091, г. Владивосток, ул. Алеутская, 12
Телефон: +7 (4232) 411-144, 411-195
URL: www.primgallery.com
График работы: понедельник — четверг с 9:00 до 18:00, пятница с 9:00 до 17:00
Адрес: 690106, г. Владивосток, Партизанский проспект, 12
Телефон: +7 (4232) 427-748
График работы: понедельник — четверг, суббота — воскресенье с 9:00 до 18:00, пятница с 9:00 до 17:00
Выставочный зал:
г. Владивосток, Партизанский проспект, 12
В 1951 году итальянское правительство в рамках подготовки к празднованию 700-летия со дня рождения Данте заказало Дали серию иллюстраций к новому изданию «Божественной комедии». Однако из-за политических трений в верхнем эшелоне власти заказ был отменён. Художник же решил довести дело до конца. Так появились акварельные иллюстрации, по одной к каждой тысяче строк «Божественной комедии», в период с 1951 по 1960-й годы.
Дальше проект был подхвачен французским издателем Жозефом Форэ, для которого Дали изготовил около 5 000 гравюр, повторяющих акварельную серию, в период с апреля 1959 по ноябрь 1963 года. 55 месяцев упорного труда в 2-х парижских мастерских! Для изготовления гравюр было создано 3 500 деревянных досок, которые к окончанию работ были уничтожены во избежание создания в будущем копий. До сих пор считается, что гравюры обладают цветом непревзойдённого качества, максимально приближающего графику к живописи.
Местонахождение акварелей Дали к «Божественной комедии» на сегодняшний день неизвестно. Так что гравюры — единственное, что осталось от грандиозного проекта.
100 гравюр, экспонирующихся на выставке, подобраны в частных немецких коллекциях. Показ выставки в музеях России организован компанией Арт-Регион.
21 мая, в Ночь музеев, выставка будет работать до 01:00.
Приморская государственная картинная галерея
Адрес: 690091, г. Владивосток, ул. Алеутская, 12
Телефон: +7 (4232) 411-144, 411-195
URL: www.primgallery.com
График работы: понедельник — четверг с 9:00 до 18:00, пятница с 9:00 до 17:00
Адрес: 690106, г. Владивосток, Партизанский проспект, 12
Телефон: +7 (4232) 427-748
График работы: понедельник — четверг, суббота — воскресенье с 9:00 до 18:00, пятница с 9:00 до 17:00
Выставочный зал:
г. Владивосток, ул. Алеутская, 12
27 апреля 2011 года в 16:00 Приморская государственная картинная галерея представляет персональную выставку графических работ известного приморского художника Анатолия Заугольного. В экспозицию вошли 36 произведений, созданных в разное время, в течение двадцати лет.
Зрители смогут увидеть графические серии «Ситуации с сухими листьями», «Ситуации со стульями», «Ситуации у моря», «Ситуации с камнем», «Судьбы деревьев», «Умирающие деревни», «Колодец», «Ситуации в творчестве скульптора». Умение видеть за простыми обыденными вещами постоянное, вечное – сильнейшая сторона творчества Анатолия Заугольнова. Работы выполнены в различных техниках: акварель, карандаш, тушь, смешанная техника. Искусство художника обращено к духовному миру современника, требует работы души, напряжения чувства, осознания людских слабостей, и этим автор произведений стремится к нравственному совершенствованию зрителя.
О Заугольнове
Острое чувство ответственности художника за происходящее в окружающем мире, потребность сказать свое слово предостережения стали творческим импульсом рождения графических серий Анатолия Заугольнова «Ситуации с сухими листьями», «Ситуации со стульями», «Ситуации у моря», Ситуации с камнем», «Судьбы кораблей», «Судьбы деревьев», «Умирающие деревни», «Разрушенные храмы», «Колодец», «Ситуации в творчестве скульптора». За этим многообразием тем, волнующих художника, таится принципиально важное отношение к той жизненной действительности, с которой художник имеет дело. Ему чужда самоуспокоенность. Мучительные сомнения, раздумья о времени, о человеке, о людских отношениях определяют личность автора, а постоянное совершенствование, поиск и неустанный труд, четкие критерии и позиции в искусстве – кредо мастера. Анатолий увидел общность извечных вопросов и проблем человеческого бытия. Своими произведениями художник пытается взволновать зрителя, заставить его задуматься о прошлом, настоящем, будущем. Поэтому графические листы художника запоминаются зрителем как встреча с глубоко прочувствованными, выразительными произведениями.
Нынешняя персональная выставка имеет чёткую тематическую ориентацию – «Ситуации…». В ситуациях с сухими листьями, у моря, со стульями, с камнем художник сближает героев своих графических листов с людьми, наделяет их характерами, индивидуализирует, проигрывает человеческие взаимоотношения. Настоящий художник может творить, только ощущая дух своей эпохи, её сложности, чаяния, драматизм, интерес к неизменным человеческим ценностям. Умение видеть за простыми обыденными вещами постоянное, вечное – сильнейшая сторона творчества Анатолия Заугольнова. Своеобразие его графических листов в их содержательной многоплановости, причём не сложный, постепенно открывающийся и наиболее доступный зрителям слой несёт, как правило, основную информацию. Дальнейшее раскрытие планов содержательности обогащает и дополняет то, что «лежит на поверхности», создавая ёмкий образ современной жизни в её только на первый взгляд простых, а на самом деле глубинных аспектах. Листья «Уставшие», «Слепые», «На обочине», «В яме», «Лицемеры» – вот далеко не полный круг разнообразных ассоциаций, которые вызывают полные драматизма листы художника, общей чертой которых является метафоричность образов. Как справедливо заметил искусствовед Виталий Кандыба, «Заугольнов сумел превратить ситуации с листьями в обобщённо-широкое иносказание о человеческой жизни в её извечных социальных и психологических проявлениях».
Примечательная черта станковой графики художника – умение видеть современный мир, с его проблемами, борениями, страстями, и особое ко всему этому неравнодушие. Потому в работах Анатолия Заугольнова почти не бывает ни отчужденности по отношению к изображаемому, ни даже умиротворённо-созерцательных настроений и интонаций. Полные тревоги размышления о будущем Земли, земной жизни пронизывают лист «Предчувствие» из серии «Ситуации с сухими листьями».
В самой разнообразной интерпретации трактуются природные мотивы в работах художника. Вглядываясь в натуру, изучая её в мельчайших подробностях, Заугольнов всё же стремится затем акцентировать внимание на главном мотиве, он изображает один или несколько больших листьев, камней, деревьев, проигрывая с ними различные человеческие ситуации. Листы «Диалог», «Одинокая», «Мыслитель», «Трое», «Осень жизни» – это простые фигуративные композиции, наименования которых, казалось бы, исчерпывают их содержание. Но внимательному зрителю открывается в этих произведениях еще один план, который обогащает и углубляет их значимость – мы имеем дело с характерными портретами. Образы природы художник связывает с человеческой жизнью. Так, в серии с деревьями одни юные, тянущиеся к свету, к жизни, другие старые, пожившие, много повидавшие «дерева». В нервных изгибах их обнажённых ветвей, в их узловатых «руках» – вечное противоборство, трагизм прощания и жажда возрождения, у каждого свой мир, прожитые лета, тайна бытия.
Графическое творчество Анатолия Заугольнова многопланово. Каждая новая тема побуждает художника к поиску особых образно-выразительных средств и решений. Работы выполнены в различных техниках: это акварель, карандаш, тушь, смешанная техника. Обращение к моральным проблемам заставляет художника искать средства интеллектуальной, философской наполненности произведений. И здесь надо отметить, что сама личность художника определяет его отношение к отбору материала, который он, переосмысливая, воссоздаёт на листе. Для него важно раскрыть нравственные стороны человеческих отношений, и художник стремится раскрыть мир человека прежде всего через образы хорошо знакомых ему предметов, будь это стулья, корабли, скамейки или колодец. Потому так важен неожиданный взгляд на вещи, благодаря которому всё вокруг – знакомое, привычное, примелькавшееся – вдруг увидится и откроется по-новому. Простые вещи неожиданно преображаются, обретая новый смысл, утверждая в пространстве листов и на плоскости свое существование. «Два окна», «Две скамейки», «Колодец. Уходящий символ», листы из серии «Ситуации со стульями» наполняются жизнью, где за мирно соседствующими скамейками, за горящими тревожным светом окнами, конфликтующими стульями, видятся простые и необыкновенно важные человеческие отношения, дела, поступки. В эти работы надо всматриваться, ведь в них появилась редкая возможность заглянуть в чью-то душу.
Художник часто обращается к драматическим сюжетам, серии: «Разрушенные храмы», «Умирающие деревни», «Старые заборы», «Судьбы кораблей». Искаженно нарисованные корабли, распиленные и выброшенные штормом на берег, зияющие тёмными окнами покосившиеся дома и завалившиеся заборы вымирающих деревень, разрушенные святыни воздействуют эмоционально, активизируя арсенал зрительных образов и воспоминаний. Изображаемая в листах напряженная ситуация и композицией и цветом показывает всю сложность бытия. Но несомненно, что именно присутствие во многих работах драматического подтекста и эмоциональной напряженности духовно обогащает зрителя. Ведь проникнуться состраданием — это значит стать более отзывчивым, более чутким, сочувствствующим.
Акварель становится глубоко философичной, когда художник вверяет ей свои непростые раздумья о человеческой жизни, о том, как неотделима она от жизни природы и как сама природа, загадочна и вечна (триптих «Стремление к полёту»).
Для творческого метода Анатолия Заугольнова характерны скупость и вместе с тем эмоциональная содержательность приёмов, отсутствие развёрнутого повествования. Особенность композиций – низкий горизонт. Автор стремится усилить монументальное звучание образов-символов. С другой стороны, разномасштабность отдельных элементов нагнетает драматизм, усиливает экспрессивность. Нервные, напряжённо вибрирующие, пульсирующие ритмы штриха, чёткая ритмизация чёрно-белых или цветных пятен и линий, совмещение статики и динамики обогащают станковые листы художника, наделяют их жизненностью и многозначностью.
Заугольнов – рисовальщик. Рисунок для него – питательная среда, из которой вырастает всё им созданное, поэтому, он у художника открыто эмоционален. Состояние автора, восторг от встречи с натурой, выражается в живости линии, в росчерках, как бы непроизвольных и неуправляемых, но в конце концов обретающих лад и строй. Щедро, темпераментно, увлечённо разнообразные штрихи рождают в работах движение, переходы пространств, делают пластически выразительными предметы. Интересны листы, в которых подчёркивается многодельность технического решения, точность избранных пластических ходов, тональность моделировки формы. Но техническая виртуозность здесь не самоцель, она подчинена у художника выявлению внутреннего психологического состояния.
Графические циклы Анатолия Заугольнова открыто публицистичны. У художника особая способность по-новому видеть в жизни то, что примелькалось, мимо чего мы проходим не замечая. Не искажая естественных форм предметов, легко, различными средствами, художник достигает удивительной выразительности, побуждающей зрителя к глубоким раздумьям. Размышляя о социальных, нравственных, эстетических коллизиях нашего времени его «Ситуации…» выражают сложность человеческой жизни, всё, что в ней неясно и не изречено, непередаваемо никакими словами.
Личность Анатолия Заугольнова поражает неистощимой энергией, убеждённостью и преданностью высоким нравственным идеям, остротой реакции на актуальные проблемы современности. Он один из тех думающих художников, у которых вещи не только хорошо построены и ярко эмоциональны, но за ними ещё всегда есть продуманный замысел. Его искусство обращено к духовному миру современника, его произведения требуют работы души, напряжения чувства, и этим он духовно поднимает зрителя, осознавшего пагубность обличённых художником слабостей.
Алёна Даценко
искусствовед, главный хранитель
Приморской государственной картинной галереи
Приморская государственная картинная галерея
Адрес: 690091, г. Владивосток, ул. Алеутская, 12
Телефон: +7 (4232) 411-144, 411-195
URL: www.primgallery.com
График работы: понедельник — четверг с 9:00 до 18:00, пятница с 9:00 до 17:00
Адрес: 690106, г. Владивосток, Партизанский проспект, 12
Телефон: +7 (4232) 427-748
График работы: понедельник — четверг, суббота — воскресенье с 9:00 до 18:00, пятница с 9:00 до 17:00
Выставочный зал:
г. Владивосток, ул. Алеутская, 12
30 марта в 14 часов Приморская государственная картинная галерея в связи с Годом Италии в России представляет выставку «Искусство Италии XIV-XVIII веков. Шедевры музеев мира из коллекции Нади Леже» из фондов галереи.
Экспозиция состоит из 43 факсимильных копий произведений великих итальянских мастеров эпохи Возрождения: Леонардо да Винчи, Рафаэля, Микельанджело, Тициана, Мазаччо, Гирландайо, Пинтуриккио, Беллини, Фра Филиппо Липпи, Боттичелли, Тинторетто и ряда других художников. Подлинные творения хранятся в Лувре, Дрезденской картинной галерее, в Ватиканском дворце, Сикстинской капелле, Прадо, Метрополитен-музее, Вашингтонгской национальной галерее, Эрмитаже и многих других знаменитых музеях, дворцах и храмах.
Надя Леже, (урожденная Надежда Петровна Ходасевич) в 1924 году приехала в Париж, где стала сначала ученицей и ассистенткой, а затем женой известного французского художника Фернана Леже. После смерти мужа, в знак любви к своей родине, Надя подарила СССР коллекцию из 2 000 факсимильных репродукций «Шедевры музеев мира». В 1981 году коллекция была распределена Министерством культуры СССР между художественными музеями страны. В Приморскую картинную галерею поступило 123 факсимиле. Изготовленные по прогрессивной тогда технологии, они точно передают все живописно-фактурные особенности оригиналов, позволяя зрителям почувствовать индивидуальную манеру каждого мастера.
Шедевры итальянской живописи
В связи с празднованием Года Италии в России Приморская государственная картинная галерея открывает выставку «Искусство Италии XIV-XVIII веков. Шедевры музеев мира из коллекции Нади Леже».
Надя Леже (урожденная Надежда Петровна Ходасевич) родилась в 1904 году в белорусской деревне Осетищи под Витебском в бедной и многодетной крестьянской семье. Училась у К. Малевича В Витебске (1918), а затем в Государственной живописной мастерской у В. Стрелинской в Смоленске (1919). В 1922 — отправилась в Польшу, где посещала занятия Варшавской Академии художеств. В 1924 году приехала в Париж, чтобы учится живописи у Фернана Леже.
Надя помогала знаменитому художнику в работе над монументальными и декоративными произведениями, была его ассистенткой в Академии современного искусства. В 1930-е годы организовала издание журнала «Современное искусство» (на французском и польском языках), где публиковались репродукции картин представителей парижской школы, в том числе Ф. Леже, А. Озонфана, П. Пикассо и других.
В 1952 г. Надя вышла замуж за Фернана Леже и поселилась близ Парижа. После смерти мужа (1955) организовала музей его имени, впоследствии передав музей государству. Фернан Леже, знаменитый французский художник, будучи членом Французской коммунистической партии, поддерживал отношения со многими партийными и общественными деятелями СССР.
Надя Леже в 1960–1970-е годы неоднократно бывала в Советском Союзе. В знак любви и привязанности к своей родине, в память о Фернане Леже Надя подарила СССР коллекцию из 2 000 факсимильных репродукций («факсимиле» в переводе с латинского означает «подобный»). Изготовленные по прогрессивной тогда технологии, репродукции максимально приближены к подлинникам. Они точно передают все живописные особенности оригиналов: цвет, фактуру, характер авторского мазка, позволяя зрителям почувствовать индивидуальную манеру каждого мастера.
В 1981 году коллекция была распределена Министерством культуры СССР между художественными музеями страны. В Приморскую картинную галерею поступило 123 факсимиле, оригиналы которых хранятся в Лувре, Дрезденской картинной галерее, галере Палатино, в капелле Бранкачи во Флоренции, в старой Пинакотеке Мюнхена, в Ватиканском дворце, Сикстинской капелле, Прадо, Метрополитен-музее, Вашингтонгской национальной галерее, Национальной галерее Лондона, Эрмитаже и многих других знаменитых музеях, дворцах и храмах.
Экспозиция выставки «Шедевры итальянского искусства XIV-XVIII веков в собрании ПГКГ» включает сорок три факсимильных репродукции произведений мастеров итальянской живописи, созданных в основном в эпоху Возрождения.
Возрождение (франц. – ренессанс) — это период в культурном развитии стран Западной Европы (в Италии – XIV-XVI вв., а в других странах конец XV-XVI вв.), переходный от средневековой культуры к культуре нового времени. Это период стремительных изменений общественных идеалов и художественных идей, разрушения феодально-религиозных представлений, поиска новых форм в искусстве. Отличительные черты культуры Возрождения, антифеодальной в своей основе: светский, антиклерикальный характер, гуманистическое мировоззрение, обращение к культурному наследию античности, как бы возрождение его.
Возрождение возникло и ярче всего проявилось в Италии, где уже на рубеже XIII-XIV веков (Проторенессанс) его провозвестниками выступили поэт Данте и художник Джото. Термин «Возрождение» впервые употребил в 1550 году итальянский художник Дж. Вазари, автор «Жизнеописания наиболее знаменитых живописцев, ваятелей и зодчих». Он назвал Возрождением деятельность итальянских художников после долгих лет упадка в период «средневековья и варварства».
Утверждение идеала гармоничной, раскрепощённой творческой личности, красоты действительности, обращение к человеку как к высшему началу бытия, ощущение цельности и закономерности мироздания – отличительные черты европейской культуры эпохи Возрождения. Художники Италии: Мазаччо, Гирландайо, Пинтуриккио, Беллини, Фра Филиппо Липпи, Боттичелли, Леонардо да Винчи, Рафаэль, Микельанджело, Тициан, Тинторетто и многие другие, последовательно овладевали искусством художественного отражения действительности – передачи объёма, света, изображения человеческого лица и фигуры (в том числе обнажённой), а также реальной среды – интерьера и пейзажа. В эту эпоху большого уровня развития получил жанр портрета.
Творчество деятелей искусства Возрождения проникнуто отрицанием католической схоластики и аскетизма, верой в безграничные возможности разума и воли человека. Используя религиозные сюжеты, характерные для средневековья, художники наполняют их новым содержанием. Так, существенные изменения претерпевают традиционные образы Богоматери и младенца Христа. Теряя чисто сакральный смысл, они становятся средством утверждения земной, чувственной красоты материнства.
Вера в неисчерпаемые возможности человека оказалась подорванной в период позднего Возрождения (середина и конец XVI века), что выразилось в появлении маньеризма, стиля, отразившего кризис художественных идеалов эпохи Итальянского Возрождения. Художники-маньеристы (Якопо Понтормо, Анжело Бронзино и многие другие) виртуозно владели изысканной техникой живописи мастеров старшего поколения, таких, как Джоржоне, Джованни Беллини, Тициан. Но произведения маньеристов уже не отличаются высокой духовностью и носят подражательный характер.
Впервые после Высокого Ренессанса гармония содержания и формы стала распадаться из-за чрезмерного развития и эстетизации отдельных элементов изобразительных средств: линии и силуэта, красочного пятна и фактуры, штриха и мазка. Красота отдельно взятой детали становилась важнее красоты целого. Нарушение классической гармонии сопровождалось поисками новых способов достижения художественной выразительности. Отсюда идёт странная, непонятная для воспитанного на классическом искусстве зрителя дисгармония форм, деформация фигур, кажущихся на картинах маньеристов надуманными, жеманными. В живописи Бронзино, например, пропорции остаются классическими, но разрушается целостность пространства. Слишком крупные фигуры не умещаются в отведённых им пределах, они либо перерезаются рамой, либо зрительно как бы выпадают из плоскости картины. Их контуры становятся орнаментальными.
Если в искусстве титанов Высокого Возрождения: Леонардо, Рафаэля, Микельанжело были заложены ранние формы ряда других художественных стилей, в том числе классицизма и барокко, то в произведениях маньеристов, при несомненном профессиональном мастерстве, чувствуются кризисные стилистические тенденции: скудость замысла, вторичность идей, искусственность и манерность.
Людмила Варламова
Приморская государственная картинная галерея
Адрес: 690091, г. Владивосток, ул. Алеутская, 12
Телефон: +7 (4232) 411-144, 411-195
URL: www.primgallery.com
График работы: понедельник — четверг с 9:00 до 18:00, пятница с 9:00 до 17:00
Адрес: 690106, г. Владивосток, Партизанский проспект, 12
Телефон: +7 (4232) 427-748
График работы: понедельник — четверг, суббота — воскресенье с 9:00 до 18:00, пятница с 9:00 до 17:00
Выставочный зал:
г. Владивосток, ул. Алеутская, 12
Приморская государственная картинная галерея приглашает Вас посетить персональную выставку акварели Ирины Миклушевской художника, кандидата искусствоведения, члена Ассоциации искусствоведов.
Постижение мастерства
Акварельный мир, где яркие натюрморты с цветами и фруктами поражают сочностью и насыщенностью красок, а морские пейзажи с их утесами, бескрайним небом и особым коричневато-перламутровым воздухом перенесут к побережью, открывается на выставке Ирины Миклушевской в Приморской государственной картинной галерее.
Это первая персональная выставка художницы, ученицы Московской государственной специализированной Школы акварели Сергея Андрияки. Народный художник РФ, действительный член Российской Академии художеств, педагог, художественный руководитель школы, Сергей Андрияка входит в число ведущих мастеров современной акварельной живописи. Ирина, одна из лучших его учениц, также работает в технике акварели, но не той, знакомой нам всем, легкой и прозрачной alla prima, а классической многослойной акварели, обладающей огромными выразительными возможностями, секрет которой был почти утрачен в прошлом веке.
Акварель существует с давних времен: ею раскрашивали папирусы в Древнем Египте, была эта техника знакома этрускам, использовалась в Китае. В средние века акварельными красками выполняли иллюстрации и украшения рукописных книг (миниатюры, орнаменты). В XV веке с появлением гравюры на дереве, акварелью стали раскрашивать оттиски, чертежи, рисунки. В эпоху Возрождения появляются акварельные пейзажи, но лишь в XVIII столетии она становится самостоятельной живописью. Привычную для нас прозрачность и эфемерность акварельная живопись приобрела во второй половине ХХ столетия. Именно тогда большую популярность получила техника по-мокрому и утвердилась традиция вести такую живопись «alprima» (итал. alla prima), то есть делать работу за один сеанс, которая у большинства людей ассоциируется с атмосферой легкости и воздушности.
Оригинальность техники, в которой работает Ирина, состоит в многослойности акварели, которая выполняется постепенным наложением слоев краски друг на друга, иначе говоря — лессировками. Лессировки (от немецкого lasierung — покрытие глазурью) — прием живописной техники, состоящей в нанесении очень тонких слоев прозрачных и полупрозрачных красок поверх высохшего красочного слоя. Такой приём дает возможность ослабить или сделать более насыщенными краски, добиться синтеза и гармонии колорита, сделать его более богатым. Чаще всего многослойная акварельная живопись – это живопись с предварительным общим или моделирующим тоном, в некоторых случаях называемым подмалевком, поверх которого художник постепенно накладывает прозрачные слои краски, достигая определенной световой силы. Это так называемая классическая многослойная акварель, сегодня оказалась практически везде забыта, продолжая существовать лишь в Англии.
Во второй половине XVIII века началось мощное развитие английской школы акварельной живописи, которая по сей день считается самой выдающейся. Английская акварель большеформатная, панорамная, монументальная. В этой акварели встречаются и приемы масляной живописи, но здесь ничего невозможно исправить. Если в масле возможно при постепенном нанесении красочных слоев что-либо изменить, то в акварели все нужно заранее продумать и просчитать, поправить что-то потом уже невозможно. Английская школа акварели оказала огромное влияние на дальнейшее развитие искусства. Английские художники первые стали использовать акварель как живописное, а не только графическое средство. Техника акварели стала широко применяться прежде всего в пейзажной живописи, так как быстрота работы акварели позволяет фиксировать непосредственные наблюдения, а воздушность её колорита облегчает передачу атмосферных явлений.
К середине XIX века школы акварельной живописи появились практически во всех странах Европы, включая Россию. В России, развитие техники плотного многослойного письма акварелью по сухой бумаге связано с именами Карла (1799-1852) и Александра (1798-1877) Брюлловых, Александра Иванова (1806-1858), Петра Соколова (1791-1848) и других. Акварельная живопись России достигла исключительного расцвета в последние десятилетия XIX и первые два десятилетия ХХ века. К сожалению, в XX веке эта акварельная техника была почти забыта, отчасти потому, что многие новые краски, введённые в широкое употребление акварелистами середины века, оказались весьма недолговечными и быстро выцветающими.
Проблема здесь заключается в том, что часто и современные художники, и мастера прошлого не заботились о выборе качественного материала для своих творений. Поэтому вопрос о долговечности акварели вызывает жаркие споры. Но при внимательном и требовательном отношении мастера к материалам и соблюдении технологии живописи получаются произведения, способные прожить долгие столетия. И самое важное — это качество бумаги: её бескислотность и малый процент проклеенности. Современные недорогие сорта бумаги выполнены с использованием древесно-целлюлозной массы. В результате в толще листа остаются кислотно-щелочные остатки, которые как и метод глубокого проклеивания бумаги, под воздействием света и кислорода воздуха приводят к пожелтению и разрушению основы, ослаблению красочных пигментов. В связи с этим хочется подчеркнуть, что Ирина пишет на особой бумаге французского производства, выполненной вручную из натурального хлопка с бескислотной основой. Это означает, что срок хране ния акварелей практически неограничен, ибо им не страшны ни солнечный свет, ни перепады температур. В настоящее время в нашей стране уже давно не выпускают бумагу, пригодную для акварельной живописи. Зная это, опытные мастера используют те сорта, которые по старым технологиям производятся в ряде западных стран (Англия, Франция, Германия). Такая бумага дорогая, однако и произведение, на ней созданное, способно прожить долгие столетия. К примеру, в английских замках старые акварели и сегодня, начиная с XVIII века, висят на своих привычных местах, не боясь света и воздействия времени.
Ирина Миклушевская, как и её учитель, стремятся возродить технику, приемы, жанры русской классической многослойной акварели. Интерес Ирины к акварели имеет не только практический, но и научный подход. Тема её успешно защищённой диссертации на соискание учёной степени кандидата искусствоведения также связана с акварелью — «Романтические традиции русской акварельной живописи в первой половине XIX века».
Представленные на выставке пейзажи и натюрморты художницы написаны как с натуры, так и по памяти. Сделанные на пленэре многочисленные этюды являются важным подготовительным этапом при создании станковых акварелей. Пейзажи, выполненные летом, зимой, осенью, передают различные состояния природы, каждое из которых удивительно и привлекательно для художницы. В жанре пейзажа предпочтение отдаётся изображению морской стихии. Многочисленные этюды с видами моря отражают состояние, когда художница один на один общается с природой. Как пишет сама Ирина: «Изображение моря, возможно, является самой романтической темой в живописи. Ведь безбрежная гладь волн зовёт в дальние странствия к открытиям чего-то нового не только в неизвестных странах, но и в душе путешественника. Морская стихия позволяет человеку в полной мере проявить свои личностные качества. То есть именно море в любом своём состоянии созвучно душе романтика». Непосредственное общение с природой даёт возможность отказаться от стереотипов, передать увиденные состояния природы и воздуха, что становится результатом глубокого чувственного переживания автора.
Сложился круг излюбленных мотивов художницы: бескрайнее, волнующееся море и огромное небо над ним, утёсы, покрытые плотной растительной массой, и морская гладь; деревья, стоящие сплошь, или одинокие, с мощными купами и причудливым сплетением их теней на земле или снегу; залитые солнечным светом или затянутые грозовыми облаками морские пейзажи; волны, бьющиеся о берег или вспенивающиеся барашками от лёгкого ветерка. Каждый пейзаж, будь это станковая акварель или этюд, передают сиюминутное состояние природы, движение облаков в небе, колорит, свет, тень, а главное — бесконечное любование автора красотами земли.
Особое место в творчестве художницы занимают натюрморты. Акварельный натюрморт – явление редкое. В XVIII-XIX веках, когда техника многослойной акварели переживала свой расцвет, в ней, в основном, выполнялись портреты и пейзажи. Педагог Ирины Сергей Андрияка сумел вывести акварель на большой формат, доступный прежде только масляной живописи, развил жанр натюрморта, выполненного в технике многослойной акварели. Влюбившись в этот жанр и сделав его одним из ведущих в своём творчестве, Ирина пользуется средствами тонких тональных градаций, выдерживая единство конструктивного, колористического, компоновочного решения. Именно в натюрмортах художницы, в большой степени в отличие от других жанров, раскрывается композиционное мышление. В больших станковых листах она выстраивает отношения и организует смысловые столкновения изображаемых предметов. Её постановочные натюрморты с фарфоровой и металлической посудой, статуэтками, вазами, цветами и фруктами, старинными книгами и предметами быта отличаются изысканностью и оригинальностью замыслов, радуют глаз сочетанием света и цвета. Яркие краски и выразительные мазки, владение техникой классической многослойной акварели, вобравшей в себя лучшие традиции отечественной и западноевропейской школы, позволяют передать всё богатство фактуры: блеск металла, мягкость шёлка, прозрачность стекла и бархатистость восточного ковра.
В жанре на тюр морта художницу особенно за нима ет цве точ ный на тюр морт. В постановках, сочетающих букеты цветов и предметы из различных материалов, последние подчеркивают своими рукотворными качествами свойства растений, их фактуру, форму, цвет. В других работах художница сосредотачивает внимание на самих цветах, используя выразительные возможности фрагментарной композиции. В таких работах ничто не отвлекает от созерцания естественной красоты этих великолепных творений природы, она тонко чувствует красоту цветов, которая передаётся и зрителю. Так, через изображение обычных, ничем не примечательных предметов, которые автор наделяет символическими значениями, передаются настроение и внутреннее состояние автора.
Ставя перед собой новые творческие задачи, следуя традициям русской академической художественной школы, Ирина Миклушевская, предоставляет заинте ресованному зрителю, а в особенности любите лю и поклоннику акварели, уникальную воз можность, возможность общения с настоящим искусством.
Алёна Даценко
искусствовед,
главный хранитель
Приморской государственной картинной галереи
Ирина Миклушевская
Приморская государственная картинная галерея
Адрес: 690091, г. Владивосток, ул. Алеутская, 12
Телефон: +7 (4232) 411-144, 411-195
URL: www.primgallery.com
График работы: понедельник — четверг с 9:00 до 18:00, пятница с 9:00 до 17:00
Адрес: 690106, г. Владивосток, Партизанский проспект, 12
Телефон: +7 (4232) 427-748
График работы: понедельник — четверг, суббота — воскресенье с 9:00 до 18:00, пятница с 9:00 до 17:00
Выставочный зал:
г. Владивосток, Партизанский пр-т, 12
11 февраля в 14:00 Приморская государственная картинная галерея в рамках празднования Года Королевской Испании в России представляет выставку «Испанская живопись XVI-XIX веков» из коллекции Нади Леже «Шедевры музеев мира». В экспозиции представлены 22 репродукции картин знаменитых мастеров Испании XVI-XIX веков, среди которых «Вид Толедо» и «Апостолы Пётр и Павел» Эль Греко, «Портрет инфанты Маргариты» и «Менины» Диего Родригеса де Сильва Веласкеса, «Бой быков» и «Маха обнажённая» Франсиско Гойи.
В 60-е годы прошлого века Надя Леже создала коллекцию копий известных шедевров западноевропейской живописи, оригиналы которых хранятся в лучших музеях мира: Лувре, Дрезденской картинной галерее, Прадо, Метрополитене, Вашингтонской национальной галерее. В знак любви и привязанности к своей родине и в память о супруге, художнике Фернане Леже, Надя подарила СССР коллекцию из 2 000 факсимильных репродукций, выполненных по специальному заказу, – 123 из них теперь хранятся в Приморской государственной картинной галерее. Репродукции максимально приближены к подлинникам и очень точно передают не только цвет, фактуру, но и характер авторского мазка.
Выполненные в разных жанрах, эти произведения позволяют познакомиться с основными направлениями изобразительного искусства Испании XVI-XIX веков.
Выставка факсимиле из коллекции Нади Леже
Экспозиция выставки «Живопись Испании XVI-XIX веков» из собрания Приморской государственной картинной галереи включает двадцать две факсимильные репродукции картин знаменитых испанских мастеров: Эль Греко, Диего Родригеса де Сильва Веласкеса и Франсиско Гойи, подаренных Надей Леже Советскому Союзу в 60-е годы прошлого века. Выставка подготовлена в рамках Года Королевской Испании в России.
Надя Леже (урожденная Надежда Петровна Ходасевич) родилась в 1904 году в многодетной крестьянской семье Витебской губернии. В 1922 она уехала в Польшу, посещала занятия Варшавской Академии художеств. В 1924 году переехала в Париж.
Парижская живописная школа тех лет являла собой сплав разных культур, своеобразный образец интернационального искусства. В Париже Надя сблизилась с Фернаном Леже. Она помогала знаменитому художнику в работе над монументальными и декоративными произведениями, была его ассистенткой в Академии современного искусства. В 1930-е годы организовала издание журнала «Современное искусство» (на французском и польском языках), где публиковались репродукции картин представителей парижской школы, в том числе Ф. Леже, А. Озонфана, П. Пикассо и других.
В 1952 г. Надя вышла замуж за Ф. Леже и поселилась близ Парижа. После смерти мужа (1955) организовала музей его имени, впоследствии передав музей государству. Фернан Леже, знаменитый французский художник, будучи членом Французской коммунистической партии, поддерживал отношения со многими партийными и общественными деятелями СССР.
Надя Леже в 1960–1970-е годы неоднократно бывала в Советском Союзе. В знак любви и привязанности к своей родине, в память о Фернане Леже Надя подарила СССР коллекцию из 2 000 факсимильных репродукций («факсимиле» в переводе с латинского означает «подобный»), выполненных по специальному заказу. Изготовленные типографским способом по прогрессивной тогда технологии репродукции максимально приближены к подлинникам, очень точно передают не только цвет, фактуру, но и характер авторского мазка.
В 1981 году коллекция была распределена Министерством культуры СССР между художественными музеями страны. В Приморскую картинную галерею поступило 123 работы, оригиналы которых хранятся в лучших музеях мира: Лувре, Дрезденской картинной галерее, Прадо, Метрополитен, Вашингтонской национальной галерее, Эрмитаже. Выполненные в разных жанрах (религиозные и бытовые композиции, портрет, пейзаж, натюрморт), произведения позволяют познакомиться с основными направлениями развития изобразительного искусства Испании XVI-XIX веков.
Эль Греко (1541-1614) – прозвище выдающегося испанского живописца, портретиста, автора религиозных, аллегорических и жанровых картин. Настоящее его имя — Доменико Теотокопули. По происхождению он грек с острова Крит. Начальное художественное образование получил у иконописцев старой византийской школы, что сказалось на формировании его художественного стиля. Позже учился в Венеции у Тициана и в Риме у миниатюриста Джулио Кловио. Вплоть до 1570 года, испытывая сильное влияние венецианцев, Греко писал многофигурные красочные композиции на религиозные темы, решённые как светские сцены.
Причина переезда мастера в Испанию, в Мадрид, а через полтора года в город старой аристократической знати Толедо, неизвестна. Ранние испанские работы Эль Греко еще сохраняли черты жизнеутверждающего Ренессанса, но постепенно в его творчестве стали преобладать отвлечённость и мистика. В произведениях позднего периода персонажи как бы освобождаются от земного начала и живут своими религиозными чувствами, аскетическими идеалами, пребывая в состоянии экстаза.
В картине «Богоматерь со святой Инессой и Теклой» (1597-1599, Национальная галерея, Вашингтон) зрителя поражают большеглазые лица, похожие на лики византийских икон, удлиненные тела, извивающиеся складки одежд, холодные мерцающие краски.
Персонажам фигурных композиций присущи черты портретности. Примером служит картина «Апостолы Пётр и Павел» (1610-1614, Государственный Эрмитаж, Санкт-Петербург). Здесь задача художника заключалась в том, чтобы показать в контрастном сопоставлении два разных темперамента и характера. Фанатическая властная натура Павла проявляется в блеске его глаз, в переливах огненного одеяния. Лицо Петра, погружённого в раздумья, его фигура и даже рука, повисшая под тяжестью ключей, выражают печальную покорность.
В пейзаже «Вид Толедо» (1610-1614, «Толедо в грозу», Музей Метрополитен, Нью-Йорк) Эль Греко изобразил город, лежащий между холмов, и грозовое небо, на тёмном фоне которого рисуются ажурные строения: дворцы, мост, крепостные стены. Это реальный вид Толедо, но он кажется таинственным и волшебным.
Эль Греко был богат, образован и очень известен, но не создал художественной школы. Развитие испанского искусства пошло другим путём.
Наивысшие достижения испанской реалистической живописи XVII века нашли отражение в творчестве Диего Родригеса де Сильва Веласкеса (1599-1660), придворного живописца испанского короля Филиппа IV (c 1623), члена Академии Святого Луки в Риме, кавалера почётного рыцарского ордена Сант-Яго.
Художник родился в Севилье в эпоху бурного расцвета национальной культуры, в «золотой век» испанского искусства. Его современниками были Сервантес, Лопе де Вега, Кальдерон, Мурильо, Сурбаран, Рибера. В Севилье Веласкес, сын небогатого идальго, учился живописи у старого Франсиско Пачеко. Мифологическая и религиозная тематика не занимала значительного места в его творчестве. Художника увлекла жизнь народа. Жанровые темы для картин он искал на улицах и площадях родного города.
Весной 1623 года Веласкес приехал в Мадрид, не имея ничего, кроме дворянского имени да умения рисовать. В Мадриде ему помогло то, что первый министр Филиппа IV Габсбурга Гаспарде Гусман был тоже родом из Андалузии. Проницательный честолюбец заказал Веласкесу свой портрет. Заказ был выполнен с блеском, и министр взялся рекомендовать земляка королю. Так Диего да Сильва Родригес, носивший по андалузскому обычаю фамилию матери Веласкес, стал придворным художником короля Испании.
В последние 10 лет жизни, после знакомства с Рубенсом и двух поездок в Италию, художник создал лучшие из своих произведений. Он написал всемирно известные портреты инфанты Маргариты, любимой дочери короля Филиппа IV, где облик хрупкой, болезненной, милой девочки, закованной в роскошное парадное платье, передан в сочетании прелестных жемчужно-серых и розово-красных тонов. Портрет занимал ведущее место в творчестве художника. Мастер не льстил заказчикам и в лучших работах достигал вершин социального обобщения.
В 1630-е годы Веласкес создаёт знаменитую серию охотничьих и конных портретов, помещая фигуру в пейзаже, пронизанном светом и воздухом. К лучшим портретам относится портрет принца Карлоса Бальтазара. Маленький наездник с жезлом в руке восседает на грузно скачущем коне. Образу прелестного ребёнка вторит залитый солнцем пейзаж. Художник мастерски умел различать сотни оттенков цвета и предавал их с большой точностью. Световоздушная среда, которая как бы обволакивает предметы жемчужно-серебристой дымкой, объединяет чёрные, розовые, жёлтые, зелёные тона в единую цветовую гамму.
В последние годы жизни Веласкес создаёт знаменитые «Менины» («Фрейлины», 1656, Прадо, Мадрид), запечатлев саму жизнь через её мгновение. Через столетия мы вглядываемся в серовато-зелёные сумерки просторной дворцовой мастерской и неожиданно встречаемся взглядом с Веласкесом. Он стоит у мольберта, постаревший, с упрямо торчащими усами, подняв руку с кистью и пристально вглядываясь. Он пишет портреты короля и королевы. На дальней стене комнаты видны их отражения в зеркале. Рядом с художником, озарённая светом, льющимся из невидимого окна, стоит златоволосая инфанта Маргарита, глядя, как нарядный карлик пинает ногой дремлющую собаку. Две фрейлины развлекают инфанту. В глубине комнаты видны фигуры двух придворных. Третий придворный (гофмаршал) стоит далеко. Его резко очерченный силуэт выделяется на фоне ярко освещенной раскрытой двери. Этот композиционный приём придает сцене, доходящую до полной иллюзии, пространственность.
Франсиско Гойя (1746-1828), полное имя Франсиско Хосе де Гойя-и- Лусиентес) — выдающийся испанский живописец и гравёр, мастер портрета, декоративных панно и монументальных росписей, искусный офортист, придворный живописец испанских королей, директор живописного отделения Академии Сан Фернандо (1795-1797) родился в Арагоне, в местечке Фуэндетодос близ Сарагосы в семье бедного ремесленника, позолотчика алтарей Хосе Гойя, но мать его, Грасио Лусиентес, происходила из обедневшей дворянской семьи. С 14 до 20 лет Гойя учился у сарагосского художника Лусано Мартинеса, позже в Мадриде у придворного художника Франсиско Байеу (Байе).
Легенды рассказывают о романтических приключениях, силе и удали, темпераменте и необузданном характере молодого Гойи. После одной из драк, спасаясь от преследования, он уехал в Мадрид, а затем в Италию. Денег не было, но ловкий и сильный юноша зарабатал их как тореадор. В Италии он вёл тот же бурный образ жизни: поединки, серенады, приключения, однако успел расширить художественный кругозор и получить вторую премию на выставке Пармской академии.
По возвращению на родину художник три года работал в Сарагосе, расписывая церкви и дворцы. Успех пришёл к нему в Мадриде. В 35 лет Гойя уже не гуляка, музыкант, прожигатель жизни, а серьёзный художник, честолюбивый и настойчивый. Он создал портреты, жанровые сцены, картоны для ковров королевских мануфактур, добившись богатства и положения в обществе, получив звание придворного художника.
В 48 лет тяжёлая болезнь (шум в ушах, головные боли, нарушение равновесия) на два года оторвала Гойю от работы. Выздоровев, он оглох. Не осталось и следа ухарства и горячности, свойственных ему в молодости. Художник стал острее чувствовать, глубже понимать людей и события, вдумчивее работать.
Уставший и многое переживший, Гойя понял, что в окружающем его мире царит ложь, тупость, ханжество, суеверие. В 1790 году появляется его знаменитая серия «Капричос» (Фантазия, игра воображения, 1793-1803) из 83-х офортов, где, прибегая к иносказанию, сплетая фантазию и реальность, художник создал сатиру на пороки человеческого общества. Страстным и драматичным становится искусство Гойи в годы оккупации Испании войсками Наполеона. Войне за независимость станы он посвятил 82 листа серии «Десастрес» (Бедствия войны, 1810-1820).
В конце жизни Гойя остался в одиночестве: умерла жена и дети, друзья были изгнаны инквизицией за пределы страны. Дамоклов меч инквизиции висел и над самим художником, который жил в загородном доме (Дом глухого), расписывая картинами стены. Там он и создал последние 20 графических листов, полных боли и горечи за судьбу Испании. Они кажутся кошмаром, а на деле символически связаны с жизнью страны тех лет.
В годы революционного подъёма (1820-1823) мастер создаёт яркие, жизнеутверждающие образы людей из народа. Сознанием силы, энергии, здоровья веет от крепкой фигуры испанки Исабель Кобос де Порсель (1806, Лондон, Национальная галерея), женщины чувственной, волевой, горделивой.
Картина «Праздник майского дерева» (1788), жизнерадостная, похожая на театральную сценку, посвящена национальному весеннему празднику испанцев. На верхушке столба привязан приз: победит тот, кто первым сможет достать его.
Долгое время считалось, что на работе «Маха обнажённая» (1802) изображена герцогиня Каэтана Альба, легендарная возлюбленная Гойи. Но испанское слово «маха» обозначает «девушка из народа». Сегодня эту картину называют ещё «Венера XX века». Есть у Гойи и «Маха одетая». Натурщица та же, но имя её неизвестно.
После подавления восстания Риего Гойя под предлогом лечения уехал во Францию, в город Бордо. Здесь прошли последние четыре года его жизни, здесь он написал портреты друзей и создал обаятельный образ бордосской молочницы. В 84 года художник умер, его прах был перевезён в Испанию только спустя 70 лет.
Приморская государственная картинная галерея
Адрес: 690091, г. Владивосток, ул. Алеутская, 12
Телефон: +7 (4232) 411-144, 411-195
URL: www.primgallery.com
График работы: понедельник — четверг с 9:00 до 18:00, пятница с 9:00 до 17:00
Адрес: 690106, г. Владивосток, Партизанский проспект, 12
Телефон: +7 (4232) 427-748
График работы: понедельник — четверг, суббота — воскресенье с 9:00 до 18:00, пятница с 9:00 до 17:00
Выставочный зал:
г. Владивосток, Партизанский пр-т, 12
Камерная выставка из фондов галереи
Цзян Ши Лунь. «Горы-воды»
1 февраля в 14:00 Приморская государственная картинная галерея представляет камерную выставку из фондов галереи «Восточный кабинет». В экспозиции вошли картины известного живописца Цзян Шилуня, а также предметы декоративно-прикладного искусства, скульптура. Всего представлено 18 произведений, выполненных в различных жанрах и техниках.
Изучив старинные трактаты о традиционной китайской живописи «го-хуа», Цзян Шилунь создал произведения в своей собственной манере. В них он запечатлел вечную красоту природы — мощь её скалистых гор и низвергающихся водопадов, нежность цветущих деревьев.
Цзян Шилунь — член СХ России. Родившись в Мукдене на северо-востоке Китая, в 1948 году был направлен в Советский Союз в качестве преподавателя китайского языка и литературы. Первые годы параллельно с педагогической деятельностью занимался живописью, в дальнейшем полностью посвятил себя ей. В настоящее время вот уже более шестидесяти лет живёт и работает в Санкт-Петербурге. Работы мастера находятся во многих музеях и частных коллекциях, одиннадцать приобретены Государственным Эрмитажем.
Исторически сложилось так, что в Китае никогда не пользовались ни мольбертом, ни холстом. Кисть, бумага, тушь и тушеница служат одинаково как для рисования картин, так и для написания иероглифов. В китайском языке их называют «четыре драгоценности из кабинета ученого и мастерской художника». Среди произведений декоративно-прикладного искусства в экспозиции представлены художественные принадлежности для работы тушью, авторские фаянсовые изделии XIX-XX вв.
В экспозиции можно увидеть фигуры воинов, лошади неизвестного мастера – уменьшенные копии скульптур терракотовой армии гробницы императора Шихуанди периода династии Цинь (221-206 гг. до н.э.). Каждая фигура уникальна: воины отличаются друг от друга внешностью, позой, выражением лица и характеризуются тонкостью деталей.
Музей терракотовых воинов и лошадей Цинь Ши Хуанди, реплики экспонатов которого находятся в «Восточном кабинете», был открыт в 1997 году и стал самым большим историческим музеем на планете. В нем шесть основных экспозиций: три раскопа склепов, выставка бронзовых колесниц с лошадьми, выставки культурных реликвий и драгоценностей из мавзолея императора.
Выставка продлится до конца 2011 года.
Приморская государственная картинная галерея
Адрес: 690091, г. Владивосток, ул. Алеутская, 12
Телефон: +7 (4232) 411-144, 411-195
URL: www.primgallery.com
График работы: понедельник — четверг с 9:00 до 18:00, пятница с 9:00 до 17:00
Адрес: 690106, г. Владивосток, Партизанский проспект, 12
Телефон: +7 (4232) 427-748
График работы: понедельник — четверг, суббота — воскресенье с 9:00 до 18:00, пятница с 9:00 до 17:00
Выставочный зал:
г. Владивосток, Партизанский проспект, 12
22 декабря в 16:00 Приморская государственная картинная галерея представляет персональную выставку живописных и графических работ художника Кима Коваля — талантливого художника, общественного деятеля.
В экспозицию вошли работы, хранящиеся в фондах ПГКГ, а также — из коллекции семьи художника. Главная цель, которой хотели достичь организаторы — ещё раз показать на примере творчества настоящего художника, что нет «плохих» и «хороших» направлений в искусстве, могут быть лишь состоявшиеся или нет произведения искусства.
Зрителям выпадает редкая возможность увидеть лучшие, можно сказать, классические образцы разнопланового творчества мастера: живописные сюжетные композиции, этюды и графику; работы, созданные в русле социалистического реализма и такие, где автор пробует решать пространство и образы через формальные поиски, присущие ХХ веку.
Ким Петрович Коваль. Живопись, Графика
Ким Коваль. «Оттепель»
Ким Коваль родился в декабре 1930 года в Никольске-Уссурийском (ныне — Уссурийск). Любовь к рисованию была привита ему дядей, братом матери — В.С. Анкуденко, выпускником Омского художественного училища. Художественное образование Коваля продолжилось в 1945-1948 годах в студиях под руководством Н. Ромашкина, А. Пека, С. Арефина. В послевоенные годы, когда художественных училищ было мало, именно студии восполняли пробел в художественном образовании молодёжи, там работали профессионалы, обучение велось на высоком уровне.
В 1956 г. в Приморской организации СХ СССР был объявлен закрытый конкурс на эскиз картины, тему которой выбирал сам художник. Эскиз Коваля занял первое место, и автор в качестве премии получил путёвку в Дом творчества «Академическая дача». Там Ким Петрович продолжил своё образование, периодически принимая участие в творческих заездах Академической дачи. Он с благодарностью вспоминал В.Ф.. Загонека, братьев С.П. и А.П. Ткачёвых, В.Н. Гаврилова, повлиявших на него и поддержавших в начале творческого пути. Дебют молодого художника в 1960 г. на первой республиканской выставке «Советская Россия» был блестящим — шесть работ было принято к показу! Столь доброжелательный приём со стороны и публики, и коллег свидетельствует о том, что творчество Коваля отвечало запросам того времени: люди искали в искусстве искренности, лирики, душевной открытости, непосредственности переживания. А эти качества являются отличительными чертами живописи Коваля.
В отличие от своих Владивостокских коллег, стремившихся за впечатлениями на Север, в морские просторы, Ким Петрович искал свои темы и своих героев в приморской глубинке: в колхозных посёлках, на пограничных заставах, на дальних метеостанциях. Пейзажи Коваля как бы обрамляют какой-нибудь эпизод человеческой жизни. Приметы людского бытия становятся у него опорными моментами композиции, но они не являются довлеющими, а живописно и пластически вплетаются в пейзаж, образуя единое целое. Природа у Коваля — обиталище людей, поэтому дома, тропинки, лодки, машины, трактора обязательно присутствуют в его пейзажах. Детские и женские образы всегда занимали особое место в творчестве уссурийского мастера — ведь он так любил и был привязан к своей семье — жене и двум дочерям, Ольге и Ирине! Киму Петровичу особенно удавалось передать состояние воздушной среды, световых эффектов и цветовых отношений, характерных для континентального Приморья. Любимый им солнечный свет, затопляя пейзаж, высветляя краски, сочетает цвета в мажорные созвучия. Особенно ему удавались редкие мгновения на излёте зимы, когда весна только ещё предчувствуется, как «весна света», по пришвинскому определению, когда она только витает в воздухе. Часто дети оживляют его весенние и летние пейзажи, усиливая радостный и возвышенный смысл пробуждения и цветения в природе.
Как правило, содержание работ Кима Петровича во многом проявляется через живописно-пластическое решение, его картины обычно — не рассказ, длящийся во времени. Они раскрываются зрителю целиком и сразу — как яркое интенсивное впечатление. Их содержанием, по сути, является переживание художником солнечного света, радости жизни и детства, красоты природы — вечных ценностей, внятных любому человеческому сердцу.
В произведениях Коваля 1970-х годов камерность и лирика сменяются патетической напряжённостью, стремлением к обобщению, созданию, если так можно выразиться, симфонических произведений на тему Родины, гражданственности, таких как «Шикотан. Курилы», «Весна в Приморье». В новых масштабах грандиозного мира сугубо личные настроения автора отходят на второй план, теряют своё главное значение. Цвет приобретает пастозную плотность, материальную вещественность, басовую звучность. Живописная кладка больших пятен решительна, их контрасты напряжены, контуры подчёркнуты. Благодаря этому у Коваля в пейзаже возобладал волевой и мужественный тон, чуть смягчённый сдержанной лирикой.
Потом был ещё поворот — когда художник открыл для себя северную тему — после поездки на Камчатку. В «Камчатской осени» (1979) поэтически соединились величавый, без конца и края, тундровый простор гористой Камчатки и присущая раннему Ковалю напевная лиричность цвета с оттенками голубизны ягеля, густо-красного тона осенних ягодников, малахитово-изумрудного мягкого мха, золотистой желтизны карликовой берёзы.
Коваль готов был учиться и учился всю свою жизнь. В 1979 году ему довелось побывать на Кубе, в 1987 — в Индии. Этюды, эскизы, наброски, которые привёз художник из зарубежных поездок, открыли ранее несвойственные его манере качества. В короткий срок Ковалю удалось освоить и принять как свои собственные приёмы постимпрессионистической живописи, с её плоскостностью композиции, цветовыми заливками и острой линейной характеристикой образов, тяготеющих к знаку. Таковы «Танцовщицы», «Крестьянская семья», «Танец. Куба» (все — 1979), «Индия. Агра», «Индия. Женщина с кувшином», «Индия. Апельсиновый сад» (все — 1987).
Ким Петрович ушёл из жизни очень рано, полным сил, замыслов, планов. Но его дело подхватили товарищи по Уссурийской организации Союза художников, его дочь, Ольга Никитчик, которые делают всё возможное, чтобы сохранить и приумножить традиции и дух творческого братства, воспитанный в них отцом и старшим товарищем.
Приморская государственная картинная галерея
Адрес: 690091, г. Владивосток, ул. Алеутская, 12
Телефон: +7 (4232) 411-144, 411-195
URL: www.primgallery.com
График работы: понедельник — четверг с 9:00 до 18:00, пятница с 9:00 до 17:00
Адрес: 690106, г. Владивосток, Партизанский проспект, 12
Телефон: +7 (4232) 427-748
График работы: понедельник — четверг, суббота — воскресенье с 9:00 до 18:00, пятница с 9:00 до 17:00
Выставочный зал:
г. Владивосток, Партизанский проспект, 12
14 декабря в 13:00 центр музейной педагогики Приморской государственной картинной галереи представляет выставку по итогам краевого конкурса детского рисунка «Библейские сюжеты в произведениях юных художников»
Свои работы представили на конкурс более 300 участников в возрасте от 5 до 17 лет из Владивостока, Артема, Находки, Арсеньева, Большого Камня, Партизанска, Михайловки, Анучино и других городов и сел Приморского края.
Победителями творческого состязания названы 50 участников. 15 авторов заняли призовые места. Специальными призами и поощрениями награждены 35 юных художников. В экспозицию вошли около 100 лучших живописных и графических работ, изделия декоративно-прикладного творчества, последовательно изображающие основные события земной жизни Христа. Ярко и красочно представлены православные праздники, страницы русской истории.
Духовно-нравственное, патриотическое воспитание подрастающего поколения, приобщение молодежи к духовным ценностям русской культуры, выявление новых талантов — основная цель проводимого мероприятия.
Приморская государственная картинная галерея
Адрес: 690091, г. Владивосток, ул. Алеутская, 12
Телефон: +7 (4232) 411-144, 411-195
URL: www.primgallery.com
График работы: понедельник — четверг с 9:00 до 18:00, пятница с 9:00 до 17:00
Адрес: 690106, г. Владивосток, Партизанский проспект, 12
Телефон: +7 (4232) 427-748
График работы: понедельник — четверг, суббота — воскресенье с 9:00 до 18:00, пятница с 9:00 до 17:00
